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Mis blogs son Altamira (Historia del Arte, Cine, Cómic, Fotografía, Moda), Heródoto (Actualidad, Ciencias Sociales y Pensamiento) y Mirador (Joan Miró, Arte y Cultura Contemporáneos).y Pensamiento, Religión y Teo

jueves, 29 de agosto de 2013

El artista hispano-italiano José de Ribera.

El artista hispano-italiano José de Ribera.


Gragera de León, Flor. Luz sobre el joven José de Ribera. “El País” (9-VII-2013) 37. El Prado expone su San Jerónimo, de 1615.

El artista holandés Vermeer.

El artista holandés Vermeer.

*<Vermeer>. Londres. National Gallery (2013). Cinco pinturas de Vermeer y treinta de otros artistas (Gerard ter Borch, Pieter de Hooch, Gabriel Metsu, Godfried Schalcken, Jan Steen…) holandeses del Barroco sobre el tema de la música. Comisaria: Betsy Wieseman. Reseña de García, Ángeles. Así pintaba Vermeer la música. “El País” (26-VI-2013) 45.

La artista británica Tacita Dean (1965).

La artista británica Tacita Dean (1965).

[http://www.theguardian.com/artanddesign/jonathanjonesblog+tacita-dean]
Tacita Dean (Canterbury, 1965), artista visual (o de la imagen en película).
Establecida desde 2000 en Berlín con su marido, el artista Matthew Hale, y su hijo Rufus, nacido en 2005. Le diagnosticaron en 1992 una artritis reumatoide que progresivamente la va incapacitando para andar.
Formada en la Slade School de Londres, hizo su tesis doctoral sobre su admirado Cy Twombly. Fue finalista del Turner Prize en 1998 y celebró una primera retrospectiva en la Tate Britain en 2000. Ha realizado unas cuarenta obras en películas de 16 mm (ocasionalmente en 35 mm, como en FILM de 2010 en la Tate Modern), un formato que teme que pronto quedará obsoleto por el triunfo del digital, aunque también utiliza otros medios como pintura, dibujo, fotografía, objets trouvés
Destaca entre su última producción la serie Five Americans, de films y fotografías sobre los creadores en sus talleres, con Leo Steinberg, Merce Cunningham, Cy Twombly, Claes Oldenburg y Julie Mehretu, y que expuso en el New Museum de Nueva York en 2012, y que refleja su interés por lo pequeño y anecdótico, como reflejo auténtico de la vida y la creación más pura.

Fuentes.
Internet.
[http://es.wikipedia.org/wiki/Tacita_Dean]
Artículos.
Collera, Virginia. Pintora de la evanescencia. “El País” Babelia 1.129 (13-VII-2013) 3-4.
De Diego, Estrella. Quebradizo y sutil. “El País” Babelia 1.129 (13-VII-2013)5.

Arquitectura Contemporánea: Italia. Gae Aulenti (1927-2012)...

ARQUITECTURA CONTEMPORÁNEA: ITALIA.

ARQUITECTOS.

La arquitecta italiana Gae Aulenti (1927-2012).
La arquitecta italiana Gae Aulenti fallece a los 85 años de edad
[http://www.abc.es/20121101/cultura-arte/abci-fallece-arquitecta-aulenti-201211011238.html]
Gae Aulenti, experta en modernización y restauración de edificios públicos (el Palazzo Grassi de Venecia, el Quai d'Orsai de París o el MNAC de Barcelona), fue una profesora y arquitecta eminente, que abrió camino a las generaciones siguientes de arquitectas, derribando obstáculos hacia su plena igualdad.
Fuentes.
Internet.
[http://es.wikipedia.org/wiki/Gae_Aulenti]
Artículos.
Geli, Carles. Fallece Gae Aulenti, ‘madre’ del MNAC. “El País” (2-XI-2012) 45. Tagliabue, Benedetta. Gae Aulenti, genio en la arquitectura. “El País” (3-XI-2012) 53.

El arquitecto italiano Paolo Marconi (1933-2013).
Herrero de Jáuregui, Amaya. Obituario. Paolo Marconi, el guarda de la belleza de Roma. “El País” (22-VIII-2013) 37. Paolo Marconi (1933-2013), arquitecto y profesor experto en restauración del patrimonio histórico-artístico.

El arquitecto italiano Renzo Piano (1937).
Renzo Piano (Génova. 1937).
Lucchini, Laura. Renzo Piano / Arquitecto. “Sólo las cavernas resisten los ataques”. “El País” (11-III-2007) 53-55.
Fernández Santos, Elsa. Santander persigue el ‘efecto Bilbao’. “El País” (20-VI-2012) 42. Renzo Piano explica su proyecto para el Centro Botín, un edificio para la cultura de la Fundación Botín.
Zabalbeascoa, A. Piano: de la gran a la pequeña escala. “El País” (24-VI-2013) 41. El arquitecto italiano culmina una vivienda mínima en el Vitra Campus.
Zabalbeascoa, A. El pequeño Pompidou. “El País” El Viajero 799 (21-II-2014) 10. El edificio fabril de B&B en Novedrate (cerca de Milán), de Renzo Piano y Richard Rogers, un precedente inmediato del Centre Pompidou.
Fernández, Milena. La periferia del senador Piano. “El País” Semanal 1.976 (10-VIII-2014) 40-45.
El arquitecto italiano Aldo Rossi (1931-1997).
Rossi, Aldo. La arquitectura de la ciudad. Gustavo Gili. Barcelona. 1982 (1969). 309 pp. Sobre la “Ciencia Urbana”.
Scully, Vincent (introducción); Moneo, Rafael (epílogo); Andrews, Mason (textos de proyectos). Aldo Rossi. Obras y proyectos. Gustavo Gili. Barcelona. 1986 (1985). 320 pp.

El arquitecto y urbanista italiano Bernardo Secchi (1934-2014).
Bernardo Secchi (Milán, 1934-2014), arquitecto y urbanista.

Mangada, Eduardo. Obituario. Bernardo Secchi, urbanista. “El País” (8-X-2014) 46. 

El arquitecto italiano Giuseppe Terragni (1904-1943).
Giuseppe Terragni (18-IV-1904 a 19-VII-1943), arquitecto moderno, vinculado al fascismo.
Fernández-Galiano, Luis. Terragni en punto de fuga. “El País”, Babelia 647 (17-IV-2004) 20.

El artista hispano-argentino Rafael Amengual (1938).

El artista hispano-argentino Rafael Amengual (1938).
Una versión de este texto se incluye también en el blog El Mirador por su leve relación de influencia con Joan Miró.
Una gran retrospectiva de Rafael Amengual hace por fin justicia a este gran artista, uno de los más destacados en Mallorca en los últimos decenios.

Rafael Marcial Amengual es un pintor y escultor hispano-argentino (Mendoza, Argentina, 1938). Hijo de emigrantes mallorquines establecidos en Argentina, recibió su primera formación artística en este país, donde estudió por libre en la Universidad de Cuyo y en la Academia Provincial de Bellas Artes de Mendoza, y posteriormente la continuó de modo autodidacta, sobre todo en Europa, desde que en 1962 vino a estudiar en España e Italia, descubriendo en 1963 Mallorca, en la que desde entonces reside y trabaja en su taller en las afueras del pueblo de Manacor. Sus siguientes viajes por Gran Bretaña y el resto de Europa completaron una formación artística de extraordinaria amplitud, que se refleja en su obra repleta de referencias cultas.
Amengual entiende el arte como un logro íntimo alejado de la disciplina y el interés de los grupos: ‹‹El arte no tiene explicación, es un sentimiento, como la música, no se tiene que entender, se tiene que sentir››, y esto redundó en una firme voluntad de independencia, como recalca el joven comisario de la muestra, Fernando Gómez de la Cuesta: ‹‹Nunca se ha vendido a la tiranía del mercado››.
Su estilo se sitúa en un expresionismo tenso entre la figuración y la abstracción, con claros influjos o afinidades del surrealismo, particularmente de Miró como denotan sus provocadores objetos escultóricos que ensamblan objetos cotidianos, muchos de ellos hallados en el campo mallorquín, y asimismo está influido por el informalismo de Tàpies y Antonio Saura, a los que hacer sinceros homenajes en algunas obras.
Desde los años 80 se ha decantado cada vez más por un arte radicalmente abstracto, con un creciente interés por la pintura matérica, como se advierte en la serie Corazones, y las texturas del dibujo con técnicas mixtas. Se inspira en una contemplación reposada de la naturaleza que enlaza con la filosofía oriental, un paralelismo más con Miró y Tàpies, y el influjo oriental es también patente en el despojamiento de elementos secundarios, la delicadeza de la grafía y la austeridad del color, pero su arte también está pleno de fuerza mediterránea, de una refinada sensualidad, y todo lo aúna con una seguridad técnica pasmosa, con una pincelada segura e inmediata que revela empero una concienzuda preparación previa. Un excelente resumen de su imaginario, nutrido del subconsciente y de la naturaleza, se puede contemplar en la obra Polaroid, que presenta fotos de sus principales motivos.
Su primera exposición individual la celebró en el Club Universitario de Mendoza en 1958, y su primera en España fue en la Sala Pelaires en 1971. Ha expuesto sobre todo en España, Alemania y Austria. Entre los escritores y críticos que han comentado su obra destacan Miguel Ángel Asturias, José Corredor-Matheos y Antonio Fernández Molina, y en Baleares resaltan Blai Bonet, Guillem Frontera y Josep Melià.
Amengual fue uno de los promotores del ‘Grup Dimecres’, que entre marzo de 1975 y 1979 reunió con regularidad un amplio elenco de artistas e intelectuales, entre los primeros Steve Afif, Jim Bird, Miquel Brunet, Will Faber, Llorenç Ginard, Josep Guinovart, Manuel Hernández Mompó, Ellis Jacobson, Guillem Jaume, José María de Labra, Robert Llimós, Longino Martínez, Ritch Miller, Angela Von Newman, Pombo, Juli Ramis, Bartomeu Riera Bassa, Eusebio Sempere, John Ulbricht y Manolo Vilalta; y entre los segundos Antonio Fernández Molina, Damià Huguet, Rafel Jaume y Josep Melià entre otros.
Poster de la exposición del Palau Solleric en 2011.

Fuentes.
Exposiciones.
<Escultures de pintor: una veritat possible>. Palma de Mallorca. Palau Solleric (julio-septiembre 2011). Cat. Textos de Rafael Amengual, Biel Amer, et al. 187 pp.
<Rafael Amengual. Retrospectiva>. Palma de Mallorca. Palau Solleric (2 septiembre-27 noviembre 2011). 180 obras de pintura, dibujo, escultura y fotografía. Patrocinda por la CAM (Caja de Ahorros del Mediterráneo). Comisario: Fernando Gómez de la Cuesta. Cat. Folleto de una página.

Internet.
Amengual, Rafael. [www.facebook.com/pages/Rafael-Amengual/] Sobre la actualidad del artista.
Amengual, Rafael. [amengual.com/extractos/] Selección de comentarios de escritores y críticos de arte sobre el artista.

Documental.
Redacción. Informativo emitido en RTV Mallorca (1-IX-2011), con entrevista al artista [www.dailymotion.com/video/xkttr3_exposicio-de-rafael-amengual_news]

Artículos.
Redacción. Exposición retrospectiva de Rafael Amengual en el Casal Solleric, Palma de Mallorca. [arteycoleccionismo.wordpress.com] (8-IX-2011).
Redacción. Inaugurada una exposición con obra de Rafael Amengual en el Palau Solleric. “Última Hora” (10-IX-2011).
Rodas, Guillermo. Rafael Amengual exhibe cuarenta años de creación desde el ‘sentimiento’ en el Casal Solleric. “Diario de Mallorca” (2-IX-2011).

Las imágenes insertas están tomadas de las ediciones digitales de los diarios y de la web del propio artista. Se entiende que están sometidas al copyright de éste.

La artista brasileña Lygia Pape (1927-2004).

La artista brasileña Lygia Pape (1927-2004).
Este texto es una versión para blog de la crítica de Boix Pons, Antonio. Antológica de Lygia Pape en MadridSección ‘Exposiciones’. “Octopus” RDCS, nº 6 (VI-2011) 50-55. Otra versión se incluye en el blog El Mirador debido a la leve relación de influencia con Joan Miró.


[http://lorenapipa.blogspot.com.es/2013/06/lygia-pape.html]

Los admiradores de la artista brasileña Lygia Pape (Nova Friburgo, 7-IV-1927-Río de Janeiro, 3-V-2004) gozan por fin de su primera antológica europea, en el Reina Sofía de Madrid, <Lygia Pape. Espacio imantado> (25 mayo-12 septiembre 2011).
El arte brasileño, demasiado tiempo preterido en Occidente, goza desde hace unos años de una estimulante mayor atención. Artistas clave como la pintora Tarsila do Amaral (1886-1973), el poeta y pintor Oswald de Andrade (1890-1954), el pintor Emiliano di Cavalcanti (1897-1976), el pintor realista Candido Portinari (1903-1962), la artista de origen suizo Mira Schendel (1919-1988), la pintora Lygia Clark (1920-1988) y artistas más recientes, que se dieron a conocer en los años 60 como Abraham Palatnik (1928), Lygia Pape (1927-2004), Nelson Leirner (1932) y el gran Hélio Oiticica (1937-1980) con sus pinturas e instalaciones neoconcretas; o artistas aparecidos a finales del siglo XX como el conceptual de origen portugués Artur Barrio (1945), Cildo Meireles (1948), el escultor Marlon de Azambuja (1978), Marcelo Cidade (1979)...
Lygia Pape, fundadora del Grupo de los Neoconcretos en 1959, es el tercer vértice del triángulo de la llamada ‘Segunda Modernidad’, junto a los más conocidos Helio Oiticica y Lygia Clark, como apunta Estrella de Diego. Manuel Borja-Villel, comisario de la muestra a la vez que director del Museo Reina Sofía, explica que la obra de Pape se manifiesta ‹‹de muchos modos›› como la performance, el ballet, el cine o la pintura —Ken Johnson comentaba en 2004 que retaba los límites formales y conceptuales del arte a través de muchos diferentes medios, incluyendo pintura, grabado, escultura, danza, cine, performance e instalaciones—, pero el libro es el elemento vertebrador de la misma ‹‹en el sentido que Mallarmé le daba a la palabra como algo que crea un espacio moderno››. Esto es, la exposición narra la búsqueda del Santo Grial del (de la) artista-poeta: la escritura de un libro imposible, que recoja en su lenguaje un nuevo orden sensible. La fusión de las artes literaria y plástica en un todo trascendente, abierto al espectador, al que reta a participar, pues como Borja-Villel añade, la artista brasileña utiliza su obra como un espacio ‹‹en el que el espectador se mete y es capaz de generar sus propios recorridos››, aspecto que la hace “singular”. Teresa Velázquez, la otra comisaria, considera que la exposición ‹‹hace justicia poética›› a una de las artistas más importantes del arte brasileño de la segunda mitad del siglo XX. Laura Pape, una de los dos hijas de la artista, directora del Projeto Lygia Pape (creado en 2004 por la propia artista), ha alabado el resultado de la exposición (una idea que partió de José Jiménez, quien le propuso a Borja-Villel hacer el proyecto en el MACBA, que ahora retoma en el Reina Sofía) y la profesionalidad de sus comisarios y recuerda que su madre era una artista en todos los sentidos, que mezclaba conceptos y materias, y daba una importancia excepcional a las personas y espacios.
La obra de Pape ha gozado en los últimos decenios de frecuentes exposiciones en los museos de arte moderno brasileños, como los renombrados de Sao Paulo y Río de Janeiro, pero se ha difundido sólo muy recientemente por EE UU y Europa con intensidad, apenas desde el cambio de siglo, con exposiciones en el Museum of Contemporaru Art de Los Angeles (1998), en la gran colectiva *<Body and Soul> que recorría el arte brasileño desde el siglo XVI en el Guggenheim de Nueva York (2001), y nuevamente en el Guggenheim de Nueva York (2002), la Haus der Kunst de Múnich (2004), el Museum of Contemporaru Art de Chicago (2005), el Barbican Centre de Londres (2006) o el Moderna Museet de Estocolmo (2008), y su póstuma fama actual se asienta en especial gracias a su exitosa presentación especial en el Arsenale durante la 53 Bienal de Venecia (2009), donde asombró y emocionó su instalación Ttéia I, C (2002). Tanto retraso se debe tal vez a que debía pechar con el doble obstáculo de ser mujer y brasileña, lo que no arredró a esta gran artista de la vanguardia más comprometida, que proclamaba en 1980: ‹‹Las artes plásticas me sirven para penetrar el mundo››. Esto significaba buscar su indisociable singularidad personal y artística a través de una constante mutación que integrase las esferas ética, estética y política.

Lygia Pape (Nova Friburgo, 7-IV-1927-Río de Janeiro, 3-V-2004). Artista brasileña. Estudió arte de modo autodidacta, salvo su temprana experiencia con la artista Fayga Ostrower (1920-2001), en el taller del Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ). Entre 1972 y 1985 enseñó semiótica en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Santa Úrsula en Río de Janeiro, y desde 1983 fue profesora en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Federal de Río de Janeiro. Falleció por mielodisplasia, una enfermedad sanguínea. Le sobrevive su viudo, Gunther Pape, dos hijas Paula Pape y Cristina Maria Pape, y dos nietos. En 2004 se fundó la Associação Cultural Projeto Lygia Pape (Asociación Cultural Proyecto Lygia Pape), ideada por la propia artista y dirigida por su hija Paula Pape.
Comenzó como pintora abstracta, a caballo entre lo orgánico y lo geométrico, con influjos varios: Klee, Miró, Picasso, Malevich, Mondrian, Fontana… y cuando en 1951 el escultor, pintor y arquitecto suizo Max Bill obtuvo el gran premio en la I Bienal de Sao Paulo, ella se alistó entre sus jóvenes seguidores, con un arte rigurosos de racionalismo y purismo geométrico: el Concretismo o Arte Concreto, como el Grupo Ruptura de Sao Paulo, y en 1954 la misma Pape colaboró en la fundación de otro grupo ‘Frente’, en Río de Janeiro, concretista, pero que recuperaba los valores de lo sensorial que siempre había caracterizado el arte brasileño.
Entre sus primeras pinturas destaca sus serie de Jogos Vectorais, y las poco posteriores Tecelares (1955), con las que comienza a experimentar con xilografías realizadas por la incisión de sutiles líneas de la madera, obras que impresionan en especial a De Diego: ‹‹las delicadas xilografías de mediados de los cincuenta, los Tecelares, recuerdan de un modo llamativo a Stella, quien hizo obras semejantes... casi seguro unos años más tarde.›› y a Pulido: ‹‹los hay blancos, casi imperceptibles; y negros, donde se acerca a Frank Stella.›› Y realiza también Desenhos realizados en tinta sobre papel japonés, que muestran reminiscencias de la poética sutileza de los grabados nipones.
En 1959 Pape, junto a Hélio Oiticica (quien la definió como «una semilla permanentemente abierta») y Lygia Clark, funda el grupo o movimiento del Neoconcretismo, firmando el Manifesto Neoconcreto, que defiende centrarse en la realidad concreta de la obra de arte en su sentido opuesto a la imaginería representacional. Decía la artista: «Quiero trabajar en un estado poético intensamente. Estoy en busca del poema»  y consecuente con este sentido realiza en 1959 sus Poemas luz y Poemas objeto, y sus Livros (“elegantes” los define De Diego), estos con elementos esculturales casi abstractos con texturas que el público puede acariciar e incluso con aromas de esencia de origamien los que traduce visual y musicalmente un poema sin palabras sólo a través del movimiento, a la vez que da participación al lector en la construcción del libro. En los tres libros aborda la poesía como fenómeno plástico y construye una narrativa mediante la imagen: el Livro da criaçao (Libro de la Creaciónen el que invita a montar y desmontar el libro, compuesto de delicadas construcciones tridimensionales), el Livro de Arquitetura o en el Livro do Tempo (Libro del Tiempo, un lienzo geométrico que ocupa una pared, compuesto de 365 pequeñas maderas pintadas, lo que funde el libro con el ciclo del tiempo). Estas obras son expuestas en la gran exposición internacional de Arte Concreto, *<Konkrete Kunst> organizada por Max Bill en el Museum Helmhaus de Zúrich (1960), en la que coincide con muchos artistas latinoamericanos y europeos.
En los años 60 realiza esculturas en madera y el Livro-Poema, en el que conjuga xilografías y poemas concretos. El lado más crítico y comprometido con la transformación social de la artista aparece por ejemplo en sus Caja de cucarachas (un simple caja con cucarachas muertas y resecas) Caja de hormigas, ambas de 1967, en las que rechaza el arte momificado de los museos y la condición marginal de la población (se interesaba en especial por la cultura de los indígenas brasileños, que en algunas zonas todavía consume ambos insectos).
La idea de buscar una experiencia colectiva que trascendiera los límites museísticos y pusiera en entredicho la esencia de la autoría (como comenta De Diego) estaba patente ya en sus primeros ballets: en el primero, Ballet Neoconcreto I (1958), concebido con el poeta Reynaldo Jardim (1926), unos actores escondidos en formas geometricas muy simples se mueven por el escenario, y esto llevó a la artista hacia la experimentación de performances, registradas fotográficamente, como la todavía individual Espacios imantados (1968), y sobre todo la famosa Divisor (1969), su primera experiencia colectiva, concebida para poder ejecutarse cuantas veces se quiera (se repitió el 24 de mayo de 2011 en la plaza frente al Reina Sofía): a través de una enorme tela blanca agujereada, el público (mejor numeroso) asoma la cabeza mientras su cuerpo queda envuelto en el tejido blanco, rompiendo el límite entre el observador y el participante, en lo que ha sido interpretado, como comenta Johnson, como una crítica de la burocracia moderna y una referencia a la separación entre mente y cuerpo, así como de la oposición entre lo individual y lo colectivo (como apunta Pulido).

Performance de Divisor. Fotografía de Ángel de Antonio, “ABC” (25-V-2011).
En el mismo principio sensorial, lúdico y participativo se inspira su Roda dos prazeces (Rueda o Ronda de los placeres), en la que los espectadores pueden probar de unos pequeños platillos unas gotas de agua con colorantes alimentarios de distintos sabores y colores que tiñen sus lenguas. De Diego apunta: ‹‹Es la idea del arte como juego, lúdico, subversivo, que plantea otro de los trabajos, Roda dos prazeces, que propone al visitante servirse unas gotas coloreadas en la lengua. La trampa está servida: los colores no se corresponden con los sabores y el naranja quizá sepa a menta››
Su prestigio creció imparable en Brasil durante los años 60 y 70. Ya a finales de los 60 trabajó con el famoso grupo cinematográfico brasileño del ‘Cinema Novo’, encabezado por Glauber Rocha, diseñando títulos de crédito y carteles, e incluso realizó uma decena de cortometrajes experimentales, algunos de sólo pocos segundos de duración, y otros más documentales, como O Guarda-Chuva Vermelho (El Paraguas Rojo), de 1971, sobre el artista brasileño Oswaldo Goeldi (1895-1961). Entre 1972 y 1985 enseñó semiótica en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Santa Úrsula en Río de Janeiro, labor interrumpida en 1980, cuando marchó a Nueva York con una beca de estudios de la Fundación Guggenheim, y desde 1983 fue profesora en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Federal de Río de Janeiro. Hacia esta época, después de la muerte en 1980 de Oiticica, organiza, junto con el artista gráfico Luciano Figueiredo (1948) y el poeta poeta Waly Salomão (1943-2003), el Projeto Hélio Oiticica, destinado a preservar y a difundir la obra de su gran amigo.
Cultivó sobre todo las instalaciones en los últimos decenios, en las que usaba luces, plantas, alimentos, líquidos y materiales de todo tipo, y entre ellas destaca su gran serie de piezas tituladas Ttéias (1977-2000), de gran formato, efectos teatrales de un barroco claroscuro y un dramatismo surrealista, elaboradas con filamentos de cobre (con variantes dorada, plateada o transparente) que atraviesan el espacio, combinando luz y movimiento cual místicos prismas-haces de luz al modo de Bernini en el Extasis de Santa Teresa; enetre ellas sobresalen las que realizó a partir de 1990, gracias a una beca de la Fundación Vital para su Projeto Tteias.
De Diego admira en Pape que sus obras jueguen con el concepto de lo “opuesto” e introduzcan a menudo una sorpresa lúdica, y siempre enlacen con la poesía: ‹‹en busca de un arte preciso pero imbricado en las emociones, en la poesía y en la sensualidad, con fórmulas consideradas antitéticas por el pensamiento occidental. Lo explicó en los noventa: “Construir un universo propio que resulte de una tarea insana de vuelos poéticos, de murmullos de locura e invención, este es el único destino del arte. Cabe a los poetas la confianza”.›› Y De Diego finaliza su crítica: ‹‹Lienzos y xilografías surcados por líneas, las impresionantes Ttéias, fotos, documentos de las acciones o películas underground hablan de su peculiar compromiso sensorial y político. Y poético: lo prueban los extraordinarios libros de poemas y una de las piezas clave de la muestra, Ballets neoconcretos. En un vídeo se ve el modo en el cual danzan las piezas: emoción y precisiones. Desde luego, cabe a los poetas la confianza.››
Fuentes:
*<América Fría. La abstracción geométrica en Latinoamérica (1934-1973)>. Madrid. Fundación Juan March (11 febrero-15 mayo 2011). 300 obras de 64 artistas en pintura, fotografía, escultura y arquitectura: Ferreira Gullar, César Paternosto, Luis Pérez Oramas, Gabriel Pérez-Barreiro, María Amalia García, Michael Nungesser, Hélio Oiticica, Lygia Clark, Lygia Pape, Sergio Camargo, Geraldo de Barros, Thomaz Farkas, Haruo Ohara, Marcel Gautherot, Leo Matiz, Jesús R. Soto, Alejandro Otero… Comisario: Osbel Suárez. Cat. Textos de Osbel Suárez. Noticias de Jarque, Fietta. Entrevista. Patricia Phelps de Cisneros / Coleccionista. “El País” (12-III-2011) 46. / Marín-Medina, José. Geometrías con acento propio. “El Cultural” (25-II-2011) 26-27.
<Lygia Pape. Espacio imantado>. Madrid. MNCARS (25 mayo-12 septiembre 2011). Unas 250 obras: pinturas, relieves, xilografías y acciones performativas, mostradas mediante objetos, vídeos, fotografías, cine, carteles de películas, poemas, collages y documentos. Primera antológica de la artista en Europa, en colaboración con el Projeto Lygia Pape. Comisarios: Manuel Borja-Villel y Teresa Velázquez. Se prevé editar un catálogo en español y en inglés con una selección de textos de la propia artista y de su círculo, un texto de presentación de los comisarios, Manuel Borja-Villel y Teresa Velázquez, y ensayos de Paulo Herkenhoff, Lauro Cavalcanti, Ivana Bentes, Paulo Venancio Filho y Guy Brett.
Agencia EFE. El Reina Sofía muestra el arte sensorial de la brasileña Lygia Pape. Noticia recogida en “El Mundo”, “La Vanguardia” y otros medios (24-V-2011).
De Diego, Estrella. Justicia poética para Lygia Pape“El País” (25-V-2011) 44.
Hontoria, Javier. Lygia Pape y la magia de lo análogo. “ABC” (24-V-2011).
Johnson, Ken. Lygia Pape, a Brazilian Artist of Concrete Reality, dies at 77. “The New York Times” (16-V-2004).
Pulido, Natividad. En las redes de Lygia Pape. “ABC” (25-V-2011).
Redacción. Lygia Pape, en el Reina Sofía, a partir de mayo. “Revista de Arte” (10-IV-2011).
[www.lygiapape.org.br/] Una web oficial sobre su vida y obra, poco desarrollada.
[www.designboom.com/weblog/cat/10/view/6861/lygia-pape-tteia-i-c-at-venice-art-biennale-09.html] Reproduce espectaculares imágenes de su instalación Ttéia I, C (2002).

Antonio Boix, en Palma de Mallorca (25-V-2011).
Se advierte que en principio todas las obras citadas tienen derechos de copyright, pertenecientes a los respectivos museos e instituciones, y en el caso de la fotografía reproducida a Ángel de Antonio y el diario “ABC”.

lunes, 19 de agosto de 2013

La moda en los museos de arte contemporáneo.

La moda se está implantando con creciente frecuencia en los programas de exposiciones de los museos de arte contemporáneo, gracias a su gran éxito de público y crítica. Un fenómeno que promueve la asistencia a los museos de nuevos segmentos de público y además refuerza la imagen pública de las firmas de moda.

Galería de moda en el Victoria & Albert Museum de Londres. [http://www.vam.ac.uk/page/f/fashion-reading-lists/]

Los museos, una invención relativamente reciente cuando la Revolución Industrial ya estaba abierta, desde sus inicios han acumulado moda como parte del arte textil, pero salvo las instituciones especializadas en el textil siempre la consideraron un mero complemento, hasta que a mediados del siglo XX varios museos de arte contemporáneo comenzaron a exponer la moda, con casos tan conocidos como el Victoria & Albert Museum de Londres o el Metropolitan Museum of Art y el MOMA de Nueva York. Pero todavía eran actividades muy secundarias dentro de su programación de exposiciones, con una doble intención, primero acercar al museo a un público más joven y, segundo, conseguir una colección de los más importantes modistos en vistas a un futuro en que la moda fuera mejor considerada dentro del panorama artístico.
Bien, ese futuro ha llegado.
El arte de la moda se está introduciendo en los museos generalistas con crecientes regularidad y éxito en el siglo XXI. Hoy quedan pocos centros artísticos de alto nivel que no planifiquen un acercamiento al mundo de la moda, del mismo modo que hay escasos medios de comunicación de masas que no le ofrezcan una importante parte de sus páginas o minutos. Y cuentan con el apoyo entusiasta de las firmas de moda, pues como señala el especialista Juan Gutiérrez, del Museo del Traje, ‹‹Las exposiciones son un complemento idóneo para la imagen de marca de algunas firmas. El presentarse en un museo da prestigio y posiciona a la firma en la historia.›› [Navarro, Rocío; García, Leticia. El negocio de la moda en los museos. “El País”, S Moda 100 (17-VIII-2013): 9.]

Dos fotos de <Alexander McQueen: Savage Beauty> [http://blog.metmuseum.org/alexandermcqueen/]
La cuarta exposición más visitada en el mundo en 2011 fue <Alexander McQueen: Savage Beauty> (4 mayo-7 agosto 2011), en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, por encima incluso de retrospectivas exitosas de Picasso o Warhol.
La exposición *<The Little Black Jacquet> (4 octubre-12 noviembre 2012) consiguió un triunfo arrollador en la Saatchi Gallery, con su revisión de la famosa chaqueta de Chanel por Karl Lagerfeld y Carine Roitfeld.
El Fine Arts Museum de Boston apuesta por la moda del ‘Hippie Chic’ de los años 1967-1972, que se asocia a la cultura de Los Beatles y los Rolling Stones, en *<Hippie Chic. Revolución en la moda> (16 julio-11 noviembre 2013).
El Seattle Art Museum presenta de junio a septiembre de 2013 *<Future Beauty: 30 Years of Japanese Fashion>, antes de pasar en octubre a la londinense Barbican, y su comisario de exposiciones, Chiyo Ichikawa, apunta: ‹‹Todo lo que tenga que ver con la cultura popular, como la moda, está convirtiéndose en una práctica común en los museos›› [Navarro, Rocío; García, Leticia. El negocio de la moda en los museos. “El País”, S Moda 100 (17-VIII-2013): 9.]. 

La extraordinaria muestra *<Impresionism: Fashion and Modernity>, con cuadros de Manet, Monet, Renoir o Van Gogh entremezclados con vestidos del último tercio del siglo XIX, pasa en 2012-2013 por el parisino Musée d’Orsay, el Metropolitan Museum de Nueva York y el Chicago Art Institute.

Documental La moda es sueño (2012). 21 minutos.

En España encontramos que el Guggenheim de Bilbao exponía a Armani en 2001 todavía en medio de una pequeña polémica por su presencia en un museo. Hoy, en cambio, Pablo Jiménez, director del Instituto de Cultura de la Fundación Mapfre, confiesa que ‹‹Es una expresión artística más cercana al mundo cotidiano. A la audiencia le atrae esa cercanía›› [Navarro, Rocío; García, Leticia. El negocio de la moda en los museos. “El País”, S Moda 100 (17-VIII-2013): 8.] y, en consecuencia, ya ha expuesto a Yves Saint Laurent y Jean Paul Gaultier y ha programado a Givenchy para 2015. El madrileño Museo de Cerralbo expuso con gran éxito La moda es sueño (2012.2013) y el Instituto de la Cultura y las Artes de Sevilla (ICAS) tuvo 40.000 visitantes en mayo-julio de 2013 en una muestra sobre las relaciones entre Zurbarán y el actual diseño español, una relación que ya abrió el gran Cristóbal Balenciaga, que se inspiraba en la pintura del Siglo de Oro del Museo del Prado para sus vestidos de noche.


Guipuzcoa. Getaria. Museo Cristóbal Balenciaga, inaugurado en 2011. [www.cristobalbalenciagamuseos.com]

Un diseño de Balenciaga inspirado en los clásicos del barroco. Fuente: [http://thecreativesuitcase.blogspot.com.es/2012/05/arte-que-inspira-irving-penn.html]

Fuentes.
Exposiciones.
<Alexander McQueen: Savage Beauty>. Nueva York. Metropolitan Museum of Art (4 mayo-7 agosto 2011). [http://blog.metmuseum.org/alexandermcqueen/]
*<Tras el espejo. Moda española>. Madrid. MNCARS (17 junio-28 septiembre 2003). Pasa a Santiago de Compostela y Barcelona. 400 obras (130 físicas y el resto en vídeo) textiles y de calzado de unos 200 artistas, diseñadores, modistos y marcas: Antonio Miró, Miquel Adrover, Balenciaga, Elio Bernhayer, Manuel Pertegaz... Cat. Texto-guión y montaje del cineasta Gonzalo Suárez.
*<La edad de oro de la alta costura>. Itinerante (2010-2011). Barcelona, Palau Robert. Madrid, Museo del Traje. Teruel, Museo del Traje. Las mismas piezas se exhiben hasta marzo de 2014 en el Museo Balenciaga en Getaria (Gipuzkoa).
*<La moda es sueño>. Madrid. Museo Cerralbo (25 octubre 2012-13 enero 2013). Organizada por la Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes de la Secretaría de Estado de Cultura, el Museo Cerralbo, la Asociación Creadores de Moda de España (ACME) y la revista “Marie Claire” en su 25 aniversario en España y el patrocinio de Mango. Comisarias: Isabel Vaquero y Lucía Cordeiro,
*<Impressionism, Fashion, and Modernity>. París. Musée d’Orsay (25 septiembre 2012-20 enero 2013). Nueva York. Metropolitan Museum (26 febrero-27 mayo 2013). Chicago. The Chicago Art Institute (26 junio-29 septiembree 2013). Obras de Manet, Monet, Renoir, Van Gogh… y vestidos del último tercio del siglo XIX. [http://www.metmuseum.org/exhibitions/listings/2013/impressionism-fashion-modernity/introduction]
<The Little Black Jacquet>. Londres. Saatchi Gallery (4 octubre-12 noviembre 2012). Una revisión de la chaqueta de Chanel por Karl Lagerfeld y Carine Roitfeld. [http://www.saatchigallery.com/current/the_little_black_jacket.php]
<Santas de Zurbarán: Devoción y Persuasión>. Sevilla. Espacio Santa Clara (3 mayo-20 julio 2013). Las influencias de Zurbarán en 10 diseñadores del ACME: Elio Berhanyer, Ágatha Ruiz de la Prada, Devota y Lomba, Francis Montesinos, Ángel Schlesser, Juan Duyos, Pedro Moreno, Ana Locking, Roberto Torreta, Hanníbal Laguna y Vittorio y Luchino. [http://www.asmoda.com/articulos.aspx?num=82&idart=1168]
*<Future Beauty: 30 Years of Japanese Fashion>. Seattle. Seattle Art Museum (27 junio-8 septiembre 2013). Una selección de los diseñadores Rei Kawakubo, Issey Miyake, Kenzo Takada, Jun Takahashi, Koji Tatsuno, Junya Watanabe, Yohji Yamamoto. Comisario: Akiko Fukai. [http://seattletimes.com/html/thearts/2021280992_futurebeautyxml.html] [http://artdaily.com/news/63659/Seattle-Art-Museum-presents--Future-Beauty--30-Years-of-Japanese-Fashion--exhibition#.UhJ6U5JM-zk]
*<Hippie Chic. Revolución en la moda>. Boston. Fine Arts Museum (16 julio-11 noviembre 2013). La moda hippie se extendió entre la juventud occidental en los años 1967-1972, la época dorada de Los Beatles y los Rolling Stones. [http://www.theartwolf.com/exhibitions/hippie-chic-boston-2013-es.htm]
<Manolo Blahnik: The Art of Shoes>. Milán. Palazzo Morando (desde 26 enero 2017). Itinerante a San Petersburgo, Praga, Madrid y Toronto. 80 bocetos y 212 pares de zapatos.
*<Diana. Her Fashion Story>. Londres. Kensington Palace (desde 24 febrero 2017). Comisaria: Eferi Lynn. 
<Balenciaga, l’oeuvre au noir>. París. Musée Bourdelle (desde 8 marzo 2017).
<Rei Kawakubo / Comme des garçons>. Nueva York. Costume Institute (desde 4 mayo 2017).
<Balenciaga: Shaping fashion>. Londres. Victoria & Albert Museum (desde 27 mayo 2017).
*<Items: Is Fashion Modern?>. Nueva York. MOMA (desde 1 octubre 2017). 99 prendas y accesorios sobre el Little black dress, los vaqueros Levi’s 501, los relojes Casio, el hiyab…

Artículos. Orden cronológico.
Navarro, Rocío; García, Leticia. El negocio de la moda en los museos. “El País”, S Moda 100 (17-VIII-2013) 8-9.
Gómez Urzaiz, Begoña. Una lección de moda de Valerie Steele. “El País” (18-V-2015) 30. La directora del museo del FIT de Nueva York razona sobre la moda en los museos.
Sancha, Natalia. El ‘prêt-à-porter’ se lleva en Ramadán. “El País” (22-VI-2015) 28.
Fernández Abad, Ana. Directores de museos. La moda, patrimonio cultural. “El País” S Moda Extra (II-2016) 56-60. La moda como arte según Helena López de Hierro (Museo del Traje), Pilar Vélez (Museo del Diseño de Barcelona), Miren Vives (Museo Cristóbal Balenciaga de Getaria), Evelio Acevedo (Thyssen-Bornemisza).

Contreras, María. Los museos se llenan de moda. “El País” (4-I-2017). Exposiciones de destacados creadores en 2017: Balenciaga, Manolo Blahik, Rei Wawakubo…

La firma de moda Brunello Cucinelli.

La firma de moda Brunello Cucinelli, especializada en las prendas de lana de cachemir, es un modelo de éxito empresarial y de compromiso social para las pymes europeas. Destaca además por la calidad de sus campañas publicitarias.


Solomeo splash
El pueblo de Solomeo.

El empresario italiano Brunello Cucinelli (1954) dirige desde 1979 en el pueblo medieval de Solomeo (región de Umbría) una rentable empresa textil y una fundación (Fondazione Brunello Cucinelli) que actúan juntas y son un modelo de sostenibilidad y compromiso cívico. Sus prendas son famosas internacionalmente por la calidad de la lana de cachemir y las técnicas artesanales de su confección.

Cabras de Cachemir, en Mongolia.

La lana de cachemir, famosa ya en la Antigüedad en Roma y otros mercados por su ligereza, es traída desde las montañas de Mongolia. Se hila y tiñe en Italia, después se teje en la compañía de tejedores de Piergiorgio Cariaggi y finalmente se realizan las prendas en talleres artesanales (en edificios medievales restaurados), la mayoría por mujeres, en unas condiciones laborales óptimas en comparación con otras empresas. El éxito depende, empero, de un cuidado exquisito en el control de calidad del producto, su posicionamiento en el nivel alto de precio y la continua innovación en la comercialización, con campañas publicitarias que aúnan mensajes clásicos con la juventud y la belleza. 

Fuentes.
Internet.
[http://www.brunellocucinelli.com/en] Incluye las fotos del post, vídeos, textos, colecciones... Una web realizada con sumo cuidado, modélica en información y publicidad.
Artículos.
Alexandrowitch, Silvia (texto); Barjau, Caterina (fotos). Filósofo del cachemir. “El País” Semanal 1.926 (18-VIII-2013) 70-73.
Bolillos, Eduardo. Brunello Cucinelli. Un mundo más bello. “El País” S Moda 212 (IV-2016) 168-173.

Hervás, María. El humanista de las costuras. “El País” Semanal 2.089 (9-X-2016).

Onibaba (1964), de Taneko Shindo.

Onibaba (1964), de Kaneto Shindo, una obra maestra del erotismo japonés de los años 60 y un drama clásico sobre la poesía, la guerra y la condición femenina


Onibaba (1964). Japón. Género: drama de fantasía. Duración: 103 minutos. Dirección: Kaneto Shindo. Intérpretes: Nobuko Otowa, Jitsuko Yoshimura, Kei Sato. Guión: Kaneto Shindo. Música: Hikaru Hayashi. Sonido: Tetsuya Ohashi. Fotografía: Kiyomi Kuroda. Montaje: Toshio Enoki.


Trama.
Dos mujeres solitarias, una mujer madura y su joven nuera, sobreviven en las marismas del sur del Japón, en medio de una guerra a finales del siglo XIV, matando y rapiñando a los soldados que se refugian en la zona. Un campesino trae la noticia de la muerte del hijo y esposo de ambas, y es introducido en el negocio y en sus vidas…


Opinión.
El gran Kaneto Shindo ofrece una reflexión magistral sobre la desesperación de unos humildes aldeanos marginados y desliza una mirada asombrosa, de un erotismo abrasador y una poesía soñada (la máscara que se apodera del que la porta es un tema clásico de la literatura oriental), sobre la esencia de la naturaleza femenina en su entorno salvaje, simbolizado por el viento (admirable la interrelación del sonido de Ohashi y la música de Hayashi) entre los cañizales y su conexión con la potencia abrumadora del deseo. La escena final, el salto de la vida sobre la muerte, muy abierta en sus significados, es una de las más impactantes del cine japonés de los años 60.


Fuentes.

sábado, 17 de agosto de 2013

El arquitecto argentino César Pelli (1926), el maestro de los rascacielos.

César Pelli (1926) es uno de los arquitectos más innovadores en la creación de rascacielos en los últimos decenios.

El argentino César Pelli (Tucumán, Argentina, 1926), establecido en EE UU desde 1952, decano de la Facultad de Arquitectura de Yale en 1977, es autor de algunos de los rascacielos más emblemáticos de fines del siglo XX: el World Financial Center de Nueva York (1985), el Canary Wharf de Londres (1991), las Torres Petronas de Kuala Lumpur (1998), que con sus 452 metros fueron las más altas del mundo hasta 2003, rematadas al modo de un templo islámico escalonado, incorporando las influencias de la cultura budista del Lejano Oriente.
Pelli proclama que las vanguardias históricas no se han interesado por los rascacielos:
‹‹Ni Le Corbusier ni la Bauhaus desarrollaron una teoría de la altura como sí hicieron, en cambio, con los edificios de desarrollo horizontal. (...)››.
Él, en cambio, defiende con sólidos argumentos los rascacielos, no solo por su ahorro energético o de espacio, que es indiscutible, sino sobre todo por su valor simbólico:
‹‹Los rascacielos siguen teniendo grandes ecos emocionales en el público. Los seres humanos somos verticales, con los ojos colocados en la parte alta del eje. Nuestra condición erguida hace que tendamos a lo alto. Los faraones estaban enterrados en el sótano, pero encima se hacían construir unas pirámides que hasta hace relativamente poco fueron las construcciones más altas de Occidente. Los zigurat mesopotámicos, los campanili italianos, las torres de defensa, están ahí como un deseo de crecer. (...)››

Canary Wharf en Londres (1991), de Pelli.

Considera que los rascacielos deben integrarse en su entorno urbano, sin romper el sentido de los edificios que le rodean, por lo que justifica que no se hagan en el centro antiguo de las ciudades europeas con una escala cerrada (el caso de Barcelona, pero no de Madrid o Milán) y defiende su función de solución al problema del espacio en las ciudades, sin plantear problemas irresolubles de densidad urbana:
‹‹Depende de a qué distancia del centro se construyan. Densifican una parte de la ciudad, no toda. Yo no creo que las ciudades que se dispersan sean mejores que las que se concentran. La cercanía me parece muy importante. Esta entrevista podríamos haberla hecho por Internet, pero no sería lo mismo. Estar juntos, verse, forma parte consustancial del ser humano. Aparte de que la dispersión crea unos costes sociales mayores por las distancias que obliga a cubrir a los distintos servicios.››




Las Torres Petronas (1998), de Pelli.

Explica el simbolismo de sus Torres Petronas, enraizado en su contexto cultural:
‹‹Allí ensayé un diálogo con el mundo islámico. (...) Para esa cultura las formas geométricas progresivamente complejas son más importantes que para la cultura occidental. La planta de las Torres Petronas parte de dos cuadrados entrelazados, una figura que se encuentra por todo el mundo islámico, Andalucía incluida. El cuadrado es básico. Cuatro son los ríos de la felicidad del paraíso coránico A partir de la figura simple el artista elabora la complejidad, que equivale a la comprensibilidad de Dios. Pues bien, a partir de los cuadrados entrelazados llegué a una planta en estrella de 16 lados. Ése fue mi modo de dialogar con el mundo islámico. Aparte de que cada torre tiene 88 plantas oficiales. En realidad, tiene más, 92 creo, pero el ocho es el número de la suerte en la cultura china. El número 88 equivale a doble suerte. El rascacielos que construyo ahora en Hong Kong también tendrá 88 plantas.›› 

Fuentes.
Internet.
Artículos.
Fancelli, Agustí. Entrevista a César Pelli, arquitecto. “El País” (17-V-2002) 36.
Molina, Margot. Una antorcha de cristal para Sevilla. “El País” (25-I-2007) 40. Una rascacielos de 178 m. en la isla de la Cartuja.

Rincón, Reyes. Sainete en torno a un rascacielos. “El País” (29-I-2012) 41. El Ayuntamiento de Sevilla quiere parar la torre de César Pelli a petición de un órgano asesor de la UNESCO.

miércoles, 14 de agosto de 2013

UD 5. El arte griego.

UD 5. EL ARTE GRIEGO.

INTRODUCCIÓN GENERAL.
GRECIA
INTRODUCCIÓN.
1. EL ARTE GRIEGO.
Características generales.
Los grandes periodos.
El conocimiento del arte griego.
Los términos de lo “clásico”.

2. URBANISMO Y CONCEPCIÓN DEL ESPACIO.
2.1. CARACTERÍSTICAS.
La concepción del espacio.
Planificación de la polis.
Estructura y elementos de la polis.
2.2. EVOLUCIÓN DEL URBANISMO.
PERIODO ARCAICO.
PERIODO CLÁSICO.
PERIODO HELENÍSTICO.

3. ARQUITECTURA.
3.1. CARACTERÍSTICAS.
3.2. TEMPLO.
ÓRDENES ARQUITECTÓNICOS:
El orden como relación entre los elementos: columna y entablamento.
La distinción entre los órdenes griegos y romanos.
Dórico.
Jónico.
Corintio.
3.3. PERIODOS.
ARCAICO (VII-VI).
Características.
Evolución.
CLÁSICO (V-IV).
Características.
Evolución:
1) Primera fase (480-450).
2) Segunda fase (450-400): la Acrópolis de Atenas.
3) Tercera fase (400-323).
HELENÍSTICO (III-I).
Características.
Evolución.

4. ESCULTURA.
4.1. CARACTERÍSTICAS.
4.2. PERIODOS.
ARCAICO (VII-VI).
Características.
Evolución:
1) Primera fase (700-600): pequeñas dimensiones.
2) Segunda fase (600-480): la gran escultura del kouros y la koré.
CLÁSICO (V-IV):
Características.
Evolución.
1) Primera fase (500-450).
2) Segunda fase (450-400): Mirón, Policleto, Fidias.
Mirón.
Policleto.
Fidias.
3) Tercera fase (400-323): Praxíteles, Scopas, Lisipo.
Praxíteles.
Scopas.
Lisipo.
HELENÍSTICO (III-I).
Características.
Evolución: las escuelas de Alejandría, Pérgamo y Rodas.
Escuela de Alejandría.
Escuela de Pérgamo.
Escuela de Rodas.

5. PINTURA.
5.1. CARACTERÍSTICAS.
5.2. PERIODOS.
PERIODO ARCAICO (VII).
PERIODO CLÁSICO (V-IV).
PERIODO HELENÍSTICO (III-I).

6. CERÁMICA.
6.1. CARACTERÍSTICAS.
6.2. PERIODOS.
PERIODO PREARCAICO (IX-VIII).
Geométrica (900-750).
Orientalizante (750-650).
PERIODO ARCAICO (VII-VI).
Fase geométrica-esquemática (650-600).
Fase de las figuras negras (600-530).
Fase de las figuras rojas (530-500).
PERIODO CLÁSICO (V-IV).
PERIODO HELENÍSTICO (III-I).
7. ARTES MENORES.

INTRODUCCIÓN GENERAL.
El arte clásico en Grecia es un tema enormemente extenso y complejo, porque no hay una definición universalmente válida de los límites temporales, temáticos y conceptuales.
Puede entenderse el concepto “arte clásico” en dos dimensiones históricas. En términos restringidos, aplicándolo a las actividades artísticas realizadas en Grecia durante el siglo V aC, llamado también el siglo de Pericles. Corresponde a este periodo la denominada Edad Clásica de la civilización helénica. En términos amplios, el arte clásico sirve para calificar la vertiente estética de toda la antigüedad grecorromana, con sus distintos periodos: griego arcaico, griego clásico, helenístico y romano.
La opción escogida es que el arte clásico es el de la civilización grecolatina antigua, el de Grecia y Roma antiguas, en especial sus periodos más “clásicos”, definidos por el antropocentrismo (un arte hecho a la medida del hombre) y la concepción racional del mundo.
Es una opción posibilista el centrarse en su evolución más estricta y prescindiremos de sus antecedentes minoico y micénico.
Se debería introducir el tema con el marco geográfico y los fundamentos sociales y culturales (filosofía, polis, democracia, antropocentrismo, mitología...),
Mucho más que en otras civilizaciones, la civilización grecolatina es urbana, por lo que el urbanismo debe ser considerado como un apartado del arte, “al lado de” y no “en” la arquitectura, por lo que la antecede y explica. Por último, precisemos respecto a las mal llamadas “artes menores” que si en el arte griego la cerámica es un arte de enorme importancia para nosotros (por su valor específico y por ser la mejor fuente sobre la pintura y la temática), en cambio su paralelo en importancia en el arte romano sería el mosaico.

GRECIA
INTRODUCCIÓN.
La Grecia clásica ofrece modelos y formas en su arte y en su organización política y métodos de investigación (en la filosofía y las ciencias físicas) que constituyen la base de toda nuestra cultura occidental y europea. Produce asombro la serie de figuras excepcionales que una sola ciudad, Atenas, ha proporcionado en todos los órdenes de la cultura y el arte: historiadores como Heródoto y Tucídides, dramaturgos como Esquilo, Sófocles y Eurípides, filósofos como Platón y Aristóteles, oradores como Demóstenes, escultores como Fidias. En Grecia se inicia la filosofía, la física, la historia, y se lleva a horizontes insospechados la matemática y la creación artística. Algunas notas peculiares del mundo griego, que veremos a continuación, pueden explicar este despliegue de creaciones y de personalidades singulares.

Resumen.
El arte griego es un arte del hombre, medida de todas las cosas. La técnica es excelente, basada en la repetición de modelos, constantemente perfeccionados, que en arquitectura será el sistema adintelado, con los tres órdenes (dórico, jónico y corintio). El concepto griego de la belleza (kalós, bello o hermoso) se fundamenta en el antropocentrismo, la proporción, la armonía y la simetría. Destacan los templos (el tipo fundamental de su arquitectura), los edificios públicos de la administración y la vida pública (buleuterion, stoas, gimnasios, estadios), la escultura de temas humanos, la pintura (de la que nos quedan pocos restos) y la cerámica pintada. El arte griego evolucionó desde la rigidez del arte arcaico, hasta la perfección ideal de la época clásica y culminó con el realismo del periodo helenístico.

1. EL ARTE GRIEGO.
Características generales.
El arte griego fue elaborando a lo largo de su evolución unas características, propias, que en su época clásica son:          
- El gran tema del arte griego es el hombre, cultivando el antropomorfismo (los dioses son arquetipos de la condición humana) en la forma y en la medida. Protágoras dijo: *El hombre es la medida de todas las cosas+. En la pintura y escultura la figura humana es el tema principal. En la arquitectura siempre huyen de lo colosal e incluso los templos son de dimensiones modestas: el mayor edificio, el Partenón, mide 69,5 x 31 m. (aunque su función no fue nunca celebrar grandes reuniones de fieles sino ser la casa de una diosa).
- Su ideal clásico de la belleza se fundamenta en el hombre, la proporción, la armonía y la simetría, la naturaleza, el movimiento y la expresión. Todo esto se intuye ya en los templos desde el principio y en las artes plásticas desde el siglo VI, con un concepto de la belleza (kalós, bello o hermoso) profundamente humano y armonioso, y se confirma plenamente en la época clásica del siglo V.
- Es un arte de gran calidad técnica. Se buscaba la perfección en la consecución de ese ideal previo, no la novedad, de modo que su evolución de las formas fue muy lenta.
Los grandes periodos.
Hay en el arte griego cuatro grandes periodos: prearcaico, arcaico, clásico y helenístico. Muchos autores, con un criterio biológico, reúnen los dos primeros en uno, al que llaman arcaico, preclásico, etc., mientras que el helenístico sería un periodo barroco.
1) Periodo prearcaico, de los “siglos oscuros” (IX-VIII), con dos fases, geométrica (900-750) y orientalizante (750-650). El desarrollo del arte es aún muy escaso y obedece todavía a los influjos anteriores y exteriores.
2) Periodo arcaico, siglos VI-V (650-480). En el periodo arcaico, de resultas de los movimientos de pueblos y del comercio mediterráneo, nace el arte griego, al relacionarse sus dos corrientes fundamentales (definidas cada una por un orden arquitectónico): la dórica, formalista, con tendencia a lo simbólico y abstracta en lo decorativo, que aporta un riguroso sistema proporcional; y la jónica, más natural y sensible, que proporciona el gusto por la riqueza ornamental de tradición oriental (seres fabulosos, plantas y animales) y un sentido más es­belto de las proporciones.
En este periodo se perfilan las líneas generales de una progresiva evolución desde las concep­ciones más primitivas y esquemáticas, propias del arte arcaico de las civilizaciones orientales. Es un arte de transición y de cambio, en el que se van gestando las que luego serán expresiones prototípicas del mundo helénico. Es especialmente significativa la evolución de la escultura, la cual, partiendo de modelos de procedencia egipcia, micénico-cretense y mesopotámica, irá modificando las características de estos hasta lograr un estilo enteramente innovador. Frente a la rigidez y el esquematismo de los artes egipcio y mediooriental, en el arte griego arcaico, especialmente en su última etapa, se van introduciendo rasgos definidores como el dinamismo, la expresividad y la individualización.
3) Periodo clásico, siglos V-IV, con tres fases: primera (480-450), segunda (450-400), tercera (400-323), preludio del helenismo. El arte griego alcanza su máxima perfección y universalidad, produciéndose incluso su expansión por el Mediterráneo occidental. Aparece aquí una corriente más grácil y decorativa, expresa en el orden corintio. Es esencial comprender que es entonces cuando surge la originalidad del arte griego, pues antes apenas se distinguía del arte arcaico de las otras civilizaciones antiguas. Ahora, en el arte clásico, encontramos las características que individualizan el arte griego, su sentido humano y armonioso de la belleza. No es la naturalidad lo que le distingue, pues otros también lo fueron, sino la expresividad interior de lo humano.
Es clásico sobre todo el siglo V aC, el Siglo de Pericles, cuando confluyen las primeras grandes manifestaciones de la filosofía y la poesía trágica, y el establecimiento de la ciudad-estado (polis) como organización político-social genuinamente griega. La escultura alcanza su máxima expresión, dominada por un humanismo radical que coloca al hombre en el centro de sus representaciones. De la mano de artistas como Mirón, Policleto o Fidias la escultura griega corona el estilo que se proyectará, con enorme influencia, sobre toda la tradición occidental. Las cualidades más representativas de este estilo son: el realismo anatómico, la búsqueda de la armonía a través del estudio de las proporciones del cuerpo humano, la plasmación de la expresividad individual y, finalmente, la captación del movimiento de las figuras. Estas formas realistas y dinámicas dominan también la pintura de la época, desaparecidas hoy, pero descritas en la literatura, con las composiciones de Polignoto o Apeles. La arquitectura da sus mejores frutos, sea mediante la construcción de templos, sea de edificios civiles como teatros y estadios. También se difunde ahora el urbanismo regular.
4) Periodo helenístico, siglos III-I. Muchos historiadores lo limitan al periodo entre la muerte de Alejandro Magno en -323 y la destrucción de la Liga Aquea a manos de Roma y la destrucción de Corinto en -146, incorporándose las ciudades derrotadas a la provincia romana de Macedonia. Es una época de crisis y cambio. El arte helenístico, a diferencia del anterior, ya no es estrictamente griego, sino que nace de la confusión de los pueblos integrados en la órbita del imperio de Alejandro. Así, en el arte helenístico observamos la simbiosis de los componentes griegos con los egipcios, mesopotámicos o persas. Esto y otros cambios internos de la civilización griega modifican el lenguaje artístico, en el que dominan el expresionismo, la monumentalidad y el decorativismo. La arquitectura se hace colosal y glorificadora. La escultura abandona los cánones de equilibrio y armonía clásicos, derivando a un expresionismo radical.
El conocimiento del arte griego.
El conocimiento sistemático del arte griego es un hecho reciente, a pesar del enorme interés que ha despertado desde el Renacimiento y de que haya sido considerado el *arte perfecto+, un ideal digno de imitación. Los primeros estudios generales fueron los de Winckelmann y entonces se acuñaron tópicos como el de la serenidad del arte griego (realmente sólo aceptable para el siglo V aC). Sorprendieron los frisos del Partenón a su llegada al Museo Británico en 1816, así como el descubrimiento de que las esculturas de mármol se policromaran con colores chillones. Apenas queda nada de la pintura (Polignoto, Zeuxis, Apeles) y sólo se puede hacer una idea de ella a través de la cerámica pintada y de los mosaicos. También se han perdido las estatuas de madera y quedan pocos restos de la arquitectura arcaica. Pero quedan los restos de grandes conjuntos: las ciudades de Atenas, Delos o Priene, los santuarios de Olimpia, Delfos, Epidauro, Delos y Samotracia.
Los términos de lo “clásico”.
Tres conceptos deben ser precisados: arte clásico, clásico y clasicismo. El arte clásico es el de Grecia y Roma antigua (en especial sus periodos más “clásicos”), definido por el antropocentrismo (una arte hecho a la medida del hombre) y la concepción racional del mundo. El concepto de clásico es “obra que se tiene como modelo digno de imitación”; para algunos autores, todos los estilos tienen una época clásica, y pueden considerarse clásicos los periodos renacentista, barroco y neoclásico. La definición más usual de clasicismo es: “corriente estética que identifica la belleza artística con la observancia de ciertas leyes inviolables”.
Para muchos autores el arte clásico se debería limitar a los dos periodos llamados “clásicos” de cada una de estas culturas, es decir los siglo V-IV aC para la griega y el siglo I dC para la romana, extendiendo algo antes y después esos ambiguos límites. Para otros, en cambio, es clásico “todo” el arte griego y romano, desde sus orígenes (antecedentes en los artes minoico, micénico y etrusco) como una sustancial unidad, pues todo él ha servido como referente clásico al arte occidental. Así, el criterio más seguido en los autores no es interno a las dos culturas estudiadas, sino externo: el de su impacto sobre nosotros.

2. URBANISMO Y CONCEPCIÓN DEL ESPACIO.
La concepción del espacio.
El hombre griego siente el espacio como algo exterior. Por eso proyecta sus edificios atendiendo a sabias combinaciones de puntos de vista que le llevan, en ocasiones, a modificar medidas y apariencias. Para él, el espacio es el lugar en el que se encuentran sus arquitecturas, que están pensadas desde el exterior. Se trata en realidad de un espacio escultórico. Dicho de otra forma, el griego es creador de volúmenes antes que de espacios.
El constructor griego estudia la escala, la dimensión comunitaria del edificio, su funcionalidad, la relación con la topografía, las perspectivas que deben ser favorecidas por la disposición de las otras construcciones. Si un edificio no es simplemente una agregación de piedras, una ciudad no es una agregación de edificios. La aportación decisiva es la concep­ción del espacio urbano o espacio exterior a la edificación aislada; en Grecia nace el urbanismo, con igual claridad que la ciencia, la filosofía o la historia.
A diferencia de la cultura egipcia, todos los edificios deben estar proporcionados a la escala del hombre. Comienza esta escala por la utilización de un material en piezas no ex­cesivamente grandes (sillares), ya que éstas repercuten inmediatamente en estructuras igualmente desmesuradas. Por otra parte, no es sólo el espacio interno lo que preocupa a los arquitectos, sino la concepción del edificio como parte de un conjunto. Más que arquitectura, los griegos hacen urbanismo, no buscan la creación de espacios interiores sino los valores plásticos, externos, de los edificios dentro de un conjunto; así los propileos accesos a santuarios y acrópolis cumplen una función fundamental en la creación de recintos solemnes. Se estudian además todas las perspectivas, la relación con la naturaleza, la topografía. La acrópolis ateniense constituye con el santuario de Delfos uno de los dos ejemplos más notables de esta relación entre espacio natural y espacio construido. En esta línea se procura la multiplicidad de puntos de vista; el ascenso en Delfos hacia el templo de Apolo permite contemplar diversas perspectivas, están previstas con todo cuidado.
Planificación de la polis.
En la Grecia clásica la configuración política del estado‑ciudad requiere la construcción de recintos urbanos, ya que la simple yuxtaposición de casas sin un orden deliberado no podría satisfacer las funciones múltiples que se piden a la ciudad. En tiempos históricos tres de estas funciones son las que influyen en el nacimiento de la polis, la militar, la económica y la estética.
La extensión de las polis por todo el Mediterráneo durante la colonización contribuye a suscitar una planificación y a que no se deje su crecimiento al instinto.
La estructura de la polis.
El desarrollo de la vida ciudadana en el mundo griego estuvo determinado por dos aspectos importantes: su carácter público y su organización democrática, y en función de ello se estructuraba la ciudad, con una acrópolis, un ágora y los barrios residenciales.
2.2. EVOLUCIÓN DEL URBANISMO.
PERIODO ARCAICO.
El urbanismo griego arcaico se evidencia en las nuevas colonias. Es irregular: las ciudades crecen de un modo biológico, con calles estrechas, en líneas quebradas o curvas. Los monumentos son escasos. Las casas son pobres y pequeñas.
PERIODO CLÁSICO.
Sigue predominando el mismo urbanismo irregular, pero aparecen las primeras planificaciones de ciudades de planta regular (posiblemente iniciadas por Hipodamos de Mileto), ejemplificadas en las ciudades de Mileto (-480) y El Pireo.
PERIODO HELENÍSTICO.
Surge una rica arquitectura civil: ágora (plaza pública), stoa (pórtico columnado), gimnasio (con palestra), estadio, biblioteca, buleuterion, heroon (tumba circular)... Progresa el urbanismo con muchas nuevas ciudades (Alejandría) de proporciones enormes y de planta regular, que sustituye a la arcaica planta irregular. Abundan las grandes casas privadas (como pequeños palacios) para la burguesía. Se construyen grandes conjuntos monumentales: el santuario de Asclepio en la isla de Cos o la Acrópolis de Pérgamo.

3. ARQUITECTURA.
3.1. CARACTERÍSTICAS.
Notas definitorias de la arquitectura griega (y que en gran parte comparte con el arte) son las siguientes:
Medida humana. Son edificios (incluso los templos) a escala humana.
Proporción, armonía y simetría, de acuerdo con su ideal de belleza.
Calidad técnica, garantizada por la repetición con ligeras variantes de unos tipos de edificios, de modo que se transforman en modelos constantemente perfeccionados.
Por todo ello, la arquitectura griega se centra sobre todo en un tipo de edificio, el templo y un único sistema arquitectónico, el adintelado (también llamado trilítico o arquitrabado, y constituido por una losa de piedra horizontal apoyada sobre dos soportes verticales). Buscaban una regla objetiva en cada una de las artes, análoga a las leyes de la naturaleza, y creían que el artista debía adecuarse a esta regla, aunque tenía libertad para variar lo no reglado.
3.2. TEMPLO.
El templo es el edificio más importante, con la función de albergar la imagen antropomórfica de Dios, no a la reunión (la eclesia) los fieles.
Sus orígenes están en el antiguo megarón micénico, de sala central rodeada de columnas.
Su ubicación fue generalmente exterior a la ciudad, en las acrópolis o en los santuarios (rodeados por la muralla o peribolo, con los edificios desordenados sin un eje de simetría, como en Olimpia, Delfos y Delos).
Los materiales en los primeros templos fueron la madera y luego la piedra (sobre todo el mármol, como el del Pentélico o el de Paros), con sillares bien labrados, añadiendo policromía.
Su planta es sencilla, rectangular, con una sala central (cella o naos) para la figura del dios; precedida por un pórtico delante (pronaos), donde su colocaba el ara, para la celebración de los ritos en presencia de los fieles congregados ante el templo.
- Puede haber un pórtico trasero (opistodomos) no comunicado con la cella, cerrado para guardar los tesoros.
- Pronto se desarrolló alrededor del templo un pórtico columnado (peristilo), que en la pronaos tenía pilastras (antas) a los extremos. En este pórtico exterior se celebraban parte de las procesiones festivas de los fieles.
- Menos frecuentes fueron los templos de planta circular (tholos) con un anillo de columnas.
- La cubierta es plana al interior y a doble vertiente por fuera. Está hecha de madera y recubierta de tejas.
- Las cuatro fachadas se cuidaban por igual (salvo el frontón).
- El templo se eleva sobre gradas.
La tipología es variada. Además de la clasificación en órdenes arquitectónicos, los criterios más usados son los del lugar de las columnas y el número de éstas.
A) Según el lugar de las columnas:
- In antis (columnas entre las antas que sobresalen de la cella).
- Próstilo (columnas en la fachada menor).
- Anfipróstilo (columnas en ambas fachadas principales).
- Períptero (todo el templo rodeado de columnas; es el tipo más frecuente).
- Pseudoperíptero (columnas adosadas al muro de la cella interior).
- Díptero (rodeado por dos filas de columnas).
B) Según el número de columnas en los frentes menores:
- Dístilos (2).
- Tetrástilos (4).
- Hexástilos (6), que son los más frecuentes.
- Octástilos (8)... Generalmente son de número par y los ejemplos impares son escasos y arcaicos.
La evolución formal es desde los arcaicos templos estrechos y largos hasta los templos con una armónica relación de anchura y longitud, con una proporción clásica ideal: el número de columnas en el lado mayor debía ser el doble más una de las del frente menor, contando dos veces la del ángulo (así, un templo octástilo debía tener 17 columnas en cada lado). También las columnas se fueron distanciando.
ÓRDENES ARQUITECTÓNICOS.
El orden como relación entre los elementos: columna y entablamento.
El orden es la relación entre los distintos elementos de la arquitectura (columna y entablamento), según normas fijas.
El orden les permite a los griegos conocer un edificio-tipo y una técnica-tipo, de modo que sólo tienen que repetir estos elementos sin necesidad de inventar un edificio y una técnica en cada ocasión. De acuerdo a la forma de articularse proporcionalmente estos elementos entre sí, distinguimos en la arquitectura griega tres órdenes arquitectónicos: el dórico, el jónico y el corintio, los que dieron nombre a otros tantos tipos de templo.
Todo orden consta de dos partes esenciales: una sustentante, constituida por la columna, y otra sustentada, que es el entablamento, guardándose entre ellas una estrecha relación proporcional.
El soporte principal es la columna (stylos), que define el sistema adintelado, de vigas horizontales, sereno y estable. Su variada relación con otros elementos define los órdenes, de modo que la columna tiene un relevante protagonismo como elemento constructivo y como determinante de las tipologías arquitectónicas. La columna se articula en tres elementos: basa, fuste y capitel. A veces, hay una decoración escultórica de los fustes de las columnas con figuras, que se llaman cariátides si son femeninas y atlantes si son masculinas.
El entablamento se articula en tres elementos: arquitrabe, friso y cornisa. En los tres órdenes sobre la cornisa hay un frontón triangular, con el tímpano interior destinado para la escultura y con los vértices decorados con acróteras, motivos vegetales, monstruos y figuras humanas. Las gárgolas (cabezas de animales) sobre el entablamento sirven como desagües.
La distinción entre los órdenes griegos y romanos.
La influencia de los órdenes griegos en el arte posterior es extraordinaria, comenzando por el de Roma y llegando hasta nuestros días, pasando por el renacentista.
Pero hay significativas diferencias. Lo que distingue a los órdenes para los griegos y para los romanos es que para los griegos el interés se centra en la forma y para los romanos en el espacio interior, para los griegos el orden es un medio para predeterminar la estructura y para los romanos es una decoración exterior, para los griegos es un modelo ideal (adaptable) y para los romanos es un modelo mecánico (fijo).
Dórico.
Es el orden más antiguo, sobrio y severo, de proporciones más robustas. Surge de la arquitectura prehelénica en madera, conservando aquella organización de los elementos como carpintería petrificada. Se levanta sobre un basamento con tres escalones (el superior es el estilóbato).
La columna: carece de basaEl fuste estriado está formado por tambores superpuestos de piedra, con unas acanaladuras (estrías) de arista viva, con un diámetro que se adelgaza verticalmente, con un ensanchamiento (éntasis) en el centro para corregir la perspectiva y que es más pronunciado en los templos antiguos. El capitel tiene collarino (acanalado), equino (almohadillado) y ábaco (dado achatado).
El entablamento está formado por: un arquitrabe liso, un friso (alternando triglifos y metopas con relieves) y decorado con mútulas y gotas, y una cornisa volada.
Jónico.
Más esbelto y elegante, tiene su origen en Jonia, como resultado de la fusión de elementos de tradición egea y asiática, apareciendo algo más tarde que el dórico, en el siglo VI aC.
La columna es más esbelta que la dórica y tiene en su base una basa con unas molduras (plinto) entre el fuste y el estilóbato. El fuste es estriado, con un adelgazamiento sin éntasis. El capitel es más complicado, con un collarino de perlas y un equino decorado con dos volutas laterales en espiral, más flechas y ovas y un ábaco.
El entablamento está formado por un arquitrabe que está dividido en tres bandas, un friso corrido con relieves y una cornisa volada decorada con dentículos y una moldura de flechas y ovas.
Corintio.
Es el más evolucionado y posterior pues aparece en el último cuarto del siglo IV aC y se desarrolla sobre todo ya en época helenística, para alcanzar el rango de orden diferenciado sólo en el siglo II aC. Deriva del orden jónico. Los griegos lo aplicaron sólo a pequeñas construcciones (Linterna de Lisicrates), porque su finalidad era decorativa, pero en cambio es el orden más usado en Roma. La decoración del capitel corintio sería así el modelo más repetido en la arquitectura occidental.
Se distingue por la rica forma del capitel, con al menos dos filas de hojas de acanto superpuestas de las que arrancan dos tallos enroscados en espiral (caulículos), formando volutas en los ángulos bajo el ábaco. En época tardía se añadieron más filas de hojas.

3.3. PERIODOS.
Se distinguen en arquitectura tres periodos: Arcaico (siglos VII-VI), Clásico (siglos V-IV), Helenístico (siglos III-I aC). El Prearcaico no tiene una representación apreciable en arquitectura.

ARCAICO (siglos VII-VI).
Características.
- Predominio del dórico, con algunos templos jónicos.
- Proporción poco definida, templos largos y estrechos, columnas muy próximas con pronunciada éntasis.
Evolución.
Con el auge de la polis comienza el gran arte griego, en el siglo VI, especialmente en la arquitectura. Los tiranos impulsan las construcciones, ya consolidados los estilos dórico y jónico. El origen del templo es el megarón micénico, pero los eslabones de su evolución han sido destruidos por la endeblez de sus materiales: madera y adobe (hasta esa época).
Destacan los templos dóricos arcaicos (siglo VII) de Hera en Olimpia y de Apolo en Termos, hechos en madera y barro, cuyas columnas de madera fueron sustituidas progresivamente por otras de piedra. Ya del siglo VI son los templos dóricos I de Hera en Paestum, de Apolo en Corinto y el enorme templo jónico de Artemisa en Efeso.
Al final comienzan a construirse los tesoros (pequeños y sencillos templos) en los santuarios, con pequeña cella y pórtico dístilo in antis, para servir de ofrendas a los dioses. Destacan los Tesoros en Delfos: de los Sifnios y de los Atenienses.

CLÁSICO (siglos V-IV).
Características.
- Es la época de apogeo del arte griego, centrado en el programa de construcciones en la Acrópolis de la Atenas imperial de Pericles, tras la destrucción de los templos en el -480 por los persas.
- La sobriedad dórica se contrapone a la riqueza jónica, aunque su distribución no sigue pautas geográficas y así en la jónica Atenas se edifica el dórico Partenón y el jónico Erecteion.
Evolución.
Se diferencian una primera fase (480-450), una segunda fase (450-400) y una tercera fase (400-323).
1) Primera fase (480-450).
La primera fase es de rápidos avances, aunque nos han quedado pocas obras debido a las destrucciones de monumentos. Fuera de Atenas destaca el templo dórico de Afaia (isla de Egina), con cella de dos pisos.
2) Segunda fase (450-400): la Acrópolis de Atenas.
Las obras máximas son de principios de la segunda fase clásica (450-400) y radican en Atenas.
Propileos (437-432), por Mnesicles. Eran la entrada monumental (por el camino de las Panateneas) al recinto sagrado. Tiene un doble pórtico rectangular (interior y externo). Los pórticos son dóricos hexástilos con seis columnas jónicas perpendicularmente dispuestas en el centro. Con dos alas rectangulares y dos edificios a los lados (pinacoteca y biblioteca).
Templo de Atenea Nike (420), por Calícrates. Al otro lado de la entrada, es un templo pequeño, obra maestra del orden jónico, anfipróstilo y tetrástilo, con excelente friso.
Partenón (447-432), por Ictino, Calícrates y el escultor Fidias. Es una obra cumbre de la arquitectura universal, en su monumentalidad y serenidad. Dimensiones: 69,54 x 30,87 x 10,43 m. La cella con tres naves está rodeada de un peristilo dórico, octástilo y períptero (8 por 17 columnas). El opistodomos (para el tesoro) es un cuadrado con cuatro columnas jónicas. Albergaba en la pronaos la estatua de Atenea Partenos. La perspectiva era oblicua desde los Propileos por lo que se hicieron correcciones (comba, éntasis, grosor distinto de las columnas) para evitar las deformaciones de la vista. Cuenta con una decoración escultórica, originalmente policromada, de Fidias, de obra maestra de la época.
Erecteion (421-407), de Mnesicles, es un templo jónico en dos niveles, con tres pórticos, destacando el de las Cariátides, cuyos fustes son figuras femeninas. Hacia el E la cella de Atenea tiene un pórtico jónico hexástilo. Hacia el Oeste hay tres cámaras (destinadas a Erecteo, Poseidón y Cécrope). El pórtico Norte es más bajo y de estilo jónico. El pórtico Sur es el de las Cariátides, que tiene fustes de figuras femeninas, que representan a las hijas del mítico rey Erecteo, el primero de Atenas, que perecieron trágicamente.
Fuera de Atenas, en esta segunda fase tenemos dos templos, el de Zeus en Olimpia y el de Apolo en Bassae.
3) Tercera fase (400-323).
En esta fase, con el desastre de la guerra del Peloponeso acaba la hegemonía de Atenas y nacen nuevos rasgos de la arquitectura clásica: predominio del orden jónico, monumentalidad, menos severidad. Hay una nueva tipología:
El tholos, un pequeño templo circular con doble anillo de distintos órdenes, en Delfos, Epidauro, Olimpia.
El teatro, de marcado carácter didáctico, y donde el mito se hizo tragedia, era una estructura excavada que se apoya sobre un colina, en que las gradas aprovechan una pendiente del suelo. Tiene una vista abierta al fondo de la scena y excelente acústica. Cuenta con una orchestra circular para el coro, koilon (cavea o graderío) circular o elíptico escalonado para los espectadores (dividido en pasillos verticales y uno horizontal) y scena para los actores. Destaca el teatro de Epidauro.
Los monumentos funerarios, como el sepulcro de las Nereidas (Asia Menor, -425) y el Mausoleo de Halicarnaso (-352), de 50 m. de altura, en el que sobre un podio rectangular, con extraordinaria decoración escultórica, había un templete jónico períptero coronado con una pirámide escalonada.

HELENÍSTICO (siglos III-I aC).
Características.
Colosalismo, suntuosidad, predominio del orden corintio, decorativismo, utilitarismo, libertad y variedad formal.
El arte helenístico se difunde a nuevos centros, en Alejandría, Pérgamo, Antioquía... La decoración adquiere autonomía respecto a los elementos y la función de la arquitectura.
Evolución.
No puede señalarse con propiedad una evolución en fases, porque hay una cierta homogeneidad estilística durante todo el periodo y las distinciones son más bien locales. Pero sí se pueden señalar que aumentará un experimentalismo que se aleja del naturalismo, junto a la progresiva ruptura de la unidad y racionalidad clásica.
El momento inicial es la muerte de Alejandro en -323 y el final es incierto, pues se confunde con el arte romano mucho después de la conquista romana. A partir del siglo -I no se producen novedades ni obras maestras, aunque abunden obras helenísticas incluso en el siglo III dC. Destacan varias obras: el templo de Olimpeion en Atenas, el templo de Apolo en Dídimo, el altar de Zeus en Pérgamo, el Faro de Alejandría.

4. ESCULTURA.
4.1. CARACTERÍSTICAS.
La estética está dominada por el antropocentrismo (hombre como medida de todas las cosas). Hay una evolución desde un arte abstracto al realismo con unos modelos ideales, en un naturalismo idealizado. Se gana progresivamente en expresividad y dinamismo.
Se usan materiales diversos: madera, piedra y mármol, bronce con procedimiento a la cera perdida y en fundición.
La policromía era normal (salvo bronce), aunque se ha perdido casi por completo y la imagen que tenemos es de una escultura blanca.
Destacan seis grandes artistas: Mirón, Policleto, Fidias, Scopas, Praxíteles y Lisipo. Los artistas firman las obras, gracias a su creciente valoración social.

4.2. PERIODOS.
ARCAICO (siglos VII-VI).
Características.
La figura humana centró el interés del artista griego desde el periodo arcaico, y el escultor en particular atendió a sus formas anatómicas como organismo vivo y a la relación proporcional entre sus partes como ideal y fundamento de belleza, en busca de la expresión de un idealismo que trasciende lo sensitivo. El kouros y la koré, prototipos escultóricos arcaicos, son el producto de la rápida evolución experimentada por la escultura hasta el siglo VII aC y que, sometidos aún a la ley de la frontalidad, ponen de manifiesto la influencia oriental y egipcia.
Evolución:
Se pueden distinguir dos fases: Primera fase (700-600). Segunda fase (600-500).
1) Primera fase (700-600): pequeñas dimensiones.
En la primera fase la escultura es de pequeñas dimensiones, en metal, marfil o madera. Las primeras obras (xóanas), en madera, eran exvotos con reliquias de los héroes y sólo se conocen por la literatura. Hay varias escuelas en Grecia, en las islas de Creta y las Cícladas.
2) Segunda fase (600-480): la gran escultura del kouros y la koré.
En la segunda fase aparece la gran escultura monumental, con materiales de mármol o bronce, en parte para la decoración exterior de los templos. El bronce se utilizó con la técnica de la cera perdida (la mayoría de sus piezas se han perdido). Atenas nos ha legado la mayoría de las obras. La mayor parte de las esculturas siguen dos modelos: el atleta desnudo (kouros) y la muchacha vestida (koré), al principio todos de cuerpo entero, rigidez, inmovilidad, frontalidad, desproporción, geometrización y sonrisa arcaica.
El kouros es un atleta desnudo y erguido, adelantando la pierna izquierda, con carácter frontal, con la “sonrisa arcaica” del Kouros de Sunion. Su madurez comienza en el 600, con los gemelos Cléobis y Bitón, del Museo de Delfos, o los de Sunion, evolucionando hacia un mayor realismo y una frontalidad menos rígida, con el Moscóforo (560) y el Jinete Rampin. Hacia el 500 aumenta el vigor y la elasticidad: Apolo Strangford.
El tipo de la koré es ático, con la serie del santuario de la Acrópolis, desgraciadamente destruido por los persas en 480, pero cuyos restos arquitectónicos y escultóricos fueron hallados enterrados en la misma ciudadela.
El tema de los animales, poco tratado, da obras maestras desde el 600: caballos, leones y terneros como el que porta el Moscóforo.
La escultura monumental se aplica a la arquitectura, en tímpanos, metopas y frisos, primero poniendo figuras de distinto tamaño y luego con una adaptación de las posturas de las figuras a la forma arquitectónica (triangular por lo común).

PERIODO CLÁSICO (siglos V-IV).
Características.
Es la etapa de plenitud, con avances constantes hacia el naturalismo idealizado o realista; la proporción, la armonía y la simetría; la perfección técnica.
Se trata de plasmar la belleza ideal, con un naturalismo idealizado, sin hieratismo. El canon es la representación ideal (sin defectos).
El tema principal es el cuerpo humano, con variantes de joven, hombre maduro, barbudo, mujer joven, mujer madura, lo que rompe la dicotomía prearcaica del kouros y la koré. Hay rasgos “clásicos”: la nariz prolonga la línea de la frente, no hay retinas (se coloreaban)...
Evolución.
Hay tres fases: Primera fase (480-450), Segunda fase (450-400), Tercera fase (400-323).
1) Primera fase (480-450).
El comienzo del siglo V (500-480) es considerado como una etapa de transición entre el arcaico y el clásico.
Tras la victoria sobre los persas (480) hay una explosión artística, con múltiples demandas de arte para los templos que deben ser levantados o reconstruidos. Se produce el abandono paulatino de la rigidez primitiva en busca de unas proporciones ideales que tomarán como módulo la cabeza, de una flexibilidad en el movimiento y la expresión, y en los ropajes femeninos una gran finura y transparencia de los pliegues.
De escultores anónimos de la primera mitad del siglo V son, en bronce, el Auriga de Del­fos y el Poseidón del cabo Artemision; en mármol, los Tiranicidas y los relieves de los tronos Ludovisi y de Boston, en los que hay aún un hieratismo solemne y sereno. Los guerreros de Riace, en bronce, del siglo -V, son de atlética perfección clásica. En el templo dórico de Afaya en la isla de Egina, hay un conjunto de esculturas de figuras humanas en los frontones, de un naturalismo idealizado (que será común en todo el periodo clásico), como en los frontones del templo de Zeus en Olimpia.
2) Segunda fase (450-400): Mirón, Policleto, Fidias.
La segunda fase es la más importante, la clásica por antonomasia, también conocida como la época de Pericles (aunque propiamente esta fue en 450-430), en que la teoría y la práctica se conjugan a través del dinamismo, la proporcionalidad y el idealismo. En esta fase aparecen los grandes maestros Mirón, Policleto y Fidias.
Mirón.
Mirón es un broncista, autor del Discóbolo, conocido por infinidad de copias, en el que capta el movimiento instantáneo, con una suprema armonía del cuerpo humano.
Policleto.
Policleto es un broncista de Argos. Publicó el Canon, sobre la proporción ideal del cuerpo humano (la cabeza como 1/7 del cuerpo): “La perfección únicamente se alcanza a través de muchos números”. El Doríforo (440), portador de lanza, es su obra maestra, en postura “clásica” (en contrapposto, con el peso del cuerpo sobre una pierna, doblada la otra hacia atrás, lo que da una sensación de movimiento que es novedosa), equilibrada, austera, realista. Obra parecida es el Diadumeno (430).
Fidias.
Fidias ()480-431?) es el gran escultor de los dioses. Destaca por la serenidad y monumentalidad, junto a la austeridad, realismo anatómico, “paños mojados” (que muestran ceñidas por la ropa las formas del cuerpo), movimiento, belleza extrema...
Entre sus obras destacan la extraordinaria obra escultórica del Partenón, con 92 metopas del friso exterior con un ciclo bélico (GigantomaquiaAmazonomaquiaCentauromaquia y Guerra de Troya, con dos o tres figuras en cada recuadro, valorando el vacío, con movimiento sereno), el friso interior de la ceremonia de las Panateneas (con sensación de profundidad), las esculturas de los frontones (oriental con el nacimiento de Atenea y occidental con la lucha de Atenea y Poseidón por el dominio del Ática, con composiciones adaptadas a los triángulos).
Al final de su vida trabajó en el templo de Zeus en Olimpia y también esculpió las estatuas gigantescas de Atenea Parthénos y Atenea Prómachos en la Acró­polis y de Zeus en Olimpia.
En Atenas también trabajan otros notables escultores, como Calamis y Alcamenes de Atenas (las Cariátides del Erecteion), y Agoracrito de Paros, que son discípulos de Fidias, Crésilas de Creta (Pericles), y Calímaco (escultor y pintor, y homónimo del gran poeta).
3) Tercera fase (400-323): Praxíteles, Scopas, Lisipo.
El siglo IV es una fase de más naturalismo realista (en detrimento del idealismo), más sensual y de proporciones más estilizadas (el canon se estiliza), con los temas de los dioses y los atletas mostrados en la cotidianeidad y con la aparición del desnudo femenino.
Praxíteles.
Praxíteles se define por su belleza y elegancia, un refinamiento sensual, con la “curva praxiteliana” (mayor inclinación de la cadera), en el Hermes con Dionisio niño de Olimpia, y, sobre todo, con el primer desnudo femenino, la Afrodita de Cnido, que será el modelo más famoso e imitado de belleza femenina, con formas plenas, suave modelado y curva praxiteliana. Destaca también el melancólico rostro de Psiquis.
ScopasScopas adorna el Mausoleo de Halicarnaso con esculturas de gran movimiento y patetismo. Es un maestro del “pathos”, de la pasión, del dolor y la melancolía (abandonando la serenidad anterior), con la cabeza de Meleagro, la Bacante herida, plena de movimiento frenético y la Deméter de Cnido.
Lisipo.
Lisipo es un broncista prolífico, que acentúa el naturalismo y la cotidianeidad, siendo un puente hacia el periodo helenístico (Charbonneaux lo data en este). Aumenta el canon a 1/8 respecto al cuerpo, más esbelto, en el Apoxiomeno (atleta limpiándose con un estrígilo), sin frontalidad, con un brazo en escorzo, con extraordinario verismo, “tal como se ven” y “no como son”. Es el primer retratista conocido, con su famoso (aunque desaparecido) retrato de Alejandro que sirvió de modelo para muchas reproducciones.

HELENÍSTICO (siglos III-I aC).
Características.
La escultura helenística parte de la tendencia realista anterior, sobre todo de Praxíteles y Scopas, extremándolas en un proceso experimental de “barroquización”. Los artistas abandonan el idealismo, la unidad y racionalidad, el sentido de la medida, la simplicidad y la serenidad clásicas. Se busca el realismo expresionista que se inspira en la violencia, la lucha y el drama, para lo que se acentúa el naturalismo, movimiento, patetismo, expresividad, claroscuro, monumentalidad, la complejidad de los grupos escultóricos.
Hay nuevos temas o son más frecuentes las representaciones de la vida cotidiana (niños, viejos, artesanos), retratos realistas (DemóstenesSéneca), temas infantiles con gran encanto (EspinarioNiño de la OcaEros y Psiquis), desnudos femeninos (Venus de Milo, plena de naturalidad, elegancia, serenidad y leve movimiento).
Evolución: las escuelas de Alejandría, Pérgamo y Rodas.
Las escuelas principales son tres, con una constante relación entre ellas y una constante tendencia a aumentar el realismo (en parte, tal vez, para satisfacer el gusto de la clientela romana) y la expresividad. Las similitudes hacen que a veces sea difícil concretar la escuela de una obra.
Escuela de Alejandría.
Alejandría es la escuela principal, con la dinastía de los Ptolemos. Se producen temas de género, bronces de escenas callejeras, alegorías (el Dios del río Nilo, personificado en un hombre maduro, barbado, recostado, rodeado de símbolos de la fertilidad).
Escuela de Pérgamo.
La escuela de Pérgamo prospera bajo la dinastía de los Atálidas, con temas sublimes, heroicos, en grandes conjuntos (altorrelieves de la Gigantomaquia en el Altar de Zeus, con extrema violencia y movimiento) y obras de patetismo y romanticismo (Galo moribundo, en la que el vencido es ensalzado por su valor).
Escuela de Rodas.
La escuela de Rodas, en una rica república comercial, sigue las tendencias de la escuela de Pérgamo, con características de colosalismo y un movimiento contorsionado que expresa el dolor. Destacan la Victoria de Samotracia y los grupos del Toro Farnesio y del Laocoonte.

5. PINTURA.
5.1. CARACTERÍSTICAS.
No tenemos prácticamente obras de la pintura griega (su material era la tabla pintada) pero tenemos abundantes testimonios literarios y ejemplos de su influencia (cerámica pintada, frescos de Pompeya y Herculano, mosaicos), para conocer los temas y métodos de composición, lo que nos permite concluir que fue el arte principal tras la arquitectura.
Se cultivó en la época clásica y helenística el naturalismo y el realismo, con el uso de la perspectiva empírica (fines del siglo VI) hasta conseguir la perspectiva matemática en la representación del espacio (comienzos del siglo IV), con el dominio del claroscuro, las sombras, la pintura tonal, y una variada iconografía mitológica, histórica y cotidiana. Influyó decisivamente sobre la escultura griega, y en la escultura y la pintura romanas (las grandes pinacotecas de los templos).
La gran pintura se hizo sobre caballete y se hicieron copias para los frescos, mosaicos y la cerámica pintada.
5.2. PERIODOS.
PERIODO ARCAICO (siglo VII).
Del periodo arcaico sólo tenemos los nombres y las obras de los pintores de la cerámica pintada, y suponemos que siguió sus mismas pautas, evolucionando de las figuras negras a las figuras rojas.
PERIODO CLÁSICO (siglos V-IV).
En el periodo clásico las características son la policromía y el dibujo lineal, y domina el tema humano. Se distinguen tres fases:
1) En la primera fase (480-450) destaca un grupo de pintores: Polignoto, Panaios, Micón y Onosias.
2) En la segunda fase (450-400) los grandes pintores fueron Parrasio, Zeuxis, Apolodoro y Calímaco.
3) En la tercera fase (400-323) hay un mayor realismo. El pintor Apeles (la cumbre de la pintura clásica griega) retrata del natural a Alejandro, cerrando emblemáticamente este periodo clásico, uniendo naturalismo, movimiento y expresividad.
PERIODO HELENÍSTICO (siglos III-I aC).
En el periodo helenístico se sufre una clara decadencia en la producción, al preferirse el mosaico para la decoración de las casas, aunque tenemos los ejemplos de los frescos de Pompeya y Herculano.
El tema del hombre que había dominado el periodo clásico se enriquece con el paisaje, la decoración, el realismo, la expresividad y el ilusionismo.
Al final (150-50) casi desaparece la pintura de caballete y domina la técnica del fresco, con copias de las grandes obras de la pintura.

6. CERÁMICA.
6.1. CARACTERÍSTICAS.
La cerámica nos interesa como arte por varios motivos estéticos: la forma, el dibujo y el color, la temática.
Las características de la cerámica griega son:
Numerosas formas en función de la finalidad: cántaros, cráteras, esquifos, platos, pixis...
- Extraordinaria variedad de temas decorativos: mitos, historia, juegos atléticos, vida cotidiana, con letreros explicativos.
Importancia de los autores, tanto ceramistas como pintores, que acostumbran firmar las obras.
6.2. PERIODOS.
PERIODO PREARCAICO (siglos IX-VIII).
Las invasiones dóricas rompieron con la etapa anterior, con pocos elementos de continuidad, evidentes en la cerámica.
Primero, como enlaces con los antecedentes micénicos, minoicos y asiáticos, hay dos etapas, datadas en Atenas: submicénica (1100 a 1050) y protogeométrica (1050 a 900).
Geométrica (900-750).
Aparece luego la extraordinaria cerámica geométrica (900 a 750), que se extiende por todo el mundo griego, desde Chipre a Italia. Los hallazgos del cementerio de Dipylon en Atenas le ha dado también el nombre de cerámica de Dipylon. Tiene una función funeraria y la técnica es excep­cional, con ánforas y cráteras de gran tamaño, hasta de 1,5 m. de altura. La decoración pintada es de bandas horizontales en cenefas con motivos geométricos (puntos, líneas paralelas, triángulos, círculos, rombos, espirales...), e incluso las figuras humanas y de animales están esquematizadas según pautas geométricas, sin perspectiva ni proporción. La composición es rigurosa y repetitiva en serie.
Orientalizante (750-650).
Luego hay una fase orientalizante (750-650), a partir de las ciudades jónicas de Asia Menor. Se difunde la decoración de seres exóticos y fabulosos: esfinges, grifos y gorgonas, y de plantas: loto, papiro y frisos de palmas. Destaca Corinto, por su calidad y por sus exportaciones, desde la fase protocorintia (750 a 640). Se pintaron franjas horizontales con los motivos fantásticos (en siluetas). El arte griego se extiende por Sicilia e Italia, con la colonización y el comercio.
PERIODO ARCAICO (siglos VII-VI).
En resumen, el periodo arcaico estuvo caracterizado en el siglo VII por un estilo geométrico y esquemático, seguido en el siglo VI de una decoración de figuras negras sobre fondo rojo. Hacia -530 se invierten los valores cromáticos: las figuras rojas se disponen sobre fondo negro.
Fase geométrica-esquemática (650-600).
En esta fase hay una vuelta a la composición geométrica, con motivos esquemáticos. La producción es poco importante.
Fase de las figuras negras (600-530).
Con el auge de la polis comienza el gran periodo artístico, con el auge de la cerámica de figuras negras con narratividad y más figuras humanas. Hay grandes centros: Corinto, Esparta, Rodas, Caere (Etruria).
A finales del siglo -VI Atenas se convierte en el gran centro, monopolizando las exportaciones. Al principio predominaban los temas en bandas, como los temas épicos de la Iliada en el Vaso Fran­çois (570). Aparece luego un estilo más libre con una sola escena para toda la superficie, siendo esencial la tarea del pintor (en muchos casos con su misma firma), con temas humanos que serán los temas únicos al final del periodo. Destaca Exekias, c. 550, con Aquiles y Ajax jugando a los dados y Dionisos en un barco.
Fase de las figuras rojas (530-500).
La técnica de figuras rojas invierte la policromía anterior. No se pintan, salvo el dibujo, las figuras, que tienen el color rojo de la arcilla, y se pinta de negro el fondo. Aparece c. 530. Esta técnica permite aumentar mucho el detallismo, naturalismo, expresividad, perspectiva y movimiento.
PERIODO CLÁSICO (siglos V-IV).
El periodo clásico, como en la pintura, se caracteriza por la policromía y el dibujo lineal.
La cerámica policromada es cada vez más rica en colores.
El dibujo lineal tiene bellos y estrechos lekytos blancos funerarios (“Pintor de Aquiles”), que pervivirán hasta el helenismo.
Hacia el 450 se gana en libertad formal (influjo de la pintura), hasta llegar a grandes escenas llenas de movimiento y al expresionismo (420-380).
Pero al mismo tiempo hay una progresiva decadencia pues los mejores pintores se dedicarán crecientemente a la pintura de caballete y abandonan la cerámica (como hizo Polignoto, que firmó vasos antes de dedicarse a la gran pintura hacia el 450).
PERIODO HELENÍSTICO (III-I).
Desaparece la cerámica pintada, con el final de las pinturas rojas áticas, que se producen hasta el final del siglo -IV. Aparece la decoración con relieves (como las sítulas etruscas) y el hiperdecorativismo. Los grandes centros están en Sicilia y sur de Italia.

7. ARTES MENORES.
En el periodo arcaico eran muy apreciados los marfiles (las pequeñas figuras del templo de Artemisa en Efeso) y la orfebrería.
Del periodo clásico tenemos pocos restos, aunque sabemos que destacaron la orfebrería, la joyería y los marfiles.
En el periodo helenístico la influencia de los botines tomados en Asia cambia el gusto hacia las artes menores, de las que tenemos muchos restos en este periodo. Se toman modelos orientales y se desarrollan con extraordinario lujo la orfebrería, la joyería, la glíptica (sellos) y las pequeñas esculturas de terracota que abundan para un público creciente en número y riqueza, aunque es muy difícil distinguir el arte helenístico del romano en estos casos. Los mosaicos helenísticos siguen el estilo de la pintura de la época y dan paso al mosaico romano.