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miércoles, 26 de abril de 2017

El artista francés Pierre Tal-Coat (1905-1985).

El artista francés Pierre Tal-Coat (1905-1985).

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Pierre Tal-Coat, L'atelier ouvert. Un film de Michel Dieuzaide. 21 minutos.

Pierre Jacob, llamado Pierre Tal-Coat (Clohars-Carnoët, Finistère, 12-XII-1905-Saint-Pierre-de-Bailleul, París, 11-VI-1985). Artista francés. Después de obtener una formación en oficios artesanales, en los años 20 se instala en París y comienza a trabajar en la cerámica, la madera y otros materiales, siempre investigando, y recibe varias influencias (Matisse, Picasso), cultivando un estilo expresionista (1936-1943). Tras el paréntesis de la guerra mundial vuelve a París en 1945 y desarrolla un estilo informalista que le llevará finalmente a ser promovido por la Galerie Maeght desde 1954. Estuvo muy influido por el arte oriental gracias a su amistad con Masson desde 1947, admiró la pintura china Song de siglos X-XIII y viajó a Japón en 1975.

Los hombres pájaros. [http://boverijuancarlospintores]

Coincidirá a menudo con Miró en París, Saint-Paul-de-Vence y en muestras colectivas, al ser ambos miembros de la “camada Maeght”, y comparten el interés por el primitivismo, los campos de color como en Vert dans l’abrupt (1965), la espontaneidad, la sencillez compositiva, la caligrafía y la sencillez oriental y temas de pájaros estilizados volando hacia un cielo lleno de elementos estelares, como en Gran Tracé II (1955) o Les Ruisseaux vont au ciel (1962).

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Fuentes.
Internet.

Exposiciones.
*<D’Ingres à nos jours>. París. Galerie Denise René (diciembre 1945-enero 1946). Dibujos de Ingres, Cézanne, Degas, Van Gogh, Manet, Redon, Renoir, Théodore Rousseau., Toulouse-Lautrec… Miró, Beaudin, Bonnard, Bores, Chagall, Cocteau, Domínguez, Dufy, Max Ernst, Gischia, Gris, Kandinsky, Laurens, Lurçat, Maillol, Man Ray, Marquet, Masson, Metzinger, Modigliani, Picabia, Picasso, Pignon, Rouault, Tal-Coat, Tanguy, Ubac, Villon, Vuillard…
*<L’École de Paris>. Berna. Kunsthalle (1946). 140 obras de Cézanne, Courbet, Degas, Delacroix, Gauguin, Van Gogh, Guillaumin, Manet, Pissarro, Redon, Renoir, Henri Rousseau, Seurat, Signac, Toulouse-Lautrec… Miró, Balthus, Bauchant, Beaudin, Bonnard, Bores, Braque, Brianchon, Chirico, Coutaud, Delaunay, Denis, Dufresne, Dufy, La Fresnaye, Gischia, Goerg, Gris, Gromaire, Grüber, Kermadec, Léger, Lhote, Lurçat, Manessier, Marcoussis, Marquet, Masson, Matisse, Modigliani, Picasso, Pignon, Rouault, Segonzac, Sima, Singier, Tal-Coat, Tanguy, Utrillo, Villon, Vivin, Vuillard, Waroquier…
*<4e Salon de l’Art Mural>. Avignon. Palais des Papes (desde 15 julio 1949). Obras de Miró, Bazaine, Beaudin, Bissière, Bores, Brauner, Buffet, Estève, Gleizes, Gromaire, Hélion, Kermadec, Léger, Lhote, Magnelli, Masson, Matisse, Mondrian, Ben Nicholson, Ozenfant, Pignon, Rebeyrolle, Schneider, Severini, Sutherland, Tal-Coat, Vasarely, Villon…
*<Mediterranéenne>. Saint-Tropez. Musée de l’Annonciade (¿agosto-septiembre? 1950). Obras de Miró, Alix, Couturier, Gleizes, Laurens, Lobo, Magnelli, Marchand, Matisse, Picasso, Tal-Coat…
*<Rythmes et couleurs>. París. Galerie Bernheim (diciembre 1950). Obras de 30 pintores: Miró (una de 1942), Braque, Delaunay, Kandinsky, Klee, Lanskoy, Magnelli, Manessier, Pignon, Severini, Tal-Coat, Villon…
*<Exposición de tapices franceses contemporáneos>. Buenos Aires. Museo Nacional de Artes Decorativas (¿julio? 1951). 108 obras de Miró, Braque, Brianchon, Dufy, Lurçat, Marchand, Matisse, Picasso, Rouault, Tal-Coat…
*<75 oeuvres de demi-siècle>. Bruselas. La Réserve, rue Albert-Plage (21 julio-9 septiembre 1951). 75 obras de los cubistas Braque, De la Fresnaye, Gris, Laurens, Léger, Lhote, Lipchitz, Marcoussis, Picasso; el futurista Severini; los simultaneístas Robert y Sonia Delaunay; los dadaístas Duchamp y Picabia; de la “Ecole de Weimar” están Feininger, Kandinsky, Klee; Chirico; los surrealistas Miró, Dalí, Max Ernst, Magritte, Tanguy; de las tendencias más actuales Buffet, Delvaux, Dubuffet, Labisse, Tal-Coat.
*<Francia-Italia (Peintres d’aujourd’hui, France et Italie)>. Turín. Museo Municipale, Parque del Valentino (desde 7 octubre 1951). Obras de Miró, Affro, Beaudin, Becchis, Borra, Braque, Buffet, Cassinari, Chagall, Charchoune, Couty, Domínguez, Dufy, Garino, Gischia, Hartung, Léger, Marchand, Masson, De Pisis, Picasso, Pignon, Reggioni, Reichel, Severini, Soulages, Spazzapan, Tal-Coat, Ubac, Villon... Conservador: Viale.
*<Rythmes et couleurs>. Lausana. Musée Cantonal des Beaux-Arts (20 junio-14 septiembre 1952). 120 obras de pintura francesa contemporánea, en dos grupos: el primero con los maestros ya consagrados: Miró, Bonnard, Braque, Chagall, Robert Delaunay, Derain, Dufy, La Fresnaye, Friesz, Gris, Kandinsky, Léger, Marquet, Masson, Matisse, Modigliani, Picasso, Rouault, Segonzac, Soutine, Tal-Coat, Utrillo, Villon, Vlaminck. El segundo con los de la actual Escuela de París: Bazaine, Bores, Buffet, Chastel, Maurice Estève, Hartung, Hillaireau, Manessier, Le Moal, Palazuelo, Singier, Soulages, Geer van Velde, Vercot, Vieira da Silva...
*<The 1952 Pittsburg International Exhibition of Contemporary Painting>. Pittsburg. Carnegie Institute (16 octubre-11 o 14 diciembre 1952). San Francisco. California Palace (diciembre 1952-febrero 1953). 305 pinturas de 270 artistas: Miró ─Mujeres, luna, estrellas─, Alechinsky, Appel, Bazaine, Campigli, Domínguez, Dubuffet, Gischia, Gromaire, Franz Kline, De Kooning, Lanskoy, Wifredo Lam, Léger, Le Moal, Manessier, Marchand, Motherwell, Nicholson. Segonzac, Singier, Tal-Coat, Tàpies, Ubac, Geer van Velde, Villon... Cat. Prefacio de Gordon Bailey Washburn, director.
*<L’Ecole de Paris 1954>. París. Galerie Charpentier (desde c. 18 octubre-finales de noviembre 1954). Pinturas de Miró, Aizpiri, Baboulène, Bardone, Bazaine, Beaudin, Bissière, Bores, Boussard, Yves Brayer, Buffet, Caillaud, Carzou, Chagall, Chapelin-Midy, Clavé, Lucien Coutaud, Simone Dat, Dauchot, Derain, Despierre, Dignimont, Van Dongen, Dunoyer de Segonzac, Max Ernst, Maurice Estève, Lucien Fleury, Ganne, Gavardie, Génis, Gischia, Gromaire, Guerrier, Vincent Guignebert, Hartung, Kermadec, Kupka, Félix Labisse, Lanskoy, Lapicque, Léger, Legueult, Lersy, Bernard Lorjou, André Marchand, Manessier, Masson, Minaux, Yvonne Mottet, Music, Nejad, Oudot, Paillès, Picasso, Pignon, Planson, Poliakoff, Prassinos, Pressmane, Rebeyrolle, Suzanne Roger, Savin, Schenck, Schneider, Sébire, Singier, De Staël, Tal-Coat, Terechkovitch, Ubac, Utrillo, Vasarely, Verdier, Vessereau, Villeboeuf, Jacques Villon, Vlaminck...
*<Gravures et lithographies>. Aix-en-Provence. Galerie ‘Sources’ (junio 1956). Obras de Miró ─Lune mauveSoleil rouge─, Braque, Breyer, Bruxeille, Buffet, Carzou, Chagall, Clavé, Erni, Friedlander, Lurçat, Marie Laurencin, Matisse, Masson, Picasso, Tal-Coat.
*<Poètes du visible>. Douvaine, Alta Saboya. Ayuntamiento de Douvaine (14 julio-10 septiembre 1956). 40 obras de coleccionistas locales: Miró, Balthus, Bores, Brauner, Dufy, Giacometti, Gruber, Klee, Tal-Coat, Vieira da Silva, Wols... Organizada por el ‘Syndicat d’iniciative’.
*<Exposició inaugural>. Barcelona. Galeria Maeght (15 noviembre-diciembre 1974). 58 obras de Miró (9), Adami, Bazaine, Braque, Bury, Corberó, Calder, Chagall, Chillida, Fiedler, Garache, Joan Gardy Artigas, Giacometti, Hartung, Kandinsky, Kemeny, Léger, Monory, Palazuelo, Rebeyrolle, Riopelle, Royo, Saul Steinberg, Tal-Coat, Tàpies, Ubac, Bram Van Velde... Cartel anunciador. Cat. Texto de J. M. Moreno Galván. Ilustrado por Miró.
*<1936-1976: luttes, création artistique, créativité populaire>. París. Gare de la Bastille (junio 1976). Obras de Miró, Fougeron, Gruber, Léger, Masson, Tal-Coat... Organizada por Partido Socialista francés. Cat. en suplemento de “Militant de Paris” (VI-1976). Textos de Jean-Pierre Rioux, Pierre Gaudibert, Pascal Ory.
*<Un musée éphémère. Collections privées françaises 1945-1985>. Saint-Paul-de-Vence. Fondation Maeght (1986). Tal Coat: 138-139.
*<No pasarán> o <Für Spanien: Internationale Kunst und Kultur zum Spanische Bürgerkrieg>. Bochum. Museum Bochum (28 septiembre-23 noviembre 1986). Obras de Miró ─Pintura masonita (1936)─, Lipchitz, Masson, Matta, Motherwell, Tal-Coat...
*<Vision nouvelle d’une collection>. Saint-Paul-de-Vence. Fondation Maeght (1 julio-12 noviembre 1999). Prat. Tal-Coat: 92-93.
*<De l’écriture à la peinture>. Saint-Paul-de-Vence. Fondation Maeght (4 julio-14 noviembre 2004). Más de 150 obras de más de 100 poetas y escritores y 70 pintores: Miró (pp. 127-152) en colaboración con Char, Dupin, Cazelles, Philippe Denis, Desnos, Eluard, Leiris, Neruda, Péret, Prévert (Adonides, 1975), Tzara…; otras obras de Adami, Alechinsky, Bazaine, Bellmer, Bonnard, Braque (Char, Saint-John Perse…), Chagall, Chillida, Chirico, Coutaud, Derain, Duchamp, Max Ernst, Estève, Fautrier, Joan Gardy Artigas, Giacometti, Lam, Laurens, Léger, Marcoussis, Masson, Matisse, Michaux, Picasso, Germaine Richier, Rouault, Saura, Tal-Coat, Tàpies, Ubac, Bram van Velde, Jacques Villon... Cat. Textos de Maeght, Adrien. Préface (11-15). Prat, Jean-Louis. De l’écriture à la peinture (17-21). Chapon, François. La bibliothèque d’Aimé Maeght (23-25). Relación de libros… destaca la de revistas editadas por Maeght (203-226). Biografías de artistas y editores (231-283). 303 pp.

Libros.
Bénézit, E. Dictionnaire des peintres, sculpteurs, designateurs et graveurs. Gründ. París. 1976. 10 vols. Reed. Jacques Busse (dir.). 1999. 14 vols. vol. 13, pp. 441-443.

Artículos.
Verdet, André. Miró et Tal-Coat“Le Patriote Résistant“, París (7-I-1949).

El artista español Xavier Corberó (1935-2017).

Xavier Corberó Olivella (Barcelona, 13-VI-1935 a 25-IV-2017). Escultor, pintor, diseñador de joyas, decorador de interiores. De una familia de orfebres catalanes, estudia en la Escola Massana, fundada por su padre y Josep Llorens Artigas, y en 1955-1959 en la Central School of Arts and Crafts de Londres, donde se interesa por la escultura constructivista abstracta de Ben Nicholson.
En 1959 expone por primera vez en Lausana. Obtiene en Barcelona los premios Manolo Hugué (1960) y Ramon Rogent (1961). En 1960 viaja a Nueva York, donde contacta con Duchamp, Man Ray, Ernst y se interesa por el surrealismo.
La obra de Corberó evoluciona hacia el ensamblaje de objetos biomórficos, en la línea de Arp, pero muy cercanos al mundo de Miró, tanto en su iconografía como en su uso chocante de los materiales y de imágenes de animales, a menudo con superficies cambiantes en las que alterna la pulida y la rugosidad de la materia bruta, en el anverso y el reverso.


Vuelve a España a mediados de los años 60, residiendo desde entonces a caballo entre Nueva York y Esplugues de Llobregat, donde en 1972 inaugura su Centre d’Activitats i Investigacions Artístiques de Catalunya, una institución de apoyo a los jóvenes artistas catalanes. Miró parece que se interesó por esta experiencia de fomento, como escribe en un programa de sus actividades previstas en Barcelona a finales de 1972: ‹‹28-XII-1972: Veure: Colònia Güell. Orfeó. Hospital St. Pau. Col. Zoològic. Museu Ciutadela. Montserrat. Museu Romànic. Josep Viñas. Corberó. St. Cugat. Terrassa. Dr. Raventós›(FJM 2447).
Su relación se fortaleció cuando Corberó participó en la sociedad que controló desde 1981 la franquicia de la Galeria Maeght de Barcelona, junto a Francesc Farreras y las familias Maeght y Miró.

Fuentes.
Internet.
Libros.
Antolín Paz, M. (dir.). Diccionario de pintores y escultores españoles del siglo XX. 1994: t. 3, pp. 823-824.
Permanyer, Ll. (textos); Levick, Melba (fotografías). Ateliers. Polígrafa. Barcelona. 2000. 225 pp. Catalán. Taller de Xavier Corberó (68-87).
Santos Torroella (dir.). Enciclopèdia Vivent de la Pintura i l’Escultura Catalanes. 1985: 1009-1020.
Artículos.
Redacción. La casa de Corberó. “El País”, Semanal, nº 1067 (9-III-1997) 84-88.
Redacción. Fallece a los 91 años el escultor Xavier Corberó. “El País” (26-IV-2017).

Arte Contemporáneo. Polonia.

Arte Contemporáneo. Polonia.

Listado.
Henryk Gotlib (1890-1966),
Władysław Strzeminski (Minsk, 1893-Lodz, 1952).
Katarzyna Kobro (Moscú, 1898-Lodz, 1951),
Tamara de Lempicka (1898-1980).
Andrzej Wróblewski (1927-1957),
Igor Mitoraj (Oederan, Alemania, 1944-París, 2014, escultura),
Goshka Macuga (Varsovia, 1967, escultura).

ARTES.
Exposiciones.
*<Pintura polaca contemporánea>. Valencia. Museo Histórico Municipal (abril 1977). Cat. 110 pp.
*<Presences polonaises. L’art vivant autour du musée de Lodz>. París. MNAM (23 junio-26 septiembre 1983). Cat. 335 pp.

ARTISTAS.
El artista polaco Henryk Gotlib (1890-1966).
<Henryk Gotlib 1890-1966>. Varsovia. Muzeum Narodowe (styczen-luty 1980). Cat. 81 pp. más 57 ilus. Polaco.

Los artistas polacos Katarzyna Kobro (1898-1951) y Władysław Strzeminski (1893-1952).
Los artistas Katarzyna Kobro (Moscú, 1898-Lodz, 1951) y Władysław Strzeminski (Minsk, 1893-Lodz, 1952). Su estilo vanguardista, con un original concepto artístico como el Unismo, radicalizó y transgredieron los presupuestos de la modernidad

*<Kobro y Strzemiński. Prototipos vanguardistas>. Madrid. MNCARS (18 abril-28 septiembre 2017). Co-organizada junto al Muzeum Sztuki de Łodz con unas 160 obras entre dibujos, pinturas, carteles, collages, esculturas y diseños de Kobro y Strzeminski.

La artista polaca Goshka Macuga (1967),
Bosco, Roberta. La evolución humana a través del arte de un androide. “El País” (7-II-2016) 38. La Fundación Prada de Milán expone una obra de la artista polaca Goshka Macuga (Varsovia, 1967), destacada escultora.

La artista polaca Tamara de Lempicka (1898-1980).


Lempicka, Kizette de. Pasión por pintar. El arte y la época de Tamara de Lempicka. Mondadori. Madrid. 1988 (1987 inglés). 191 pp. Biografía escrita por la hija.
Larrauri, Eva. La enigmática musa de los años locos. “País” (19-IV-2007) 52.

El artista polaco Igor Mitoraj (1944-2014).
El escultor Igor Mitoraj (Oederan, Alemania, 1944-París, 2014), de origen polaco, afincado entre Francia (París) e Italia (Pietrasanta) desde finales de los años 60, se consagró con sus esculturas gigantescas de personajes caídos.
Bosco, Roberta. Obituario. Igor Mitoraj, el escultor de los héroes caídos. “El País” (13-X-2014) 38.

El artista polaco Andrzej Wróblewski (1927-1957).
Andrzej Wróblewski (Vilna, 1927-accidente en montes Tatras, sur de Polonia, 23-III-1957), profesor de arte, pintor y grabador, fallecido a los 29 años, ha alcanzado un gran renombre con su obra que muestra un periodo trágico de la vida polaca, con temas como el Holocausto, y también la esperanza en un mundo mejor. Entre sus referentes están Miró, Klee, Mondrian y Goya, según los comisarios de la muestra, cuyas obras conoció en ilustraciones.



<Andrzej Wróblewski>. Madrid. Palacio de Velázquez (17 noviembre 2015-28 febrero 2016). Retrospectiva de 150 obras. Comisarios: Éric de Chassey y Marta Dziewanska. Reseña de García, Ángeles. El pintor que se rio del estalinismo. “El País” (18-XI-2015) 36. 

martes, 25 de abril de 2017

Pacto de sangre (1955), de André de Toth.

Pacto de sangre (1955), de André de Toth.

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Pacto de sangre (1955). The Indian Fighter. EE UU. Género: western. Duración: 85 minutos. Dirección: André de Toth. Intérpretes: Kirk Douglas, Walter Matthau, Elsa Martinelli, Diana Douglas, Walter Abel, Lon Chaney Jr., Elisha Cook Jr. Guión: Frank Davis y Ben Hecht, sobre una historia de Robert L. Richards. Música: Franz Waxman. Fotografía: Wilfed M. Cline.
Oregón, 1870. El ejército ha costruido un fuerte junto a la región de los sioux, justo cuando se está descubriendo oro en las montañas. Johnny Hawks, un explorador con fama de luchador y experto en tratar con los indios, procura que estos dejen pasar una caravana y surgirá una historia de amor, codicia y odio étnico.
Un western notable, con un director sólido como De Toth una fotografía excelente en Technicolor, un guión que sigue las pautas clásicas del género (adobado con un mensaje antiracista) en el que se nota la experta mano del gran Hecht, y un actor como Douglas formidable para su papel, rodeado de magníficos secundarios como una Elsa Martinelli recién llegada a Hollywood o un Matthau que despuntaba entonces en papeles de malvado. Una curiosidad es la variedad de traducciones del título.

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Fuentes


Appaloosa (2008), de Ed Harris.


Appaloosa (2008), de Ed Harris.



Tráiler. 2 minutos.

Appaloosa (2008). EE UU. Género: Oeste. Duración: 92 minutos. Dirección: Ed Harris. Intérpretes: Ed Harris, Viggo Mortensen, Renée Zellweger, Jeremy Irons, Lance Henriksen, Timothy Spall, Ariadna Gil. Guión: Ed Harris y Robert Knott, basado en la novela de Robert B. Parker. Música: Jeff Beal. Fotografía: Dean Semler . Montaje: Kathryn Himoff.

Trama.
Nuevo México, 1882. El agente Virgil Cole (Harris) y su amigo Everett Hitch (Mortensen) han pacificado varias ciudades y son solicitados por las autoridades del pueblo minero de Appaloosa cuando su sheriff es asesinado por unos matones de un ranchero local, Randall Bragg (Irons). Allí, mientras se desata un brutal lucha, conocerán a una atractiva viuda, Allison French (Zellweger), que pondrá en tela de juicio su vida misógina.



Opinión.
Robert B. Parker (1932-2010) es en España más conocido como autor de la serie de novela negra del detective Spenser, pero en EE UU muchos le conocen más por sus novelas del Oeste, que muestran el trasfondo histórico de continua violencia de Estados Unidos. Ed Harris, con una encomiable voluntad de clasicismo, toma una de sus novelas justamente más célebres para filmar una notable obra del cine negro, situada en el horizonte infinito del Far West. El tema es muy trillado: dos antihéroes, en el fondo perdedores desclasados, que viven según su propio código de conducta, y solo se tienen el uno al otro para sobrevivir en medio de una violencia omnipresente, se enfrentan a unos hombres semejantes salvo que han decidido adentrarse un poco más en el lado oscuro para sobrevivir. La película siempre resulta interesante y amena, pero flojea en algunos despistes, en cierta falta de ritmo, tal vez en un no decidirse a cortar. Y una falta mayor, la indefinición moral de los personajes de Irons y Zellweger, que nunca resultan convincentes en unos papeles demasiado forzados por el guion, unas muletas demasiado artificiales para equilibrar los papeles mucho más agradecidos de Harris y Mortensen (este borda una enorme actuación, creciendo cada año como actor dúctil).
Fuentes.
Internet.
Artículos.
Redacción. ‘Las películas’. “El País” (18-XI-2012).

domingo, 23 de abril de 2017

Venganza (2008), de Pierre Morel.

Venganza (2008), de Pierre Morel.





Tráiler.

Venganza (2008). Taken. Francia. Género: acción. Duración: 93 minutos. Dirección: Pierre Morel. Intérpretes: Liam Neeson, Maggie Grace, Famke Janssen. Guión: Luc Besson. Música: Nathaniel Méchaly. Fotografía: Michel Abramowicz. Montaje: Frédéric Thoraval. Producción: Luc Besson.

Trama.
¿Qué puede ser peor para un padre, en Nueva York, que escuchar impotente el secuestro de su hija al otro lado del teléfono, en París? El padre, Bryan Mills, un exagente secreto norteamericano, deberá investigar en los bajos fondos parisinos para liberar a su hija de una mafia de trata de blancas antes de que pasen 96 horas o puede darla por perdida. No contará con otra ayuda que la de sus viejos compañeros, pero tal vez no de todos...
Opinión.
Hay una adecuada combinación de intriga sombría y secuencias de acción, con un acertadísimo y creíble Liam Neeson en su papel de padre implacable que arrasará todos los obstáculos y vulnerará todas las normas a fin de salvar a su hija. La historia desprende nihilismo (como el buen género polar francés exige) e individualismo a raudales: la policía es siempre ineficaz o corrupta, y sólo el héroe puede hacer algo.  Un héroe que apenas habla y ni siquiera pretende que entendamos sus pensamientos, pero dispara y machaca a sus enemigos, los malos redomados que se merecen su exterminio como insectos nocivos, con una elocuencia más esclarecedora que mil palabras.
El director imprime un ritmo implacable, con continuos y nerviosos movimientos de cámara y planos cortos subrayados por una música rotunda. El guión es ciertamente inverosímil y doy sólo un par de apuntes: los malvados disparan a Neeson cientos (o más) de tiros en media docena de ocasiones pero ¿son tan malos disparando que no le aciertan ni de refilón? y ¿quién maneja el barco durante la última y larga pelea? Pero el ritmo frenético que imprime el director, la empatía que el público siente de inmediato hacia el protagonista y el interés por cómo sobrevivirá en su desesperada lucha, hacen que estos fallos apenas molesten. Porque, como en las mejores novelas  de Chandler y Hammett, no es la coherencia de la historia lo que importa sino un inexpresable sentimiento de compartir la experiencia del héroe. Pero siempre hay quienes aborrecen al excesivo Besson, y por ello no dudan en calificar de anodina, aburrida y otros epítetos negativos a esta y cualquier obra en la que ponga su sello de productor y guionista. 
Naturalmente, el éxito comercial ha sido notable y ya está a punto la continuación, Venganza 2. Conexión Estambul, nuevamente con Neeson salvando a su hija y además a su esposa de otro secuestro, esta vez ejecutado por el padre vengativo de uno de los malvados a los que mató en la primera  parte. Besson habrá pensado que ¿si la fórmula funciona para qué cambiarla?



Fuentes.
Redacción. ‘Las películas’. “El País” (26-II-2012) 53.

martes, 18 de abril de 2017

El artista español Moisès Villèlia (1928-1994).

El artista español Moisès Villèlia (1928-1994).

Villèlia (izquierda y Antoni Tàpies (derecha). [http://associaciosantlluc.blogspot.com.es/2014_06_01_archive.html]

Moisès Villèlia (Barcelona, 1928-1994), seudónimo de Moisès Sanmartí i Puig. Escultor español, de formación autodidacta, se incorpora a la vanguardia en los años 50, influido por su relación con el crítico Alexandre Cirici Pellicer y el escritor Joan Brossa. Realiza entonces obras con materiales múltiples y pobres, inspiradas por la poética surrealista del objet trouvé y el materismo informalista y expone en el X Saló d’Octubre (1957).
Gracias a Brossa contacta con Prats y Miró, quien visita una exposición de las esculturas móviles de Villèlia en el Museo Municipal de Mataró (1959), así como conoce su primera exposición indinvidual en el Museu d’Art Contemporani de Catalunya (1960), y le invita a colaborar en la ilustración del libro Poemes civils (1961), lo que abrirá definitivamente a Villèlia las puertas de las galerías, con sus obras originales, de un fuerte minimalismo, al tiempo que realiza proyectos públicos, como los jardines Pros de El Masnou, y La Ricarda en el Prat de Llobregat.
Al final de los años 70 viaja a París, Argentina y Perú, antes de establecerse en Quito, donde residirá hasta 1971, cuando vuelve a su estudio catalán de Molló, exponiendo regularmente en Barcelona desde entonces. Presentó una exposición individual en el Pabellón catalán de la Expo 92.


Fuentes.
Internet.
Exposiciones.
*<Ver a Miró. La irradiación de Miró en el arte español>. Madrid. Fundació La Caixa (1993): biografía 207.
<Moisès Villèlia, l’equilibri de les formes>. Barcelona. Galeria Joan Gaspar (hasta 27 febrero 2016). Reseña de Casamartina, Josep. Discreció per al canvi d’any. “El País” Quadern 1.617 (14-I-2016) 5.
*<Aquelles petites coses>. Barcelona. Galeria Marc Domènech (hasta 12 febrero 2016). Obras de Joan Miró, Dalí, Dubuffet, Léger, Torres García, Julio González, Masson, Magnelli, Bores, Herbin, Metzinger, Gleizes, Joan Vilacasas, Joan Sandalinas, Enric Planasdurà, Joan Hernández Pijuan, Moisés Villèlia… Reseña de Casamartina, Josep. Discreció per al canvi d’any. “El País” Quadern 1.617 (14-I-2016) 5.
<Villèlia>. Barcelona. Espai Volart de Fundació Vila Casas (6 abril-11 junio 2017). 30 obras. Comisarios: Nahum Villèlia y Gloria Bosch. Reseña de Montañés, J. Á. El ‘Calder’ catalán. “El País” (18-IV-2017).

Libros.
Antolín Paz, M. (dir.). Diccionario de pintores y escultores españoles del siglo XX. 1994: 3917-3918.
Cirici, A. Villèlia. Publicaciones Españolas. Madrid. 1964. 28 pp.

lunes, 17 de abril de 2017

El hombre que mató a Liberty Valance (1962), de John Ford.

El hombre que mató a Liberty Valance (1962), de John Ford.

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Tráiler. Dos minutos.

El hombre que mató a Liberty Valance (1962). The Man who shot Liberty ValanceEE UU. Género: western. Duración: 119 minutos. Dirección: John Ford. Intérpretes: James Stewart, John Wayne, Vera Miles, Edmond O’Brien, Lee Marvin, Andy Devine, John Carradine, Woody Strode, Lee Van Cleef. Guión: James Warner Bellah y Willis Goldbeck, sobre una historia de Dorothy M. Johnson. Música: Cyril Mockridge. Fotografía: William H. Clothier.

Un joven abogado, Ransom Stoddard (Stewart), llega del Este para asentarse en un pueblo del Oeste y se enfrenta pronto a Libert Valance (Marvin), un pistolero al servicio de los ganaderos que se oponen a la llegada de la civilización. Contará con el apoyo del honesto periodista del diario “The Shimbone Star”, Dutton S. Peabody (O’Brien), la bella camarera Hallie (Miles) y su frustrado enamorado Tom Donihon (Wayne). La lucha entre el bien y el mal, el derecho y la fuerza bruta.

Uno de los mejores westerns de la historia del cine, junto a La diligencia y Centauros del desierto, también del tándem Ford y Wayne. Una película con tantas capas de mensaje que se hace infinito, inmarcesible y eterno su interés.

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Vídeo de un fragmento de un enfrentamiento entre Valance y Doniphon. Dos minutos.

FUENTES.

Mota, Jesús. ‘Liberty Valance’, cuando el cine era un arte mayor. “El País” (15-IV-2017).

Sherlock Holmes y el collar de la muerte (1962), de Terence Fisher y Frank Winterstein.

Sherlock Holmes y el collar de la muerte (1962), de Terence Fisher y Frank Winterstein.

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Sherlock Holmes y el collar de la muerte (1962). Sherlock Holmes and the deadly necklace. Alemania / Reino Unido / Francia / Italia.  Género: policiaca. Duración: 87 minutos. Dirección: Terence Fisher, Frank Winterstein. Intérpretes: Christopher Lee, Hans Söhnker, Thorley Walters, Senta Berger. Guión: Curd Siodmak, sobre los personajes de Arthur Conan Doyle. Música: Martin Slavin. Fotografía: Richard Angst.

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El malvado y el héroe en una escena álgida de su sutil enfrentamiento.

El gran detective vuelve a combatir con Moriarty, que desea robar el valioso collar de Cleopatra.
Un filme aceptable, de ritmo pausado (un guión del hábil Siodmak), sin violencia gratuita, bien interpretado, con Lee en el papel de Sherlock.

FUENTES.


jueves, 6 de abril de 2017

Comentario: Laocoonte y sus hijos.

Comentario: Laocoonte y sus hijos.

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[https://www.youtube.com/watch] Comentario en inglés, tres minutos.

Descripción.
Laocoonte y sus hijos es un grupo escultórico griego, realizado por Agesandro, Polidoro y Atenodoro de Rodas, pertenecientes a la Escuela de Rodas, muy famosa desde el periodo helenístico. Su datación es controvertida, con fechas como los siglos II y I aC, apuntándose por muchos que es una copia romana del siglo I dC de un original en bronce del siglo II aC, aunque mayoritariamente hoy se considera un original de principios del siglo I dC.
La obra es de un tamaño mayor al natural, de 2,45 m de altura, realizada en mármol blanco. Se guarda en el Museo Pío-Clementino perteneciente a los Museos Vaticanos de Roma. 
Representa el momento de la muerte del sacerdote troyano Laocoonte (o Laoconte), castigado por los dioses favorables a los griegos a morir estrangulado por dos crueles serpientes marinas junto a sus dos hijos, porque intentó avisar a sus conciudadanos del peligro que conllevaba recibir el famoso regalo del caballo de Troya.

Historia del hallazgo.
El grupo escultórico era bien conocido por un comentario laudatorio del escritor romano Plinio el Viejo en su obra enciclopédica Naturalis Historia, tras verla en el palacio del emperador Tito hacia el año 70: ‹‹Debe ser situada por delante de todas, no sólo del arte de la estatuaria sino también del de la pintura. Fue esculpida en un solo bloque de mármol por los excelentes artistas de Rodas Agesandro, Polidoro y Atenodoro y representa a Laocoonte, sus hijos y las serpientes admirablemente enroscadas.››
En la Edad Media se creyó que el grupo se había perdido, pero fue descubierto el 14 de enero de 1506 en una viña cercana a Santa María la Mayor, terreno propiedad de Felice de Fredis en el Esquilino romano, y que en tiempos antiguos había sido parte de la Domus Aurea de Nerón y luego del palacio del emperador Tito. El papa Julio II envió al arquitecto Giuliano da Sangallo, quien identificó la escultura como la descrita por Plinio, lo que corroboró Miguel Ángel.
Su hijo Francesco da Sangallo, más tarde escultor, escribió un relato del descubrimiento de la escultura más de 60 años después: ‹‹La primera vez que estaba en Roma cuando era muy joven, el papa recibió la noticia del descubrimiento de algunas muy bellas estatuas en un viñedo cerca de Santa María La Mayor. El papa ordenó a uno de sus ayudantes que se apresurara y dijera a Giuliano da Sangallo que fuera y las viera. Así que salió inmediatamente. Ya que Michelangelo Buonarroti se encontraba siempre en nuestra casa, mi padre, habiéndole citado y habiéndole asignado el encargo del mausoleo del papa, quería que él también le acompañara. Me uní a mi padre y nos fuimos. Descendí hasta donde estaban las estatuas cuando inmediatamente mi padre dijo: “Eso es el Laoconte que dice Plinio”. Entonces cavaron el hoyo más grande para que pudieran sacar la estatua. Tan pronto como fue visible todos empezaron a dibujar, conversando todo el tiempo sobre cosas antiguas, charlando también sobre las que estaban en Florencia.››

Las primeras restauraciones.
Cuando fue descubierta le faltaban los brazos derechos de Laocoonte y de uno de sus hijos, y la mano derecha del otro hijo; también faltaban algunas partes de las serpientes. De su estado en ese momento quedan como testimonio las copias que hizo el grabador Giovanni Antonio da Brescia: un dibujo (conservado ahora en Düsseldorf), y un grabado que contribuyó a su rápida fama.

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Copia, en Mannheim, del grupo tal y como estaban representados los brazos añadidos antes de la última restauración.

Se decidió restaurar el grupo escultórico y hubo controversia sobre cómo debería haber sido el gesto del brazo que le faltaba al padre. Miguel Ángel propuso restaurar el brazo del padre en posición de flexión; el artista llegó a realizar dicho brazo, pero no llegó a ponérselo y actualmente se expone junto al grupo escultórico. Amico Aspertini también realizó un dibujo con la misma posición del brazo, y en 1525, Baccio Bandinelli realizó una copia de todo el grupo con una posición parecida para el papa León X, copia que se encuentra en la Galería de los Uffizi de Florencia.
Tanto Miguel Ángel como Sangallo aconsejaron a Julio II que adquiriera la obra, quien, tras unas breves negociaciones, compró la obra por más de 600 ducados. En 1509, Julio II mandó trasladarla al Vaticano junto a otras dos esculturas, el Apolo de Belvedere y la Venus Felix, instalándolas en tres nichos del Patio Octogonal del Belvedere, que hoy forma parte de los Museos Vaticanos.

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El rey Francisco I de Francia obtuvo el permiso del papa para que su enviado Francesco Primaticcio realizara varios moldes, en 1540. Estos moldes sirvieron para hacer una escultura de bronce  en 1543  que fue instalada en el Palacio de Fontainebleau.

Una primera restauración realizada por Bandinelli con cera, donde representó el brazo doblado, fue modificada en 1532 por Giovanni Angelo Montorsoli, que realizó la restauración en terracota y con el brazo de Laocoonte estirado. 

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Entre los que criticaron esta restauración se encontraba Tiziano, quien realizó un dibujo en el que representaba a Laocoonte y sus hijos como si fueran tres monos. Esta caricatura fue grabada por Niccolò Boldrini.
En el siglo XVIII, el escultor Agostino Cornachini volvió a restaurar la obra, cambiando el material de la restauración por mármol y aprovechó para cambiar el brazo del hijo, modificando el gesto de este, que también fue estirado.

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El grupo en su salón del Louvre, c. 1800.

En 1798, tras la firma del Tratado de Tolentino, el grupo fue trasladado a París por Napoleón como parte del botín de guerra tras su campaña en Italia, pero sin los elementos añadidos, y puesta en el Museo del Louvre hasta su devolución al Vaticano en 1816, cuando se le volvieron a añadir los dichos elementos.
En 1905, el arqueólogo Ludwig Pollack  identificó el brazo original en una vieja tienda de Via Labicana. El brazo tenía la posición flexionada como ya había avanzado Miguel Ángel; el brazo se añadió en una restauración realizada entre 1957 y 1960, dirigida por Filippo Magi, restauración en la que se retiraron todas las piezas añadidas.

Datación.
La datación es muy controvertida, apuntándose todavía hoy por muchos historiadores que es una copia romana del siglo I dC de un original en bronce del siglo II aC, aunque mayoritariamente hoy se considera un original de principios del siglo I dC.
En el siglo XVIII el prestigioso historiador de arte Winkelmann dató el grupo en el siglo IV aC, al entender que era una obra maestra de finales del periodo clásico e inicios del periodo helenístico.

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La expresión del rostro de Laocoonte es similar a la del gigante que Atenea coge por el pelo en el Altar de Zeus de Pérgamo (200-150 aC), según señala Richter.

Posteriormente se fechó en el siglo I aC, porque se conservaban firmas epigráficas pertenecientes a ese siglo de un escultor de Rodas llamado Atenodoro, hijo de Agesandro. 
En 1954, Gisela M. Richter cambió la datación al siglo II aC porque señaló que los nombres de Atenodoro y Agesandro fueron muy corrientes en Rodas durante varias generaciones, y además apreciaba una gran similitud de la obra con un friso que representa la lucha entre dioses y gigantes del Altar de Zeus en Pérgamo. Concretamente, la expresión y las características del rostro de Laocoonte son muy similares al gigante que Atenea agarra por el pelo, así como las serpientes tienen equivalentes en el mencionado altar.
Sin embargo también se aprecian claras diferencias con la escultura de Pérgamo: el rostro de Laocoonte es más vibrante que el de los gigantes de Pérgamo, es distinta la técnica del modelado de la cabellera y son poco relevantes las ropas del grupo del Laoconte en comparación con el grupo de Pérgamo.
Además, se ha demostrado que, a pesar de que la mayor parte de la escultura se hizo con mármol de Rodas, uno de los bloques usados es mármol de Luni, de origen italiano; este hecho no concuerda con lo descrito por Plinio, que sólo distinguió un bloque de mármol, ni con el hecho de que este mármol no se explotó antes de la época de Augusto. Sin embargo, Tazartes señala que el grupo está hecho con mármol de Frigia.
También se ha sugerido que podría ser una copia o una variante libre romana de un original helenístico en bronce de los siglos III-II aC, o de los siglos II-I aC, o más concretamente, de un bronce realizado en Pérgamo en la segunda mitad del siglo II aC.

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La gruta de Tiberio en Sperlonga.

La datación en el siglo II aC es más difícil de mantener tras el descubrimiento producido en 1957 de varios fragmentos de otros cinco grupos escultóricos en la llamada gruta de Tiberio, en Sperlonga, en la costa sur del Lacio. Los grupos representan también temas homéricos y fueron llevados a la cueva bien por ricos ciudadanos romanos para evitar su destrucción, posiblemente a manos de los primeros cristianos o los bárbaros, o bien fueron tallados expresamente para dicha cueva, habilitada por Tiberio como sala de banquetes a principios del siglo I dC.
Uno de los grupos, que representa el tema de Ulises cegando a Polifemo lleva la firma de los tres escultores rodios mencionados por Plinio, quien dejó escrito que la hicieron los rodios Atenodoro, hijo de Agesandro, y Agesandro, hijo de Peonio, y Polidoro, hijo de Polidoro. Su inscripción, según la mayoría de los epigrafistas, pertenece al siglo I dC, y por tanto los autores serían de ese sigl, lo que sugiere que tanto el grupo de Ulises como el de Laocoonte podrían haber sido hechos en ese siglo para un mecenas romano, quien podría haber sido el mismo emperador Tiberio.
Pero cabe la opción de que Tiberio hubiera comprado las obras, realizadas con mucha antelación, por lo que vuelve a abrirse la hipótesis del siglo II aC. Es más, también es posible que sea una copia muy fiel del original.

Análisis formal.
Destacan el naturalismo y el movimiento.
El naturalismo es plenamente realista en el tratamiento de la anatomía, con unos músculos muy marcados, enérgicos, y unos rostros intensamente animados de vida justo en el momento previo a su pérdida, en especial la faz del padre con la boca abierta en un grito mudo y la frente arrugada por la pena. La belleza de la vida fundida con el drama de la muerte, esto es la terribilità que tanto admiró Miguel Ángel y que plasmó posteriormente en su Moisés y en los esclavos de la tumba de Julio II.
Aunque el grupo debe ser apreciado primero en su frontalidad, se exige para su total comprensión que el espectador se desplace también a los laterales, para contemplar ángulos y claroscuros que conforman un grupo muy dinámico. Todos los miembros y los rasgos faciales traslucen un inusitado movimiento, representativo de la extrema violencia del episodio, agonístico y trágico sin igual en la estatuaria griega de su tiempo.
La pirámide desde la cabeza del padre a los dos extremos del pedestal establece una necesaria estabilidad estructural mientras que la diagonal que traza el cuerpo del padre, desde su brazo derecho alzado hasta la pierna derecha en tensión agonística, estructura el dinamismo del conjunto, que une mediante el abrazo mortal de la "serpentina" los tres cuerpos.
Una de las serpientes pasa sobre los hombros del padre y de su hijo mayor, revolviéndose hasta morderle la cabeza. Y al mismo tiempo, la otra serpiente ahoga al hijo menor y trata de inmovilizar a Laocoonte enroscándose en sus piernas.

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El padre está representado en una posición compleja, en parte sobre un asiento sacerdotal en el que se entrevén unos ropajes y en parte levantado al reaccionar en el mismo instante en que es mordido en la cadera por una de las serpientes: desplaza el cuerpo hacia el lado opuesto (su costado derecho), doblando esa pierna, al tiempo que contrae el vientre, hincha el pecho, echa el hombro hacia delante e inclina la cabeza hacia el lado herido, a su izquierda, cuya pierna se retrasa levemente para incidir en la tensión corporal. Los pies están inmovilizados y los brazos se tensan en posición de lucha, ofreciendo una desesperada resistencia que sin embargo no parece ser muy efectiva. Se trata de un hombre maduro y todavía vigoroso pero no soporta el dolor tan extremo de ver cómo se escapa su vida y la de sus hijos.
El hijo menor, totalmente aprisionado a la derecha del padre, hace esfuerzos sin éxito para tratar de liberarse del nudo mortal, mientras que el hijo mayor a su izquierda está apenas aprisionado por un pie y un brazo, implora ayuda pues aun tiene la esperanza de huir, favorecido por estar todavía en una peana inferior a la de su hermano y su padre.

Significado iconológico: la mitología.
El grupo transmite con una escenografía teatral (se ha comentado a menudo esta teatralidad) un mensaje ideológico muy transparente: los hombres son impotentes ante el poderío de los dioses, pues incluso la protección de unos dioses nada puede hacer si otros más poderosos deciden destruir a los humanos.

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La muerte de LaocoonteFresco de Pompeya (h. 50 dC). El tema era aparentemente muy conocido y solicitado para decorar las mansiones romanas. [https://es.pinterest.com]

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En estas vistas se puede observar la mirada del hijo mayor hacia su padre, pidiendo ayuda.

En los mitos griegos se relata que, durante el asedio de Troya, dos serpientes fueron enviadas por Apolo, Poseidón o Atenea, y atacaron a Laocoonte,  sacerdote troyano de Apolo, y a sus dos hijos. Las versiones que relatan este episodio son numerosas y se discute si el grupo escultórico debió haberse basado en el relato de Virgilio en la Eneida, en el que morían Laocoonte y sus dos hijos, o en una versión anterior narrada en un poema perdido del ciclo troyano, la Ilupersis, donde morían Laocoonte y solo uno de los hijos. La fuente también pudo haber sido una tragedia perdida.

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Laocoonte era el sacerdote del templo de Apolo Timbreo en Troya y, al igual que Casandra, advirtió a los troyanos que si dejaban entrar en la ciudad al Caballo de Troya caerían en una trampa tendida por los griegos aqueos: ‹‹¡Necios, no os fieis de los griegos ni siquiera cuando os traigan regalos!›› [Virgilio, Eneida]
Laocoonte llegó a arrojar una lanza que se clavó en el caballo de madera, pero cuando los troyanos estaban a punto de destruir el caballo, los soldados troyanos trajeron a Sinón, quien con las mentiras ideadas por Odiseo logró convencer a Príamo de que se trataba de una imagen sagrada de Atenea. Laocoonte, para tratar de impedir que entraran el caballo en la ciudad exclamó:
‹‹Ésas son mentiras -gritó Laocoonte- y parecen inventadas por Odiseo. ¡No le creas Príamo! [...] Te ruego, señor, que me permitas sacrificar un toro a Poseidón. Cuando vuelva espero ver este caballo de madera reducido a cenizas.›› [Graves, Los mitos griegos]
Cuando Laocoonte se disponía a sacrificar el toro a Poseidón, dos serpientes marinas, llamadas Porces y Caribea, o Curisia, o Peribea, llegaron desde Ténedos y las Calidnes; salieron del mar y atacaron a los hijos mellizos de Laocoonte, llamados Antifante y Timbreo o Melanto, enroscándose alrededor de sus cuerpos; Laocoonte intentó salvarlos pero sufrió la misma suerte. La tradición de Virgilio muestra las serpientes como un castigo divino por haber intentado destruir el caballo. Los troyanos interpretaron el episodio como una muestra de que el caballo era un objeto sagrado y de que Sinón había dicho la verdad.

Influencia posterior.
La obra ya tuvo gran influencia en los artistas del Renacimiento, que admiraron su alto grado de perfección. Miguel Ángel se inspiró en ella para realizar varias de sus obras, como algunas de las figuras del techo de la Capilla Sixtina, particularmente la postura de Amán en la pareja Ester y Amán y La Serpiente de Bronce, dos de los esclavos realizados en la tumba de Julio II, y en los esbozos de La batalla de Cascina. Rafael en la pintura El Parnaso utilizó la cabeza de Laocoonte como referencia para representar a Homero. El escultor manierista Gianbologna se inspiró en ella para su grupo escultórico El rapto de la Sabina (1581-1583) y Bernini fue influido por su movimiento en su Apolo y Dafne (1622-1625). Otros artistas como Tiziano, Rubens, El Greco, William Blake o Max Ernst también realizaron sus propias reinterpretaciones del grupo escultórico.

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La serpiente de bronce, de Miguel Ángel, en el centro de esta escena de la bóveda de la Capilla Sixtina.

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Fragmento de El Parnaso, de Rafael, con la representación de Homero muy similar a la cabeza de Laocoonte.

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El mito troyano de Laocoonte por El Greco. La escena se vuelve a interpretar de forma casi surrealista en los alrededores de Toledo, con la luz que emana de la desnudez de los cuerpos enigmáticos.

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Ha sido fuente de inspiración para la estética alemana desde los escritores de mediados y finales del siglo XVIII como Winckelmann, Lessing, Goethe, Herder, Novalis y de mediados del siglo XIX como Arthur Schopenhauer.

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Lessing en su Laocoon (1766), un ensayo sobre los límites entre poesía y pintura, fraguó una visión muy influyente del espíritu griego sobre el gusto neoclásico.

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Un libro de Simon Richter sobre la influencia de la obra en autores del siglo XVIII.

También destaca Goethe, que en su artículo Sobre Laocoonte en 1798, señala que los artistas han despojado a Laocoonte de su sacerdocio y de sus referencias mitológicas y lo han convertido en un padre normal con dos hijos amenazados por dos animales. Destaca la sensación de movimiento que produce el grupo, que parece cambiar de posición si el espectador abre y cierra los ojos alternativamente.
Goethe asimismo elogia el momento elegido por los artistas por su interés de máxima intensidad: cuando uno de los cuerpos está tan aprisionado que se ha quedado indefenso, el segundo es herido pero todavía está en condiciones de defenderse y al tercero incluso le queda la esperanza de huir. En vano.

FUENTES.
Internet.
[https://es.wikipedia.org/wiki/Laocoonte_y_sus_hijos] Es la fuente principal de esta entrada, con una amplia paráfrasis de su texto.
[http://www.digitalsculpture.org/laocoon/chronology/] Un excelente estudio académico sobre la cronología del grupo, con numerosas imágenes de dibujos y grabados.
[https://www.youtube.com/watch?] Un comentario adecuado para Bachillerato, con imágenes, en los dos primeros minutos.
[http://arte.laguia2000.com/escultura/escultura-de-laocoonte] Un breve comentario, apropiado para Bachillerato.
[http://www.metmuseum.org/art/collection/search/362039] Un grabado antiguo, con una interpretación distinta de Marco Dante, activo desde c. 1515 hasta su muerte en Roma en 1527.

[https://www.artsy.net/artwork/jean-de-gourmont-i-laocoon] Otra interpretación, de Jean de Gourmont (1483-1551).
[http://www.harvardartmuseums.org/collections/object/295265?position=7] Una interpretación fantasiosa del lugar del Palacio de Tito con el grupo escultórico.
[https://www.youtube.com/watch?] Lynn Caterson explica su teoría de que es una falsificación realizada por Miguel Ángel. Dos minutos.