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Mis blogs son Altamira (Historia del Arte, Cine, Cómic, Fotografía, Moda), Heródoto (Actualidad, Ciencias Sociales y Pensamiento) y Mirador (Joan Miró, Arte y Cultura Contemporáneos).y Pensamiento, Religión y Teo

domingo, 23 de abril de 2017

Venganza (2008), de Pierre Morel.

Venganza (2008), de Pierre Morel.





Tráiler.

Venganza (2008). Taken. Francia. Género: acción. Duración: 93 minutos. Dirección: Pierre Morel. Intérpretes: Liam Neeson, Maggie Grace, Famke Janssen. Guión: Luc Besson. Música: Nathaniel Méchaly. Fotografía: Michel Abramowicz. Montaje: Frédéric Thoraval. Producción: Luc Besson.

Trama.
¿Qué puede ser peor para un padre, en Nueva York, que escuchar impotente el secuestro de su hija al otro lado del teléfono, en París? El padre, Bryan Mills, un exagente secreto norteamericano, deberá investigar en los bajos fondos parisinos para liberar a su hija de una mafia de trata de blancas antes de que pasen 96 horas o puede darla por perdida. No contará con otra ayuda que la de sus viejos compañeros, pero tal vez no de todos...
Opinión.
Hay una adecuada combinación de intriga sombría y secuencias de acción, con un acertadísimo y creíble Liam Neeson en su papel de padre implacable que arrasará todos los obstáculos y vulnerará todas las normas a fin de salvar a su hija. La historia desprende nihilismo (como el buen género polar francés exige) e individualismo a raudales: la policía es siempre ineficaz o corrupta, y sólo el héroe puede hacer algo.  Un héroe que apenas habla y ni siquiera pretende que entendamos sus pensamientos, pero dispara y machaca a sus enemigos, los malos redomados que se merecen su exterminio como insectos nocivos, con una elocuencia más esclarecedora que mil palabras.
El director imprime un ritmo implacable, con continuos y nerviosos movimientos de cámara y planos cortos subrayados por una música rotunda. El guión es ciertamente inverosímil y doy sólo un par de apuntes: los malvados disparan a Neeson cientos (o más) de tiros en media docena de ocasiones pero ¿son tan malos disparando que no le aciertan ni de refilón? y ¿quién maneja el barco durante la última y larga pelea? Pero el ritmo frenético que imprime el director, la empatía que el público siente de inmediato hacia el protagonista y el interés por cómo sobrevivirá en su desesperada lucha, hacen que estos fallos apenas molesten. Porque, como en las mejores novelas  de Chandler y Hammett, no es la coherencia de la historia lo que importa sino un inexpresable sentimiento de compartir la experiencia del héroe. Pero siempre hay quienes aborrecen al excesivo Besson, y por ello no dudan en calificar de anodina, aburrida y otros epítetos negativos a esta y cualquier obra en la que ponga su sello de productor y guionista. 
Naturalmente, el éxito comercial ha sido notable y ya está a punto la continuación, Venganza 2. Conexión Estambul, nuevamente con Neeson salvando a su hija y además a su esposa de otro secuestro, esta vez ejecutado por el padre vengativo de uno de los malvados a los que mató en la primera  parte. Besson habrá pensado que ¿si la fórmula funciona para qué cambiarla?



Fuentes.
Redacción. ‘Las películas’. “El País” (26-II-2012) 53.

martes, 18 de abril de 2017

El artista español Moisès Villèlia (1928-1994).

El artista español Moisès Villèlia (1928-1994).

Villèlia (izquierda y Antoni Tàpies (derecha). [http://associaciosantlluc.blogspot.com.es/2014_06_01_archive.html]

Moisès Villèlia (Barcelona, 1928-1994), seudónimo de Moisès Sanmartí i Puig. Escultor español, de formación autodidacta, se incorpora a la vanguardia en los años 50, influido por su relación con el crítico Alexandre Cirici Pellicer y el escritor Joan Brossa. Realiza entonces obras con materiales múltiples y pobres, inspiradas por la poética surrealista del objet trouvé y el materismo informalista y expone en el X Saló d’Octubre (1957).
Gracias a Brossa contacta con Prats y Miró, quien visita una exposición de las esculturas móviles de Villèlia en el Museo Municipal de Mataró (1959), así como conoce su primera exposición indinvidual en el Museu d’Art Contemporani de Catalunya (1960), y le invita a colaborar en la ilustración del libro Poemes civils (1961), lo que abrirá definitivamente a Villèlia las puertas de las galerías, con sus obras originales, de un fuerte minimalismo, al tiempo que realiza proyectos públicos, como los jardines Pros de El Masnou, y La Ricarda en el Prat de Llobregat.
Al final de los años 70 viaja a París, Argentina y Perú, antes de establecerse en Quito, donde residirá hasta 1971, cuando vuelve a su estudio catalán de Molló, exponiendo regularmente en Barcelona desde entonces. Presentó una exposición individual en el Pabellón catalán de la Expo 92.


Fuentes.
Internet.
Exposiciones.
*<Ver a Miró. La irradiación de Miró en el arte español>. Madrid. Fundació La Caixa (1993): biografía 207.
<Moisès Villèlia, l’equilibri de les formes>. Barcelona. Galeria Joan Gaspar (hasta 27 febrero 2016). Reseña de Casamartina, Josep. Discreció per al canvi d’any. “El País” Quadern 1.617 (14-I-2016) 5.
*<Aquelles petites coses>. Barcelona. Galeria Marc Domènech (hasta 12 febrero 2016). Obras de Joan Miró, Dalí, Dubuffet, Léger, Torres García, Julio González, Masson, Magnelli, Bores, Herbin, Metzinger, Gleizes, Joan Vilacasas, Joan Sandalinas, Enric Planasdurà, Joan Hernández Pijuan, Moisés Villèlia… Reseña de Casamartina, Josep. Discreció per al canvi d’any. “El País” Quadern 1.617 (14-I-2016) 5.
<Villèlia>. Barcelona. Espai Volart de Fundació Vila Casas (6 abril-11 junio 2017). 30 obras. Comisarios: Nahum Villèlia y Gloria Bosch. Reseña de Montañés, J. Á. El ‘Calder’ catalán. “El País” (18-IV-2017).

Libros.
Antolín Paz, M. (dir.). Diccionario de pintores y escultores españoles del siglo XX. 1994: 3917-3918.
Cirici, A. Villèlia. Publicaciones Españolas. Madrid. 1964. 28 pp.

lunes, 17 de abril de 2017

El hombre que mató a Liberty Valance (1962), de John Ford.

El hombre que mató a Liberty Valance (1962), de John Ford.

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Tráiler. Dos minutos.

El hombre que mató a Liberty Valance (1962). The Man who shot Liberty ValanceEE UU. Género: western. Duración: 119 minutos. Dirección: John Ford. Intérpretes: James Stewart, John Wayne, Vera Miles, Edmond O’Brien, Lee Marvin, Andy Devine, John Carradine, Woody Strode, Lee Van Cleef. Guión: James Warner Bellah y Willis Goldbeck, sobre una historia de Dorothy M. Johnson. Música: Cyril Mockridge. Fotografía: William H. Clothier.

Un joven abogado, Ransom Stoddard (Stewart), llega del Este para asentarse en un pueblo del Oeste y se enfrenta pronto a Libert Valance (Marvin), un pistolero al servicio de los ganaderos que se oponen a la llegada de la civilización. Contará con el apoyo del honesto periodista del diario “The Shimbone Star”, Dutton S. Peabody (O’Brien), la bella camarera Hallie (Miles) y su frustrado enamorado Tom Donihon (Wayne). La lucha entre el bien y el mal, el derecho y la fuerza bruta.

Uno de los mejores westerns de la historia del cine, junto a La diligencia y Centauros del desierto, también del tándem Ford y Wayne. Una película con tantas capas de mensaje que se hace infinito, inmarcesible y eterno su interés.

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Vídeo de un fragmento de un enfrentamiento entre Valance y Doniphon. Dos minutos.

FUENTES.

Mota, Jesús. ‘Liberty Valance’, cuando el cine era un arte mayor. “El País” (15-IV-2017).

Sherlock Holmes y el collar de la muerte (1962), de Terence Fisher y Frank Winterstein.

Sherlock Holmes y el collar de la muerte (1962), de Terence Fisher y Frank Winterstein.

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Sherlock Holmes y el collar de la muerte (1962). Sherlock Holmes and the deadly necklace. Alemania / Reino Unido / Francia / Italia.  Género: policiaca. Duración: 87 minutos. Dirección: Terence Fisher, Frank Winterstein. Intérpretes: Christopher Lee, Hans Söhnker, Thorley Walters, Senta Berger. Guión: Curd Siodmak, sobre los personajes de Arthur Conan Doyle. Música: Martin Slavin. Fotografía: Richard Angst.

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El malvado y el héroe en una escena álgida de su sutil enfrentamiento.

El gran detective vuelve a combatir con Moriarty, que desea robar el valioso collar de Cleopatra.
Un filme aceptable, de ritmo pausado (un guión del hábil Siodmak), sin violencia gratuita, bien interpretado, con Lee en el papel de Sherlock.

FUENTES.


jueves, 6 de abril de 2017

Comentario: Laocoonte y sus hijos.

Comentario: Laocoonte y sus hijos.

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[https://www.youtube.com/watch] Comentario en inglés, tres minutos.

Descripción.
Laocoonte y sus hijos es un grupo escultórico griego, realizado por Agesandro, Polidoro y Atenodoro de Rodas, pertenecientes a la Escuela de Rodas, muy famosa desde el periodo helenístico. Su datación es controvertida, con fechas como los siglos II y I aC, apuntándose por muchos que es una copia romana del siglo I dC de un original en bronce del siglo II aC, aunque mayoritariamente hoy se considera un original de principios del siglo I dC.
La obra es de un tamaño mayor al natural, de 2,45 m de altura, realizada en mármol blanco. Se guarda en el Museo Pío-Clementino perteneciente a los Museos Vaticanos de Roma. 
Representa el momento de la muerte del sacerdote troyano Laocoonte (o Laoconte), castigado por los dioses favorables a los griegos a morir estrangulado por dos crueles serpientes marinas junto a sus dos hijos, porque intentó avisar a sus conciudadanos del peligro que conllevaba recibir el famoso regalo del caballo de Troya.

Historia del hallazgo.
El grupo escultórico era bien conocido por un comentario laudatorio del escritor romano Plinio el Viejo en su obra enciclopédica Naturalis Historia, tras verla en el palacio del emperador Tito hacia el año 70: ‹‹Debe ser situada por delante de todas, no sólo del arte de la estatuaria sino también del de la pintura. Fue esculpida en un solo bloque de mármol por los excelentes artistas de Rodas Agesandro, Polidoro y Atenodoro y representa a Laocoonte, sus hijos y las serpientes admirablemente enroscadas.››
En la Edad Media se creyó que el grupo se había perdido, pero fue descubierto el 14 de enero de 1506 en una viña cercana a Santa María la Mayor, terreno propiedad de Felice de Fredis en el Esquilino romano, y que en tiempos antiguos había sido parte de la Domus Aurea de Nerón y luego del palacio del emperador Tito. El papa Julio II envió al arquitecto Giuliano da Sangallo, quien identificó la escultura como la descrita por Plinio, lo que corroboró Miguel Ángel.
Su hijo Francesco da Sangallo, más tarde escultor, escribió un relato del descubrimiento de la escultura más de 60 años después: ‹‹La primera vez que estaba en Roma cuando era muy joven, el papa recibió la noticia del descubrimiento de algunas muy bellas estatuas en un viñedo cerca de Santa María La Mayor. El papa ordenó a uno de sus ayudantes que se apresurara y dijera a Giuliano da Sangallo que fuera y las viera. Así que salió inmediatamente. Ya que Michelangelo Buonarroti se encontraba siempre en nuestra casa, mi padre, habiéndole citado y habiéndole asignado el encargo del mausoleo del papa, quería que él también le acompañara. Me uní a mi padre y nos fuimos. Descendí hasta donde estaban las estatuas cuando inmediatamente mi padre dijo: “Eso es el Laoconte que dice Plinio”. Entonces cavaron el hoyo más grande para que pudieran sacar la estatua. Tan pronto como fue visible todos empezaron a dibujar, conversando todo el tiempo sobre cosas antiguas, charlando también sobre las que estaban en Florencia.››

Las primeras restauraciones.
Cuando fue descubierta le faltaban los brazos derechos de Laocoonte y de uno de sus hijos, y la mano derecha del otro hijo; también faltaban algunas partes de las serpientes. De su estado en ese momento quedan como testimonio las copias que hizo el grabador Giovanni Antonio da Brescia: un dibujo (conservado ahora en Düsseldorf), y un grabado que contribuyó a su rápida fama.

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Copia, en Mannheim, del grupo tal y como estaban representados los brazos añadidos antes de la última restauración.

Se decidió restaurar el grupo escultórico y hubo controversia sobre cómo debería haber sido el gesto del brazo que le faltaba al padre. Miguel Ángel propuso restaurar el brazo del padre en posición de flexión; el artista llegó a realizar dicho brazo, pero no llegó a ponérselo y actualmente se expone junto al grupo escultórico. Amico Aspertini también realizó un dibujo con la misma posición del brazo, y en 1525, Baccio Bandinelli realizó una copia de todo el grupo con una posición parecida para el papa León X, copia que se encuentra en la Galería de los Uffizi de Florencia.
Tanto Miguel Ángel como Sangallo aconsejaron a Julio II que adquiriera la obra, quien, tras unas breves negociaciones, compró la obra por más de 600 ducados. En 1509, Julio II mandó trasladarla al Vaticano junto a otras dos esculturas, el Apolo de Belvedere y la Venus Felix, instalándolas en tres nichos del Patio Octogonal del Belvedere, que hoy forma parte de los Museos Vaticanos.

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El rey Francisco I de Francia obtuvo el permiso del papa para que su enviado Francesco Primaticcio realizara varios moldes, en 1540. Estos moldes sirvieron para hacer una escultura de bronce  en 1543  que fue instalada en el Palacio de Fontainebleau.

Una primera restauración realizada por Bandinelli con cera, donde representó el brazo doblado, fue modificada en 1532 por Giovanni Angelo Montorsoli, que realizó la restauración en terracota y con el brazo de Laocoonte estirado. 

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Entre los que criticaron esta restauración se encontraba Tiziano, quien realizó un dibujo en el que representaba a Laocoonte y sus hijos como si fueran tres monos. Esta caricatura fue grabada por Niccolò Boldrini.
En el siglo XVIII, el escultor Agostino Cornachini volvió a restaurar la obra, cambiando el material de la restauración por mármol y aprovechó para cambiar el brazo del hijo, modificando el gesto de este, que también fue estirado.

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El grupo en su salón del Louvre, c. 1800.

En 1798, tras la firma del Tratado de Tolentino, el grupo fue trasladado a París por Napoleón como parte del botín de guerra tras su campaña en Italia, pero sin los elementos añadidos, y puesta en el Museo del Louvre hasta su devolución al Vaticano en 1816, cuando se le volvieron a añadir los dichos elementos.
En 1905, el arqueólogo Ludwig Pollack  identificó el brazo original en una vieja tienda de Via Labicana. El brazo tenía la posición flexionada como ya había avanzado Miguel Ángel; el brazo se añadió en una restauración realizada entre 1957 y 1960, dirigida por Filippo Magi, restauración en la que se retiraron todas las piezas añadidas.

Datación.
La datación es muy controvertida, apuntándose todavía hoy por muchos historiadores que es una copia romana del siglo I dC de un original en bronce del siglo II aC, aunque mayoritariamente hoy se considera un original de principios del siglo I dC.
En el siglo XVIII el prestigioso historiador de arte Winkelmann dató el grupo en el siglo IV aC, al entender que era una obra maestra de finales del periodo clásico e inicios del periodo helenístico.

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La expresión del rostro de Laocoonte es similar a la del gigante que Atenea coge por el pelo en el Altar de Zeus de Pérgamo (200-150 aC), según señala Richter.

Posteriormente se fechó en el siglo I aC, porque se conservaban firmas epigráficas pertenecientes a ese siglo de un escultor de Rodas llamado Atenodoro, hijo de Agesandro. 
En 1954, Gisela M. Richter cambió la datación al siglo II aC porque señaló que los nombres de Atenodoro y Agesandro fueron muy corrientes en Rodas durante varias generaciones, y además apreciaba una gran similitud de la obra con un friso que representa la lucha entre dioses y gigantes del Altar de Zeus en Pérgamo. Concretamente, la expresión y las características del rostro de Laocoonte son muy similares al gigante que Atenea agarra por el pelo, así como las serpientes tienen equivalentes en el mencionado altar.
Sin embargo también se aprecian claras diferencias con la escultura de Pérgamo: el rostro de Laocoonte es más vibrante que el de los gigantes de Pérgamo, es distinta la técnica del modelado de la cabellera y son poco relevantes las ropas del grupo del Laoconte en comparación con el grupo de Pérgamo.
Además, se ha demostrado que, a pesar de que la mayor parte de la escultura se hizo con mármol de Rodas, uno de los bloques usados es mármol de Luni, de origen italiano; este hecho no concuerda con lo descrito por Plinio, que sólo distinguió un bloque de mármol, ni con el hecho de que este mármol no se explotó antes de la época de Augusto. Sin embargo, Tazartes señala que el grupo está hecho con mármol de Frigia.
También se ha sugerido que podría ser una copia o una variante libre romana de un original helenístico en bronce de los siglos III-II aC, o de los siglos II-I aC, o más concretamente, de un bronce realizado en Pérgamo en la segunda mitad del siglo II aC.

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La gruta de Tiberio en Sperlonga.

La datación en el siglo II aC es más difícil de mantener tras el descubrimiento producido en 1957 de varios fragmentos de otros cinco grupos escultóricos en la llamada gruta de Tiberio, en Sperlonga, en la costa sur del Lacio. Los grupos representan también temas homéricos y fueron llevados a la cueva bien por ricos ciudadanos romanos para evitar su destrucción, posiblemente a manos de los primeros cristianos o los bárbaros, o bien fueron tallados expresamente para dicha cueva, habilitada por Tiberio como sala de banquetes a principios del siglo I dC.
Uno de los grupos, que representa el tema de Ulises cegando a Polifemo lleva la firma de los tres escultores rodios mencionados por Plinio, quien dejó escrito que la hicieron los rodios Atenodoro, hijo de Agesandro, y Agesandro, hijo de Peonio, y Polidoro, hijo de Polidoro. Su inscripción, según la mayoría de los epigrafistas, pertenece al siglo I dC, y por tanto los autores serían de ese sigl, lo que sugiere que tanto el grupo de Ulises como el de Laocoonte podrían haber sido hechos en ese siglo para un mecenas romano, quien podría haber sido el mismo emperador Tiberio.
Pero cabe la opción de que Tiberio hubiera comprado las obras, realizadas con mucha antelación, por lo que vuelve a abrirse la hipótesis del siglo II aC. Es más, también es posible que sea una copia muy fiel del original.

Análisis formal.
Destacan el naturalismo y el movimiento.
El naturalismo es plenamente realista en el tratamiento de la anatomía, con unos músculos muy marcados, enérgicos, y unos rostros intensamente animados de vida justo en el momento previo a su pérdida, en especial la faz del padre con la boca abierta en un grito mudo y la frente arrugada por la pena. La belleza de la vida fundida con el drama de la muerte, esto es la terribilità que tanto admiró Miguel Ángel y que plasmó posteriormente en su Moisés y en los esclavos de la tumba de Julio II.
Aunque el grupo debe ser apreciado primero en su frontalidad, se exige para su total comprensión que el espectador se desplace también a los laterales, para contemplar ángulos y claroscuros que conforman un grupo muy dinámico. Todos los miembros y los rasgos faciales traslucen un inusitado movimiento, representativo de la extrema violencia del episodio, agonístico y trágico sin igual en la estatuaria griega de su tiempo.
La pirámide desde la cabeza del padre a los dos extremos del pedestal establece una necesaria estabilidad estructural mientras que la diagonal que traza el cuerpo del padre, desde su brazo derecho alzado hasta la pierna derecha en tensión agonística, estructura el dinamismo del conjunto, que une mediante el abrazo mortal de la "serpentina" los tres cuerpos.
Una de las serpientes pasa sobre los hombros del padre y de su hijo mayor, revolviéndose hasta morderle la cabeza. Y al mismo tiempo, la otra serpiente ahoga al hijo menor y trata de inmovilizar a Laocoonte enroscándose en sus piernas.

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El padre está representado en una posición compleja, en parte sobre un asiento sacerdotal en el que se entrevén unos ropajes y en parte levantado al reaccionar en el mismo instante en que es mordido en la cadera por una de las serpientes: desplaza el cuerpo hacia el lado opuesto (su costado derecho), doblando esa pierna, al tiempo que contrae el vientre, hincha el pecho, echa el hombro hacia delante e inclina la cabeza hacia el lado herido, a su izquierda, cuya pierna se retrasa levemente para incidir en la tensión corporal. Los pies están inmovilizados y los brazos se tensan en posición de lucha, ofreciendo una desesperada resistencia que sin embargo no parece ser muy efectiva. Se trata de un hombre maduro y todavía vigoroso pero no soporta el dolor tan extremo de ver cómo se escapa su vida y la de sus hijos.
El hijo menor, totalmente aprisionado a la derecha del padre, hace esfuerzos sin éxito para tratar de liberarse del nudo mortal, mientras que el hijo mayor a su izquierda está apenas aprisionado por un pie y un brazo, implora ayuda pues aun tiene la esperanza de huir, favorecido por estar todavía en una peana inferior a la de su hermano y su padre.

Significado iconológico: la mitología.
El grupo transmite con una escenografía teatral (se ha comentado a menudo esta teatralidad) un mensaje ideológico muy transparente: los hombres son impotentes ante el poderío de los dioses, pues incluso la protección de unos dioses nada puede hacer si otros más poderosos deciden destruir a los humanos.

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La muerte de LaocoonteFresco de Pompeya (h. 50 dC). El tema era aparentemente muy conocido y solicitado para decorar las mansiones romanas. [https://es.pinterest.com]

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En estas vistas se puede observar la mirada del hijo mayor hacia su padre, pidiendo ayuda.

En los mitos griegos se relata que, durante el asedio de Troya, dos serpientes fueron enviadas por Apolo, Poseidón o Atenea, y atacaron a Laocoonte,  sacerdote troyano de Apolo, y a sus dos hijos. Las versiones que relatan este episodio son numerosas y se discute si el grupo escultórico debió haberse basado en el relato de Virgilio en la Eneida, en el que morían Laocoonte y sus dos hijos, o en una versión anterior narrada en un poema perdido del ciclo troyano, la Ilupersis, donde morían Laocoonte y solo uno de los hijos. La fuente también pudo haber sido una tragedia perdida.

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Laocoonte era el sacerdote del templo de Apolo Timbreo en Troya y, al igual que Casandra, advirtió a los troyanos que si dejaban entrar en la ciudad al Caballo de Troya caerían en una trampa tendida por los griegos aqueos: ‹‹¡Necios, no os fieis de los griegos ni siquiera cuando os traigan regalos!›› [Virgilio, Eneida]
Laocoonte llegó a arrojar una lanza que se clavó en el caballo de madera, pero cuando los troyanos estaban a punto de destruir el caballo, los soldados troyanos trajeron a Sinón, quien con las mentiras ideadas por Odiseo logró convencer a Príamo de que se trataba de una imagen sagrada de Atenea. Laocoonte, para tratar de impedir que entraran el caballo en la ciudad exclamó:
‹‹Ésas son mentiras -gritó Laocoonte- y parecen inventadas por Odiseo. ¡No le creas Príamo! [...] Te ruego, señor, que me permitas sacrificar un toro a Poseidón. Cuando vuelva espero ver este caballo de madera reducido a cenizas.›› [Graves, Los mitos griegos]
Cuando Laocoonte se disponía a sacrificar el toro a Poseidón, dos serpientes marinas, llamadas Porces y Caribea, o Curisia, o Peribea, llegaron desde Ténedos y las Calidnes; salieron del mar y atacaron a los hijos mellizos de Laocoonte, llamados Antifante y Timbreo o Melanto, enroscándose alrededor de sus cuerpos; Laocoonte intentó salvarlos pero sufrió la misma suerte. La tradición de Virgilio muestra las serpientes como un castigo divino por haber intentado destruir el caballo. Los troyanos interpretaron el episodio como una muestra de que el caballo era un objeto sagrado y de que Sinón había dicho la verdad.

Influencia posterior.
La obra ya tuvo gran influencia en los artistas del Renacimiento, que admiraron su alto grado de perfección. Miguel Ángel se inspiró en ella para realizar varias de sus obras, como algunas de las figuras del techo de la Capilla Sixtina, particularmente la postura de Amán en la pareja Ester y Amán y La Serpiente de Bronce, dos de los esclavos realizados en la tumba de Julio II, y en los esbozos de La batalla de Cascina. Rafael en la pintura El Parnaso utilizó la cabeza de Laocoonte como referencia para representar a Homero. El escultor manierista Gianbologna se inspiró en ella para su grupo escultórico El rapto de la Sabina (1581-1583) y Bernini fue influido por su movimiento en su Apolo y Dafne (1622-1625). Otros artistas como Tiziano, Rubens, El Greco, William Blake o Max Ernst también realizaron sus propias reinterpretaciones del grupo escultórico.

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La serpiente de bronce, de Miguel Ángel, en el centro de esta escena de la bóveda de la Capilla Sixtina.

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Fragmento de El Parnaso, de Rafael, con la representación de Homero muy similar a la cabeza de Laocoonte.

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El mito troyano de Laocoonte por El Greco. La escena se vuelve a interpretar de forma casi surrealista en los alrededores de Toledo, con la luz que emana de la desnudez de los cuerpos enigmáticos.

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Ha sido fuente de inspiración para la estética alemana desde los escritores de mediados y finales del siglo XVIII como Winckelmann, Lessing, Goethe, Herder, Novalis y de mediados del siglo XIX como Arthur Schopenhauer.

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Lessing en su Laocoon (1766), un ensayo sobre los límites entre poesía y pintura, fraguó una visión muy influyente del espíritu griego sobre el gusto neoclásico.

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Un libro de Simon Richter sobre la influencia de la obra en autores del siglo XVIII.

También destaca Goethe, que en su artículo Sobre Laocoonte en 1798, señala que los artistas han despojado a Laocoonte de su sacerdocio y de sus referencias mitológicas y lo han convertido en un padre normal con dos hijos amenazados por dos animales. Destaca la sensación de movimiento que produce el grupo, que parece cambiar de posición si el espectador abre y cierra los ojos alternativamente.
Goethe asimismo elogia el momento elegido por los artistas por su interés de máxima intensidad: cuando uno de los cuerpos está tan aprisionado que se ha quedado indefenso, el segundo es herido pero todavía está en condiciones de defenderse y al tercero incluso le queda la esperanza de huir. En vano.

FUENTES.
Internet.
[https://es.wikipedia.org/wiki/Laocoonte_y_sus_hijos] Es la fuente principal de esta entrada, con una amplia paráfrasis de su texto.
[http://www.digitalsculpture.org/laocoon/chronology/] Un excelente estudio académico sobre la cronología del grupo, con numerosas imágenes de dibujos y grabados.
[https://www.youtube.com/watch?] Un comentario adecuado para Bachillerato, con imágenes, en los dos primeros minutos.
[http://arte.laguia2000.com/escultura/escultura-de-laocoonte] Un breve comentario, apropiado para Bachillerato.
[http://www.metmuseum.org/art/collection/search/362039] Un grabado antiguo, con una interpretación distinta de Marco Dante, activo desde c. 1515 hasta su muerte en Roma en 1527.

[https://www.artsy.net/artwork/jean-de-gourmont-i-laocoon] Otra interpretación, de Jean de Gourmont (1483-1551).
[http://www.harvardartmuseums.org/collections/object/295265?position=7] Una interpretación fantasiosa del lugar del Palacio de Tito con el grupo escultórico.
[https://www.youtube.com/watch?] Lynn Caterson explica su teoría de que es una falsificación realizada por Miguel Ángel. Dos minutos. 


domingo, 2 de abril de 2017

Miart. Feria Internacional de Arte Moderno y Contemporáneo de Milán.

Dosier: Miart. Feria Internacional de Arte Moderno y Contemporáneo de Milán.

Miart es una feria que pretende situar a Milán en la cabecera mundial del mercado del arte. Selecciona galerías italianas e internacionales, con un amplio elenco de artistas desde las primeras vanguardias (Chirico, Duchamp o Magritte) hasta el actual (Rebecca Horn o Kapoor), procurando un equilibrio entre maestros consagrados y jóvenes artistas que apenas inician su recorrido.
La 22ª edición de 2017 ha contado con la dirección artística del comisario y crítico de arte Alessandro Rabottini.



Miart 2017. 22 edición de Milan International Modern and Contemporary Art Fair. [https://www.youtube.com/watch?v=IEcI_Rmg_eU] 6 minutos. Entrevista en inglés de Vernissage TV al director artístico Alessandro Rabottini, el 30 de marzo de 2017.
[http://www.artribune.com/professioni-e-professionisti/fiere/2017/03/10-stand-da-non-perdere-a-miart-intervista-alessandro-rabottini/]. Redacción. 10 stand da non perdere a miart. La prima edizione di Alessandro Rabottini è una grande mostra.  "Arttribune" (30-III-2017).


sábado, 1 de abril de 2017

A Frozen Flower (2008), de Yoo Ha.

A Frozen Flower (2008), de Yoo Ha.

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Tráiler. 2 minutos.

A Frozen Flower (2008). Hangul. Corea del Sur. Género: histórico y erótico. Duración: minutos. Dirección: Yoo Ha. Intérpretes: Jo In-sung, Joo Jin-mo, Song Ji-hyo. Guión: Yoo Ha. Música: Kim Jun-seok. Fotografía: Choi Hyun-ki.

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Un rey de la Corea medieval es homosexual y decide que su guardia favorito le sustituya en el lecho de la reina para poder tener descendencia, pero ambos pronto se enamoran apasionadamente y deben afrontar la cólera real.
Uno de los films más exitosos de la sorprendente cinematografía coreana, que en apenas dos decenios se ha encumbrado, primero en Asia y después en todo el mundo con películas de gran presupuesto, escenografía muy cuidada, intérpretes sólidos, guiones de calidad... Este film cumple con todos esos requisitos, con una historia de amor a dos bandas, el gay y el heterosexual, que se funden en un trío de imposible continuidad, resultando en una pieza poderosamente erótica y de gran relevancia histórica.

FUENTES.

Creed. La leyenda de Rocky (2015), de Ryan Coogler.

Creed. La leyenda de Rocky (2015), de Ryan Coogler.



Creed. La leyenda de Rocky (2015). EE UU. Género: drama. Duración: 133 minutos. Dirección: Ryan Coogler. Intérpretes: Michael B. Jordan, Sylvester Stallone. Guión Ryan Coogler, Aaron Covington. Música: Ludwig Göransson. Fotografía: Maryse Alberti. Montaje: Michael P. Shawver.

Argumento.
Rocky Balboa, en pleno tratamiento de un cáncer, decide entrenar a un joven pupilo, hijo de su amigo Apollo Creed.

Crítica.
La crítica ha alabado sin excepción este filme más que notable, en el que Jordan (una joven  y sólida promesa) y Stallone  (Globo de Oro al mejor actor secundario, y candidato al Oscar por lo mismo) cumplen con creces. El director logra un tiempo medido y crecientemente emotivo sin aspavientos, con dos escenas antológicas en los combates en el cuadrilátero.

Fuentes.

Costa, Jordi. El arte de resistir. “El País” (29-I-2016) 30. Notable; la considera la mejor de la saga.

viernes, 31 de marzo de 2017

The Admiral: Roaring Currents (2014), de Kim Han-min.

The Admiral: Roaring Currents (2014), de Kim Han-min.

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The Admiral: Roaring Currents (2014). Myeong-ryang. Corea del Sur. Género: histórico. Duración: 122 minutos. Dirección: Kim Han-min. Intérpretes: Choi Min-sik, Ryu Seung-ryong. Guión: Jeon Chul-hong y Kim Han-min. Música y fotografía: Kim Tae-seong.

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Monumental film que muestra la heroica lucha en 1597 del almirante coreano Yi Sun Sin y sus escasos hombres contra los muy superiores en número invasores japoneses, en la decisiva batalla naval de Myeongnyang.

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Es la película más vista en la historia del cine surcoreano, un éxito basado en la importancia de su épica historia, los enormes medios que se usaron y unas interpretaciones excelentes, sobre todo del famoso Min-sik en el papel del almirante. Probablemente tiene las mejores escenas de combate naval de la historia del cine.

FUENTES.