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Mis blogs son Altamira (Historia del Arte, Cine, Cómic, Fotografía, Moda), Heródoto (Actualidad, Ciencias Sociales y Pensamiento) y Mirador (Joan Miró, Arte y Cultura Contemporáneos).y Pensamiento, Religión y Teo

martes, 14 de febrero de 2017

Comentario: la Villa Capra (1567-1570), de Palladio.

Comentario: la Villa Capra (1567-1570), de Palladio.

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Descripción.
La denominada Villa Rotonda (también conocida como Villa Almerico, Villa Capra o Villa Capra-Valmarana, por los nombres de sus más conocidos propietarios) es la más famosa de las numerosas villas (palacios campestres) que edificó Palladio, gracias a sus características clásicas y en especial su esmerada simetría.
Su nombre, Rotonda (redonda), deriva de su planta, inscrita en un círculo perfecto dentro de un cuadrado, formando una composición totalmente simétrica, con un pórtico clásico de templo delante de cada fachada.

Historia.

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El arquitecto renacentista véneto Andrea Palladio (Andrea di Pietro della Góndola, 1508-1580) la construyó en 1567-1570, en la campiña al sur de la ciudad de Vicenza, en la llamada Terra Ferma veneciana, sobre una pequeña colina  con vistas a la amplia llanura del río Po.

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La encargó en 1566 Paolo Almerico, un rico funcionario del Vaticano, que después de ejercer al servicio de Pío IV y Pío V, regresó a Vicenza.
Tras la muerte del arquitecto en 1580, los nuevos propietarios, de la familia Capra, encargaron a Vicenzo Samozzi un cambio en el diseño original para hacerlo más habitable, con nuevas dependencias, en especial los dormitorios de la planta superior y los subterráneos de servicios. En el siglo XX fue adquirida y restaurada por la familia Valmarana.

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Análisis formal.

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La planta es cuadrada, inscrita en un círculo perfecto, esto es se superpone un cuadrado en una cruz de brazos iguales. Las cuatro fachadas presentan sendas galerías con seis columnas jónicas, que se comunican con el espacio exterior mediante otras tantas escalinatas monumentales, que enfatizan la idea de ascensión. Cada loggia cuenta con una espaciosa pronaos, más un frontón decorado con esculturas de dioses griegos y una ventana.

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En el interior los cuatro vestíbulos llevan al salón central, cubierto con la elevada cúpula, que comunica las cuatro salas de las esquinas, que en el piso superior sirven como dormitorios.
Los techos de los vestíbulos y la cúpula muestran bellos estucos de Domenico Fontana y otros autores, y además la cúpula está decorada con frescos de Maganza, con un Pantocrátor y alegorías de la Religión, la Benignidad, la Moderación y la Castidad.

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Análisis del contexto y significado.
La villa Rotonda desarrolla la idea de un palacio-templo inspirado en el modelo de planta centralizada del Panteón romano, aquí con una perfecta planta de cruz griega, abierta a los puntos cardinales.
Palladio dedicó un capítulo de su libro Architettura al estudio de las villas y se deduce que en esta obra busca la distinción social de su propietario, un alejamiento de la ciudad y una mayor proximidad a Dios mediante la integración armónica del edificio con el paisaje natural como perfecta creación divina.
Muchos libros de historia del arte la clasifican como una obra del Renacimiento y en concreto del Cinquecento, pero en sentido estricto es una obra del Manierismo en su vertiente más clásica, tanto por su cronología tardía como por responder a una visión muy personal (la maniera) del arquitecto, que enfatiza su sentido teatral y espectacular sobre la funcionalidad equilibrada que era propia del Cinquecento de Bramante o Antonio da Sangallo.

Influencia posterior.
La influencia de Palladio y en especial de esta Villa Rotonda fue particularmente importante en el siglo XVIII en Inglaterra y, a través de ella, en los EE UU, donde el Neopalladianismo perdurará hasta casi finales del siglo XIX, especialmente en las casas señoriales del sur. Por su claridad compositiva fue fuente de inspiración de muchos arquitectos neoclásicos, que consideraron sus obras como un referente fundamental en las creaciones arquitectónicas civiles.

FUENTES.


viernes, 3 de febrero de 2017

La historiadora de arte estadounidense Dore Ashton (1928-2016).

La historiadora de arte estadounidense Dore Ashton (1928-2016).



Dore Ashton (Nueva Jersey, 1928-Nueva York, 30-XII-2016). Historiadora y crítica de arte estadounidense. Fue profesora de historia del arte en la Cooper Union for the Advancement of Science and Art de Nueva York y en la Columbia University, la City University of New York y el Pratt Institute.
Es autora de numerosas críticas sobre las vanguardias, como editora asociada del “Art Digest” y crítica de arte de “The New York Times” (1955-1960). Ha prestado una particular atención a Joan Miró (uno de sus vanguardistas preferidos por su influencia en el arte norteamericano), Picasso, Cézanne, el poeta Rilke, el compositor Schönberg, y, más recientemente, el artista Miquel Barceló.


Ha publicado varios libros traducidos al español, como La escuela de Nueva York y Una fábula del arte moderno, de una extensa producción: Abstract Art Before Columbus (1957), Poets and the Past (1959), Philip Guston (1960), The Unknown Shore. A View of contemporary Art (Coautora, 1962), Rauschenberg’s Dante (1964), Modern American Sculpture (1968), A Reading of Modern Art (1969), Richard Lindner (1969), The Sculpture of Pol Bury (1971), Picasso on Art (1972), The New York School: A Cultural Reckoning (1973), A Joseph Cornell Album (1974), Yes but... A Critical Biography of Philip Guston (1976), A Fable of Modern Art (1980), Rosa Bonheur: A Life and Legend (1981), American Art Since 1945 (1982), About Rothko (1983), Twentieth Century Artists on Art (1985), Out of the Whirlwind (1987) y Fragonard in the Universe of Painting (1988)…
Cuenta con hasta siete reseñas sobre Miró entre 1957 y 1968.
Ashton, Dore. Miró-Artigas. “Craft Horizons”, v. 17, nº 1 (II-1957) 16-20, con ilus. Incluye entrevista a Miró.
Ashton, D. Lettre de New York“Cimaise” (I-1958). Col. FPJM, v. VII, p. 51.
Ashton, D. Miró-Artigas. Their New Ceramics. “Craft Horizons”, Nueva York, v. 17, nº 1 (I-1964) 16-20, 24-33.
Ashton, D. Ceramics by Miró and Artigas at the Pierre Matisse Gallery. “Studio International”, Londres, v. 167 (II-1964) 80.
Ashton, D. Art: Cosmos and Chaos at the Guggenheim. “Arts and Architecture”, Los Angeles, v. 81, nº 3 (III-1964) 6-7.
Ashton, D. Commentary from Houston and New York“Studio International”, Londres, v. 171, nº 873 (I-1966) 40-42.
Ashton, D. L’oiseau lunaire et l’oiseau solaire ont traversé l’océan“XX Siècle”, nº 30 (VI-1968) 97-99.

Libros.
Ashton, Dore. A Reading of Modern Art. The Press of Case Western University. Cleveland. / Harper & Row. Nueva York. 1971 (1969 1ª ed.). 217 pp. Sobre Miró: Stripping Down the CosmosReprod. en pp. 337-352 de Kaplan; Manso. Major European Art Movements 1900-1945. A Critical Anthology. E.P. Dutton. Nueva York. 1977. 396 pp.
Ashton, D. La escuela de Nueva York. Cátedra. Madrid. 1988 (1973 inglés). 310 pp.
Ashton, D. Una fábula del arte modernoTurner. Madrid. 2001 (1991 inglés). 257 pp.
Ashton, D. Miquel Barceló. A mitad del camino de la vida. Galaxia Gutenberg / Círculo de Lectores. Barcelona. 2008. 212 pp. Castellano y catalán.

Entrevistas.
Serra, Catalina. Dore Ashton / Crítica de arte. “Barceló ha entrado en la historia con la capilla de Palma”. “El País” Cataluña (15-III-2008) 12.
Artículos de otros.
Lázaro, Eusebio. Obituario. Dore Ashton. Alma de la vanguardia neoyorquina. “El País” (1-II-2017).

sábado, 28 de enero de 2017

Incendies (2010), de Denis Villeneuve.

Incendies (2010), de Denis Villeneuve. 





Incendies (2010). Canadá. Género: drama. Duración: 130’. Dirección: Denis Villeneuve. Intérpretes: Lubna Azabal, Melissa Désormeauz-Pulin, Maxim Gaudette, Rémy Girard, Abdelghafour Elaaziz. Guión: Valérie Beaugrand-Champagne y Denis Villeneuve, sobre la obra teatral de Wajdi Mouawad. Música: Grégoire Hetzel. Fotografía: André Turpin.

Trama.
Jeanne y Simon Marwan son dos gemelos canadienses de origen libanés que viven en Canadá, cuya madre Nawal, tras pasar sus últimos días sin hablar, ha fallecido dejándoles dos cartas para que las entreguen a un padre al que creían muerto y a un hermano cuya existencia desconocían. Jeanne decide entonces emprender un viaje al Líbano para intentar localizarlos, pese a la oposición de Simon.

Opinión.
Nueva confirmación de un director de extraordinaria calidad, que lo mismo se atreve con el drama intimista (este caso) como con los altos presupuestos al servicio de obras monumentales, Este drama se apoya en una pieza teatral muy célebre, de ritmo vigoroso y humanidad profunda, a la que Villeneuve reviste de imágenes, tranquilas unas, estremecedoras otras, hasta llevarnos con mano firme a la desvelación del misterio vital que embargó a la madre y a los suyos. Un viaje en el espacio y el tiempo, hasta el mismo umbral del infierno de la violencia sectaria, que conmueve y cambia al espectador.
 Fuentes.
Boyero, Carlos. Memoria de espanto. “El País” (11-III-2011) 54.
Belinchón, Gregorio. Denis Villeneuve / Director. ‘Vivimos en una época que espolea el cinismo’. “El País” (11-III-2011) 54.

13 asesinos (2010), de Takashi Miike.

13 asesinos (2010), de Takashi Miike, una película clásica de samuráis.



13 asesinos (2010). Usan-nin no shikaku (13-nin-no shikaku). Japón. Género: aventuras. Duración: 126 minutos. Dirección: Takashi Miike. Intérpretes: Koji Yakusho, Tayakuchi Yamada, Yusuke Iseya, Goro Inagaki, Masachika Ichimura, Mikijiro Hika,  Hiroki Matsukata, Ikki Sawamura, Arata Furuta. Guión: Daisuke Tengan, sobre una historia de Kaneo Ikegami. Música: Koji Endo. Fotografía: Nobuyasu Kita. Montaje: Kenji Yamashita.
Trama.
Lord Narigatsu es hermano del shogun (gobernante) en un Japón medieval y aprovecha su poder para someter con crueldad al pueblo, pero el funcionario Sir Doi decide destruirlo, con el apoyo del famoso samurái Shinzaemon Shimada, que recluta para la suicida misión a un grupo de héroes, entre los que destaca su sobrino Shinrokuro y el aprendiz Hirayama, pero Narigatsu está custodiado por el guerrero Hanbei.
Opinión.
13 asesinos es un multipremiado remake del célebre film dirigido por Eichi Kudo en 1963. Es una de las mejores obras del género de samuráis en los últimos años, destacando por el sentido épico del honor, el vigoroso ritmo narrativo y la desatada violencia, bellamente coreografiada, en la que apenas se vislumbra la sangre pero es omnipresente.


Fuentes.


viernes, 20 de enero de 2017

Intocable (2012), de Olivier Nakache y Eric Toledano.


Intocable (2012), de Olivier Nakache y Eric Toledano.


Intocable (2011). Francia. Comedia. Duración: minutos. Dirección: Eric Toledano y Olivier Nakache. Intérpretes: François Cluzet y Omar Sy. Guión: Eric Toledano y Olivier Nakache, sobre unos escritos autobiográficos. Música: Ludovico Einaudi. Fotografía: Mathieu Vadepied. Montaje: Dorian Rigal-Ansous.
Trama.
Philippe, un hombre de elevada clase social vive sumido en la desdicha a consecuencia de un accidente que le dejó paralítico. Su encuentro con Driss, un asistente árabe y negro, de otra cultura y clase social y de un temperamento vitalista, le permitirá redescubrir la amistad y la esperanza de un nuevo camino.
Opinión.
Extraordinaria película, llena de vida y alegría, con unos personajes encarnados por unos actores en estado de gracia, que conquistan de inmediato al espectador que desee una historia de redención con final feliz. El guion es un poco meloso, cierto, abocado a la comercialidad sin ambages, pero es que es una comedia.
Fuentes.
Pozzo di Borgo, Philippe. Intocable. Trad. de Jaime Zulaika. Anagrama. Barcelona. 2012 (2011 francés). 224 pp. Libro de las memorias que inspiraron el film Intocable, reúne dos textos autobiográficos, Le second soufflé y Diable gardien. El estilo intimista, propio de un ensayo filosófico sobre la vida, tiene escasa relación con el tono de comedia del filme.
Belinchón, Gregorio. La película que arrasó Francia. “El País” (9-III-2012) 50. Declaraciones del actor François Cluzet.
Ocaña, Javier. Oda al público medio. “El País” (9-III-2012) 50. Crítica positiva, pero alerta de que es un producto demasiado pensado desde la comercialidad.
Huete Machado, Lola. 30 millones de europeos conocen ya esta historia. “El País” Semanal 1.851 (18-III-2012) 22-24. Entrevistas con los responsables de Intocable.
Belinchón, Gregorio. La gran gloria del cine francé. “El País” (25-X-2013) 48. Recaudó en dos años 250 millones de euros.

martes, 17 de enero de 2017

Al filo del mañana (2014), de Doug Liman.

Al filo del mañana (2014), de Doug Liman.

Al filo del mañana (2014) Poster

Tráiler oficial.

Al filo del mañana (2014). Edge of Tomorrow. EE UU. Género: ciencia-ficción. Duración: 113 minutos. Dirección: Doug Liman.. Intérpretes: Tom Cruise, Emily Blunt, Bill Paxton, Brendan Gleeson. Guión: Dante Harper y Joby Harold, sobre la novela-gráfica de Hiroshi Sakurazaka. Música: Christophe Beck. Fotografía: Dione Beebe. Montaje: James Herbert.

Trama.
En un futuro cercano, una especie extraterrestre de apariencia monstruosa invade la Tierra y masacra a los humanos en Europa. En el cuartel general humano en Londres, el general en jefe (Gleeson) encarga al comandante William Cage (Cruise), un publicista sin preparación militar y sin valor, que participe en la invasión de Francia. Al negarse, se le considera desertor y reducido. Se despierta como recluta a una base militar, donde un sargento (Paxton) y su pelotón le preparan apenas para una misión letal. De inmediato Cage resulta muerto en un combate cuerpo a cuerpo con los alienígenas que provoca que entre en un bucle temporal, y su vida se reinicia siempre en el despertar en la base militar, y se ve obligado a vivir, luchar y morir una y otra vez, un proceso en el que se va convirtiendo en un excelente guerrero, junto a su compañera, la sargento Rita Vrataski (Blunt). Juntos deberán encontrar la manera de destruir a los invasores si quieren salvar la Humanidad.
Opinión.
El filme es una vibrante adaptación del inteligente manga de Hiroshi Sakurazaka, un hito del cómic de ciencia-ficción, y se apoya en un ritmo narrativo endiablado de Liman (que aquí recupera el vigor de su ya lejana adaptación del primer filme de la trilogía Bourne), unos apabullantes efectos especiales y unas interpretaciones de una calidad por encima de lo habitual en el género, con Cruise y Blunt forjando unos papeles de excelencia. Cruise borda su irónico papel de cobarde listo que cambia su carácter hasta devenir en héroe, con el contrapunto de una Blunt magistral en su rol de mujer dura y valiente (el mensaje de igualdad de género es plenamente creíble), y la película va evolucionando con una precisión pausada pero sin desmayos, con tonos de comedia y golpes de guion de Atrapado en el tiempo, su referente ineludible, junto a numerosas referencias cinéfilas a El día más largoSalvar al soldado Ryan y la saga de Misión imposible.


Fragmento: No Courage without Fear (Christophe Beck).


Love me again (John Newman).

This is not the End (Fieldwork).

Merecen una referencia especial la música de Beck y las populares canciones Love me again (John Newman) y This is not the End (Fieldwork).

Resulta un filme inteligente, entretenido, visualmente logrado, con algún pero como un inicio desconcertante y un final mal trabado si se atiende a la lógica interna del relato anterior, aunque aceptable atendiendo a la perspectiva comercial. Es probablemente el mejor blockbuster de la temporada y la confirmación de que Cruise ha escogido con acierto el género de la ciencia-ficción para encauzar la rampa final de su exitosa carrera.
Fuentes.


Ocaña, Javier. El método de la marmota guerrera. “El País” (30-V-2014) 42. 

martes, 10 de enero de 2017

La biblioteca George Peabody de Baltimore (1878), del arquitecto Edmund G. Lind.

La biblioteca George Peabody de Baltimore (1878), del arquitecto Edmund G. Lind.

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La biblioteca fue inaugurada en 1878, como parte del Peabody Institute, un inmenso complejo cultural (teatro, conservatorio, museo, galería de arte) que el magnate George Peabody decidió construir en 1860 y ofrecer a la ciudad en agradecimiento por su hospitalidad, pero sufrió un largo retraso por la Guerra Civil en 1861-1864 y la difícil posguerra, lo que sin embargo favoreció que el estilo neoclásico original se enriqueciera con los nuevos métodos constructivos del hierro que sustenta las seis plantas.y la enorme claraboya superior y las hileras de ventanales en los muros que dotan de luz natural al vasto interior.
Su historia es un ejemplo del compromiso de la emergente alta burguesía norteamericana del siglo XIX con las ciudades en que había forjado sus fortuna.
Hoy es una biblioteca de investigación, incorporada a la John Hopkins University, y alberga unos 300.000 volúmenes de la cultura estadounidense y británica fundamentalmente. Su enorme salón central es utilizado, con un sentido muy práctico, para todo tipo de eventos sociales, desde bodas y sus banquetes hasta presentaciones de libros o conciertos.
Muchos fotógrafos han inmortalizado sus espacios diáfanos, los claroscuros de los pasillos cargados de libreros. La alemana Candida Höfer (1944) ha realizado en 2010 varias fotos de la biblioteca, como parte de su serie Interior Worlds, expuesta en una de las salas de exposiciones del museo.

Vídeo de cuatro minutos del interior. [https://www.youtube.com]

FUENTES.
Internet.

lunes, 9 de enero de 2017

Arquitectura actual. Suiza. Herzog & Meuron. Zumthor.

ARQUITECTURA ACTUAL. SUIZA.

Los arquitectos suizos Jacques Herzog (1950) & Pierre de Meuron (1950).
Herzog & de Meuron es un prestigioso grupo suizo de arquitectos integrado por Jacques Herzog (1950) y Pierre de Meuron (1950). La sede principal del estudio se encuentra en Basilea y cuenta oficinas satélites en Madrid, Londres, Nueva York y Pekín. En 2015 emplea a 450 profesionales. El dúo comenzó en una primera fase a experimentar con fachadas y en una segunda fase a experimentar con las formas, y se plantea una tercera fase de experimentación urbana. Ganó el premio Pritzker de 2000, en atención a su proyecto de la Tate Modern en Londres. En Suiza construye la sede de Novartis en Basilea. En España ha proyectado el Tenerife Espacio de las Artes (TEA) en Santa Cruz de Tenerife, el edificio Forum en Barcelona, el CaixaForum en Madrid y la sede del BBVA en Madrid, un sorprendente rascacielos de 93 metros de altura.


Plywood House, en Bottmingen, cerca de Basilea. [http://arxiubak.blogspot.com.es/2014/06/plywood-house-herzog-de-meuron.html]


Proyecto de estadio de Burdeos (Francia).

Herzog y De Meuron se considera discípulo de Aldo Rossi y, junto a De Meuron, desarrollan su teoría de la adaptación temporal y espacial del edificio al entorno: ‹‹Como soy discípulo de Aldo Rossi y creo en la permanencia de la arquitectura, creo en el cambio. La transformación de los edificios es lo que les permite durar. Ha sucedido con palacios, parques y monasterios que acaban formando parte de la ciudad. (…) Me interesan los edificios que nos sobrevivirán. Y un edificio no sobrevive por ser sólido, sino por ser versátil. (...) Dar ejemplo positivo es de lo poco que puede hacer un arquitecto hoy. Mis medios pasan por trabajar para un banco, pero yo no defiendo los barrios cerrados, defiendo la calidad y la escala humana. (…) La contribución a la vida en la ciudad podría marcar nuestra tercera fase creativa. (…) En la Tate descubrimos la ciudad y aprendimos a trabajar con poca arquitectura. Fue más importante pensar que dibujar. La belleza no se inventa, se produce cuando los edificios funcionan y este también lo hará.›› [Zabalbeascoa. La arquitectura del poder en el siglo XXI. “El País” (29-V-2015)]

Fuentes. Herzog & De Meuron.
Internet.
Artículos.
Zabalbeascoa, Anatxu. Dos suizos y un triángulo. “El País” (26-VII-2006) 50.
Zabalbeascoa, Anatxu. Entrevista. Blanca Lleó / Arquitecta. “El País” (1-XII-2006) 59. Blanca Lleó (Madrid, 1959), arquitecta especialista en vivienda (edificio de viviendas Mirador, Madrid). Autora de los libros Sueño de habitar y Informe habitar (conjunto con Carlos Sambricio).
Zabalbeascoa, A. Otro bis de Herzog & Meuron. “El País” (16-II-2013) 44. El Parish Art Museum de Long Island, en Nueva York.
Zabalbeascoa, Anatxu. Jacques Herzog / Arquitecto. ‘La arquitectura puede ayudar a recuperar la vida en las calles’. “El País” (28-V-2014) 42.


Zabalbeascoa, Anatxu. La arquitectura del poder en el siglo XXI. “El País” (29-V-2015) 27. Herzog explica el concluso proyecto para la sede del BBVA, su nuevo edificio en Madrid, que acoge a 6.000 trabajadores.

El arquitecto suizo Peter Zumthor (1943).
Peter Zumthor (Basilea, 1943), arquitecto suizo con taller en Haldenstein (cantón de los Grisones). Se formó en ebanistería antes de estudiar diseño en el Pratt Institute de Nueva York y arquitectura en Basilea y otros centros suizos, Ha ganado el Praemium Imperiale 1998, el Premio Mies van der Rohe 2000, el Premio Pritzker 2009 y la Medalla de Oro del RIBA 2013.
Ha recogido sus ideas en Pensar la arquitectura. Carpintero en su juventud, se le llama el “apóstol de lo real” por su uso de las formas racionalistas y orgánicas, esto es su acierto en la fusión entre el racionalismo y el organicismo. De notable exigencia profesional, solo acepta unos pocos encargos a los que se entrega con minuciosa atención, buscando la excelencia estética y la funcionalidad antes que la monumentalidad. Sus edificios se caracterizan por la definición espacial, el uso del claroscuro y los materiales sostenibles, especialmente la madera.
Entre sus obras destacan la Capilla de San Benedicto (1989), las Termas de Vals (1996), el Museo de Arte de Bregenz (1997) o el Museo Diocesano Kolumba en Colonia (2000).

Termas de Vals (1996).


Museo de Arte de Bregenz (1997). El proyecto ganó el Praemium Imperiale 1998.


Museo Diocesano Kolumba en Colonia (2000). Integra las ruinas de una iglesia gótica.

Fuentes. Peter Zumthor.
Internet.
[http://zumthor.tumblr.com/]
[http://www.plataformaarquitectura.cl/cl/office/peter-zumthor]
Artículos.
Zabalbeascoa, A. El Pritzker premia la autenticidad. “El País” (13-IV-2009). [http://elpais.com/diario/2009/04/13/cultura]



domingo, 8 de enero de 2017

El artista estadounidense Cy Twombly (1928-2011).

El artista estadounidense Cy Twombly (1928-2011).


Cy Twombly. 5 minutos. Nicholas Serota sobre una exposición de 2008 en la Tate Modern.

Cy (Edwin Parker) Twombly (Lexington, Virginia, 25-IV-1928-Roma, 5-VII-2011). Pintor norteamericano de estilo expresionista abstracto, cultivó también la fotografía y la escultura.
Se formó en arte en Lexington (su primer maestro fue el pintor menorquín Pierre Daura), en la Boston Museum School of Fine Arts, en las universidades de Washington y Lee (en Lexington), en la Arts Students League de Nueva York, y en 1951-1952 en el Black Mountain College, donde conoció a Motherwell (con el que tuvo una estrecha relación en 1951-1953), Rauschenberg, Kline y Charles Olson. Entonces se inspiraba en las obras de sus coetáneos Gorky, Kline, De Kooning, Motherwell, Newman y Pollock, y de los maestros más expresionistas de las primeras vanguardias europeas, como Beckmann, Corinth, Dubuffet, Kokoschka, Soutine y el más contenido Klee. Su primera exposición individual neoyorquina la celebró en la Samuel Kootz Gallery en 1951. Probablemente por influencia de Gorky y posteriormente de Motherwell asimiló la influencia de Miró así como de los informalistas europeos en pinturas como Sin título (1951) y Min-Oe (1951), realizadas con un automatismo y gestualidad de gran fuerza expresiva, aunque considero más predominante el influjo de Klee y Kline.
Trataba sobre todo a los artistas más jóvenes, como Jasper Johns y Robert Rauschenberg, con quien mantuvo una intensa relación amorosa y con el que en 1952 hizo un largo viaje por Francia, España, Marruecos e Italia. De regreso a Nueva York alcanzó un cierto éxito inicial.
A lo largo de los años 50 incorporó números y letras en sus pinturas, por influjo dadaísta. Sus bocetos, que muestran la temprana dicotomía entre los polos de una mesurada contención y de pronto una extraordinaria espontaneidad, a caballo entre las corrientes del clasicismo y del romanticismo que están en el germen del mejor expresionismo abstracto, como nos advirtió Robert Rosenblum, tienen una notable afinidad con los esbozos mironianos. Esta afinidad mironiana de sus dibujos se evidencia en el amplio catálogo de <Cy Twombly. Sèries sobre paper>. Barcelona. Fundació La Caixa (30 noviembre 1987-17 enero 1988). Destaca la serie Untitled (Rumi) de las pp. 112-115.
Desde 1957 residió en Roma, donde en 1959 se casó con la aristócrata italiana Tatiana Franchetti, hija de uno de sus mecenas, y desde su admirada ciudad eterna viajó a menudo por Europa (significativamente España, cuyos museos visitó con pasión), Asia (Irán y Afganistán) y África, al tiempo que maduraba su estilo personal a principios de los años 60. En 1964 Twombly conoció al joven estudiante Nicola del Roscio, su compañero hasta el final.
Su obra fue mostrando su progresiva admiración por el clasicismo europeo, fuera italiano o mediterráneo, desde la mitología clásica tanto griega como latina, así como por la literatura europea, desde Homero o Arquíloco, Catulo o Virgilio, Parménides o Platón, hasta Mallarmé o Valñery, Rilke o T. S. Eliot, y la pintura clasicista de Rafael, Tiziano, Tintoretto, Annibale Carraci, Rubens y Poussin. La temática mitológica impregnó gran parte de su obra posterior, especialmente sus impactantes grafitis y collages.
Su primera serie romana fue Ferragosto (1961), seguida de Leda y el cisne, El nacimiento de Venus y otras, antecedentes de su crucial serie de nueve telas, Nueve discursos sobre Cómodo (Discourse on Commodus, 1963), excepcionales por su denso estallido de colorido sobre un fondo gris, pero justamente la exposición de esta serie en la Leo Castelli Gallery de Nueva York en 1964 demostró que en su propio país se le desdeñaba como si fuera un artista “renegado”, más romano que americano, preterido a favor de los entonces emergentes pop art y minimal. La crítica se ensañó en especial con su gestualismo anímico de inspiración clásica (una contradicción insoslayable, sin duda), en oposición al gestualismo más ‘físico’ y de inspiración personal de Pollock. Otros, incluido el mismo Castelli, le consideraban demasiado 'europeo', en el sentido de afectado.

Muchas de sus obras de madurez muestran una caligrafía automática muy expresiva, de influencia clásica y oriental, de temática a menudo erótica, mediterránea, sensual y terrenal, de una contención a menudo atravesada por un desaforado pothos (a modo de locura o pasión) griego, obras pues, como se evidencia en Roman note 10 (1970), similares a pinturas y grabados de Miró de estilo espontáneo así como al estilo orientalizante de Tobey o el informalista de Wols, Hartung o Michaux. Y en los últimos decenios triunfa nuevamente el ritmo visual y el colorido, como muestran las series Las cuatro estaciones (1993-1994) y las grandes pinturas de flores (2005-2007), así como sus fotografías (vegetales, interiores de su taller) y esculturas (figuras pintadas de blanco) que reflejan su compleja interpretación personal del mundo clásico y mediterráneo.

Twombly. Sin titulo (1970). Témpera y yeso sobre tela (70,5 x 100). [http://www.onsitereview.ca/miscellanea/cy-twombly]

Twombly. Leda y el cisne (III) (1980). Óleo al reverso de una prueba de artista sobre papel hecho a mano (64,7 x 50,3). [http://www.onsitereview.ca/miscellanea/cy-twombly]
Entre sus marchantes principales, junto a Leo Castelli, desde principios de los años 70 destacaron Yvon Lambert y Eric Mézil, director de la galería del anterior, en Aviñón. Desde el ámbito europeo su éxito se fue extendiendo y en los años 80 ya era indiscutible: ya había expuesto en la Bienal de Venecia en 1964 y volvió a ser invitado en 1989 y 2001, se le encargó decorar un techo del Louvre, y en 1986 fue uno de los seis artistas elegidos para la exposición de apertura del MNCARS de Madrid, y en 1987 expuso a la vez en los palacios de Velázquez y de Cristal del Parque del Retiro de Madrid. Recibió varios premios en Italia y Francia. En sus últimos años le representó el famoso galerista neoyorquino Larry Gagosian.
Tras una larga enfermedad, falleció de cáncer, cuando ya era famoso y aureolado de un sólido prestigio crítico. Heiner Bastian está confeccionando el Catalogue Raisonné de pinturas, dibujos, esculturas y grabados.
La historiografia ha tocado tangencialmente la influencia de Miró en Twombly. David Shapiro (1987) entiende que la poética del objeto de Twombly es una filiación de la surrealista, particularmente de Miró, poniendo como ejemplo su Objeto poético (1936). [Shapiro. What Is the Poetic Object., en Menil, D. The Menil Collection. 1987: 274-278, sobre el Objeto poético (1936) de Miró en p. 277.]

Roberta Smith (1987) señala que su obra desde 1952 aparece como el testimonio más avanzado del automatismo, consiguiendo unos efectos que habían intentado antes Miró y los surrealistas. [Roberta Smith. <Towmbly>. Zúrich. Kunsthaus (1987): 19. cit. Bocola. El arte de la modernidad. 1999 (1994 alemán): 413.]

Miró y Twombly coincidieron en al menos seis exposiciones colectivas:
*<Le Dessin>. París. Galerie Breteau (10 enero–7 febrero 1963). Obras de Miró, Arp, Alechinsky, Appel, Ballester, Barré, Bazaine, Berrocal, Bloc, Budd, Bellegarde, Benrath, Brown, Cardenas, Chavignier, Cuixart, Chilida, Cremonini, Allan Davie, Duvillier, Degottex, Dubuffet, Duque, Delahaye, Etienne-Martin, Max Ernst, Fautrier, Sam Francis, Gilioli, Giacometti, Golub, Haber, Hartung, Jacquet, Jorn, Jenkins, Karskaya, Lapique, Lindstrom, Matta, H. Michaux, Miró, Masson, Messagier, Penalba, Petlin, Picasso, Pignon, Pouget, Rauschenberg, Rebeyrolle, Larry Rivers, Niki de Saint Phalle, Saura, Saul, Sondeborg, Soulages, Spero, Tal Coat, Tobey, Twombly, Tinguely, Vasarely, Walberg, Zwobada.
*<Nineteenth- and Twentieth-Century Drawings, Watercolors, Pastels, Gouaches & Collages 1982>. Nueva York. Acquavella Galleries (21 octubre-24 noviembre 1982). Obras de Miró, Cézanne, Cross, Degas, Dubuffet, Gñericault, Gauguin, Giacometti, Gris, Klee, Kline, de Kooning, Léger, Matisse, Picasso, Pissarro, Prendergast, Rauschenberg, Redon, Schiele, Seurat, Twombly, Vuillard, Warhol. Cat. 31 pp. 11 ilus. color. 21 b/n.
*<Nineteenth- and Twentieth-Century Master Paintings Fall 1983>. Nueva York. Acquavella Galleries (3 noviembre-3 diciembre 1983). Obras de Miró, Bonnard, Braque, Cézanne, Degas, Dubuffet, Homer, Klee, Matisse, Picasso, Pissarro, Pollock, Redon, Sisley, Twombly. Cat. 52 pp. 23 ilus. color.
*<The Imagined World>. Nueva York. Nolan/Eckman Gallery (7 marzo-25 abril 1998). Obras de Miró, Artchswager, Bellmer, Dalí, Fautrier, Klee, Twombly...
*<Das MomA in Berlin>. Berlín. Neue Nationalgalerie (20 febrero-19 septiembre 2004). 200 obras de pintura y escultura de col. MOMA: Miró —Paisaje catalán (El cazador) (1923-1924), Personaje lanzando una piedra a un pájaro (1926) y Pintura (“Golondrina amor”) (1934)—, Carl Andre, Arp, Artschwager, Balla, Balthus, Beckmann, Boccioni, Bonnard, Bourgeois, Brancusi, Braque, Calder, Carrà, Cézanne, Chagall, Chirico, Cornell, Dalí, Davis, Robert Delaunay, Derain, Dine, Dix, Van Doesburg, Duchamp, Ensor, Max Ernst, Flavin, Frankenthaler, Gauguin, Giacometti, Van Gogh, Gorky, Gottlieb, Gris, Grosz, Guston, Eva Hesse, Hofmann, Hopper, Johns, Judd, Kandinsky, Kelly, Klee, Klimt, Kline, De Kooning, Gaston Lachaise, Léger, LeWitt, Lichtenstein, Lipchitz, Magritte, Maillol, Malevitch, Man Ray, De Maria, Agnes Martin, Masson, Matisse, Matta, Modigliani, Mondrian, Monet, Robert Morris, Motherwell, Munch, Nadelman, Nauman, Barnett Newman, Noland, O’Keeffe, Oldenburg, Oppenheim, Alejandro Otero, Picabia, Picasso, Pollock, Popova, Iwan Puni, Rauschenberg, Reinhardt, Richter, Rodin, Rodchenko, Rothko, Henri Rousseau, Ruscha, Ryman, Serra, Seurat, David Smith, Tony Smith, Stella, Still, Tanguy, Tomlin, Tuttle, Twombly, Warhol, Wesselmann. Cat. Ed. Hatje Cantz. 376 pp. 395 ilus. Reseña de Boris Hohmeyer; Ute Thon. Das MomA in Berlin“Art. Das Kunstmagazin” nº 2 (II-2004) 12-25. [ www.das-MomA-in-berlin.de]
*<Bambini nel tempo. L’Infanzia e l’arte>. Mantua. Palazzo Te (9 mayo-4 julio 2004). Obras de Miró —5 obras: dos pinturas de FPJM, un pastel, una litografía y un aguafuerte—, Brancusi, Carrà, Cornell, Dubuffet, Max Klinger, Kokoschka, Arnulf Rainer, Twombly...; Daniele Crespi, Guido Reni... Cat. Textos de Sergio Risaliti, Bambini nel tempo, il cerchio invisible dell’infanzia (13-31), con referencias a Miró. Michela Scolaro, Fresco e amaro come una mela verde. Note, figure e temi d’infanzia (33-39). Marco Belpoliti, Disegni e scarabocchi (41-47). Andrea Emiliani, Guido Reni, la Srange delli Innocenti” (49-53). Sergio Risoliti. Intervista ad Achille Bonito Oliva (55-63). Franco Maraniello, Il tempo dei bambini (65-69). Dalio Oggero, Bambini di carta (71). Ed. Skira. 85 pp.

Fuentes.
Internet.
[www.cytwombly.info] Una web muy completa con cronología, listas de exposiciones, catálogos, fotos del artista, imágenes de obras…

Exposiciones.
<Cy Twombly: Paintings and Drawings>. Milwaukee. Miwakee Art Museum (1968). Primera retrospectiva. Cat. Texto del comisario: Robert Pincus-Witten. 18 pp.

*<Referencias. Un encuentro artístico en el tiempo>. Madrid. MNCARS (26 mayo-15 septiembre 1986). Obras de Georg Baselitz, Eduardo Chillida, Antonio Saura, Richard Serra, Antoni Tàpies y Cy Twombly (su primera muestra en España), con motivo de la inauguración del museo. Comisaria: Carmen Giménez. Cat. 128 pp. Reseña de Calvo Serraller, F. Tres exposiciones para un centro de arte abierto al futuro. “El País” (26-V-1986).
<Cy Twombly: Paintings and Drawings, 1954-1977>. Nueva York. Whitney Museum of American Art (10 abril-10 junio 1979). Retrospectiva. Cat. 118 pp.
<Cy Twombly: Paintings, Works on Paper, Sculpture>. Zúrich. Kunsthaus (18 febrero-29 marzo 1987). Madrid. Palacio de Velázquez y Palacio Cristal (22 abril-30 julio 1987). Londres. Whitechapel Art Gallery (septiembre-noviembre 1987). Düsseldorf. Städtische Kuntshalle (diciembre-enero 1987). París. MNAM (febrero-abril 1988). Cat. Textos del comisario Harald Szeemann (ed.), Cy Twombly, Frank O'Hara, Pierre Restany, Roland Barthes, Roberta Smith y Demosthenes Davvetas. 240 pp. (alemán), 254 (español), 239 (inglés) y 238 (francés). Reseña de Costa, José Manuel. Cy Twombly. “ABC” (23-IV-1987) 129.
<Cy Twombly. Sèries sobre paper>. Bonn. Städtisches Kunstmuseum (2 junio-9 agosto 1987). Barcelona. Fundació La Caixa (30 noviembre 1987-17 enero 1988). Cat. Textos de Katharina Schmidt y Gottfried Boehm. 182 pp.
<Cy Twombly: A Retrospective>. Nueva York. MOMA (25 septiembre 1994-10 enero 1995). Houston. (febrero 1995). Los Ángeles. (abril 1995). Berlín. Neue Nationalgalerie (septiembre 1995). Comisario: Kirk Varnedoe. Cat. 175 pp. Reseña de Krauss, Rosalind. Cy was here; Cy's up - Cy TwomblyArtForum” (IX-1994).
*<Cy Twombly: Die skulptur = The sculpture>. Basilea. Kunstmuseum (15 abril–30 julio 2000). Houston. The Menil Collection (20 septiembre, 2000–7 enero 2001). Cat. Texto de Katharina Schmidt. 204 pp.
<Cy Twombly: Fifty Years of Works on Paper>. St. Petersburg, Florida. Hermitage Museum (2003). Cat. Textos de Simon Schama (introducción), Mikhail Piotrovski (prefacio). 144 pp. 82 láminas color. Pasó itinerante a <Cy Twombly. Cinquante années de dessins>. París. MNAM (febrero-29 marzo 2004). Cat. Textos de Roland Barthes, Simon Schama y el comisario Jonas Storsve. 176 pp. Pasó revisada a <Cy Twombly at the Hermitage: fifty years of works on paper>. Nueva York. Whitney Museum of American Art (27 enero-8 mayo 2005). Houston. The Menil Collection (27 mayo–4 septiembre 2005).
<Lepanto. Cy Twombly>. Madrid. Museo del Prado (26 junio-28 septiembre 2008). Serie de 12 pinturas realizada para la Bienal de Venecia de 2001. Cat. 40 pp. más 12 láminas color. Reseña de Calvo Serraller, F. Cy Twombly, pintor proscrito“El País” Babelia 865 (21-VI-2008) 26-27.
<Cy Twombly: Cycles and Seasons>. Londres. Tate Modern (12 junio-14 septiembre 2008). Bilbao. Museo Guggenheim (21 octubre-8 febrero 2009). Roma. Galleria Nazionale d'Arte Moderna (2009). Retrospectiva. Comisarios: Nicholas Serota, Nicholas Cullinan y Carmen Giménez. Cat. 192 pp. Reseñas de Calvo Serraller, F. Cy Twombly, pintor proscrito. “El País” Babelia 865 (21-VI-2008) 26-27. Redacción (EFE). El lirismo abstracto de Cy Twombly recala en la Tate Modern de Londres“El Mundo” (16-VI-2008). Larrauri, Eva. El Guggenheim celebra los 80 exuberantes años de Cy Twombly“El País” (28-X-2008).
<Cy Twombly: Photographs 1951-2007>. Amsterdam. Huis Marseille, The Museum for Photography (6 septiembre-23 noviembre 2008). Selección de fotografías. Cat. Texto de Laszlo Glozer. Ed. Schirmer/Mosel. Múnich.
<Cy Twombly: The Natural World, Selected Works 2000–2007>. Chicago. Art Institute (16 mayo-11 octubre 2009). Cat. Texto de James Rondeau. 96 pp.
*<Monet y la abstracción>. Madrid. Fundación Thyssen-Bornemisza y Caja Madrid (19 febrero-2010). Obras de Monet, Gorky, Kooning, Pollock, Rothko, Tobey, Twombly... Comisaria: Paloma Alarcó. Reseñas de García, Ángeles. Reflejo de Monet en un espejo abstracto. “El País” (20-II-2010) 35. Calvo Serraller, F. Todos sus deudores (35).
<Cy Twombly: Photographs 1951-2010>. Múnich. Museum Brandhorst (6 abril-10 julio 2011). 120 fotografías.
<Cy Twombly: Blooming, a Scattering of Blossoms and Other Things>. Aviñón. Galerie Ivon Lambert (junio-septiembre 2007).
<Cy Twombly: Photographs>. Aviñón. Galerie Ivon Lambert (junio-30 octubre 2011).
*<Twombly and Poussin: Arcadian Painters>. Londres. Dulwich Picture Gallery (29 junio-25 septiembre 2011).

<Cy Twombly>. París. MNAM (30 noviembre 2016-24 abril 2017). Retrospectiva. Comisario: Jonas Storsve. [https://www.centrepompidou.fr/cpv/resource/ckKxeoz/rLRy7xo] Reseña de Vicente, Álex. Cy Twombly, el garabato genial“El País” (8-I-2017).

Libros.
Barthes, Roland. Cy Twombly: Works on Paper, y The Wisdom of Art, en The Resposubility of Forms. University of California Press. Berkeley. 1991. 312 pp.
Bastian, Heiner (dir.). Cy Twombly’s Paintings. A Catalogue Raisonné (1948-1995). 4 vols. vol. I. Cy Twombly: Paintings 1952-1976. Propylaen Verlag. Berlín. 1978.
Bénézit, E. Dictionnaire des peintres, sculpteurs, designateurs et graveursGründ. París. 1976. 10 vols. Reed. Jacques Busse (dir.). 1999. 14 vols. vol. 13, pp. 872-874.
Cerrito (ed.). Contemporary Arts. 1996. Twombly: pp. 1197-1199.
Del Roscio, Nicola (ed.). Cy Twombly: catalogue raisonné of sculpture: volume I: 1946–1997. Textos de Arthur Danto. Ed. Schirmer–Mosel. Múnich. 1997.
Del Roscio, Nicola (sel.). Writings on Cy TwomblyTextos de Roland Barthes, Frank O’Hara, Octavio Paz, David Sylvester... Ed. Schirmer/Mosel. Nueva York. 2002. 360 pp. 43 ensayos.
Foster; Krauss; Bois; Buchloh. Arte desde 1900. 2006 (2004): 371-372.
Keller, Eva; Malin, Regula (sel.). Audible Silence: Cy Twombly at Daros. Textos de John Berger, Yve-Alain Bois, Harald Szeemann. Ed. Scalo. Nueva York. 2002. 128 pp.
Lambert, Yvon. Cy Twombly’s Works on Paper (1973-1976). vol. VI. 1979.
Leeman, Richard. Cy Twombly. Peindre, dessiner, écrire. Ed. du Régard. París. 2004. 337 pp. 400 ilus.

Artículos.
Redacción. España compra un cuadro de Cy Twombly por 555 millones de pesetas. “El País” (19-XI-1999).
Bonet, J. M. Cy Twombly“Arte y Parte” 76 (agost-septiembre 2008) 17-31.
Calvo Serraller, F. Obituario. Cy Twombly, el último genio del expresionismo abstracto. “El País” (6-VII-2011).
Temkin, Anne. Out of School“ArtForum” vol. 49, nº 10 (verano 2011) 344-345. Comentario de Academy (1955). Óleo, lápiz, lápiz de colores y tiza sobre tela (192 x 241).
Redacción. El artista estadounidense Cy Twombly fallece a los 83 años en Roma“El País” (6-VII-2011).

sábado, 7 de enero de 2017

Comanchería (2016), de David Mackenzie.

Comanchería (2016), de David Mackenzie.



Comanchería (2016). Hell or High Water. EE UU. Género: drama. Duración: 102 minutos. Dirección: David Mackenzie. Intérpretes: Chris Pine, Ben Foster, Jeff Bridges, Gil Birmingham. Guión: Taylor Sheridan. Música: Nick Cave, Warren Ellis. Fotografía: Giles Nuttgens. Montaje: Jake Roberts.

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Los hermanos Tanner (Foster, a la derecha) y Toby (Pine) Howard.

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Marcus Hamilton (Bridges) y su ayudante Alberto (Birmingham).

Dos hermanos deciden robar un banco en Texas para conseguir el dinero necesario para evitar que ese mismo banco embargue la propiedad familiar, y se ven impelidos a una escalada de violencia mientras afrontan la persecución de un sheriff crepuscular que entiende su situación pero debe cumplir su deber.
La crítica ha alabado sobremanera este western contemporáneo, con una dirección y un guion excepcionales (ahonda y desentraña los abismos de la humanidad), servidos por grandes interpretaciones. El montaje es trepidante, un prodigio de ritmo en la visualización de una violencia abocada a un final inevitablemente trágico. Para muchos críticos es una de las mejores películas de los últimos años.

Ocaña, Javier. Un gran wéstern social“El País” (30-XII-2016).