Historiadores de Arte: Francia.
Introducción.
En París la formación superior en historia del arte se
ha centrado en el Institut d'Art et Archéologie, en la rue Michelet, creado en
1927 gracias a la
Fondation Jacques Doucet. Tiene medios anticuados e
insuficientes. Faltan bibliotecas y fondos iconográficos, medios informáticos,
seminarios especializados con menos alumnos/profesor... pese a que desde los
años 1990 ha aumentado mucho el número los estudiantes universitarios de
historia del arte.
En Francia la situación de la enseñanza de arte en
secundaria es penosa, con poco profesorado, mal preparado (no hay CAPES de la
especialidad para su preparación), sin suficientes materiales pedagógicos.
La BN Bibliothèque d'art et
d'archéologie-Fondation Jacques Doucet, consultable en la salle Ovale de la Bibliothèque Na tionale
(aunque sólo con 43 plazas, saturada como las otras desde las 9.30). Tiene 450.000 obras (100.000 catálogos, la colección más completa
del mundo), 4.500 publicaciones (1.500 vivas). Tiene enormes fondos especializados
de grabados antiguos, libros de fiestas, ceremonias, estampas modernas,
fotografías, manuscritos, autógrafos, libros raros...
Bibliothèque centrale des
musées nationaux. En el Palais du Louvre (Cour Carrée), especializada en textos
sobre las obras más que en historia del arte. 150.000 libros, 2.088 publicaciones
(1.000 vivas). Especializada en catálogos de museos y exposiciones,
publicaciones museales, obras de antigüedad egipcia y del Próximo y Medio
Oriente, y pintura italiana.
Bibliothèque de l'Ecole
nationale supérieure des beaux-arts (Ensb-a). Archivos de la Academie Royale de
peinture et sculpture, estampas (100.000), dibujos, proyectos de arquitectura, fotografías.
200.000 obras (120.000 libros).
Bibliothèque de l'Ecole des
chartes. Se centra en historia de Francia. Una parte importante para su arte
y arqueología, con unas 100.000 obras y 350 revistas vivas.
Otras bibliotecas importantes en París son la de los
Imprimés, BPI; Forney, Arts Décoratifs, BHVP, Sainte-Geneviève, Sorbonne y las
de los museos: Louvre (peintures et dessins), Guimet (artes asiáticas),
Saint-Germain-en-Laye (antigüedades), MNAM (siglo XX).
Se ha promovido en París el Institut National d'Histoire
de l'Art (Inha), rue Richelieu, en Tolbiac, que será dirigido por Michel
Laclotte (antiguo director del Louvre) y que contará con el edificio de la
antigua Bibliothèque Nationale (la sala de lectura será la famaosa Salle Labrouste,
con 360 plazas) y poseerá una biblioteca enorme (suma de la Doucet, la Cen trale des Musées Nationaux,
l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts y l'Ecole de Chartres). Habrá
70.000 obras con libre acceso y más de un millón en el fondo, además de los
servicios de fototeca, hemeroteca... En el centro se dará la enseñanza
superior, la investigación del patrimonio... [Lasnier, Jean-François. Institut National d'Histoire de l'Art. L’Odysée d’un espace. “Beaux Arts Magazine”, 225
(II-2003) 58-63.]
Listado de Historiadores de Arte.
André Félibien (1619-1695; Conferencias, 1666-1688), Roger de Piles
(1635-1709), Jean-François Félibien (1658-1733, gótico francés), Michel Félibien
(1665-1719, arte medieval), Comte de Caylus (1692-1765, arte antiguo),
Jean-Baptiste Descamps (1706-1791, biografías),
Charles Batteaux (1713-1780), Denis Diderot (1713-1784, filosofía, novela, teatro,
crítica de arte), Julien-David Le Roy (1724-1803, arquitectura griega),Vivant Denon
(1747-1825, arte egipcio), Toussaint-Bertrand Éméric-David (1755-1839, escultura
clásica y medieval), Alexandre Lenoir (1762-1839, director de museo), Charles Gerville
(1769-1853, arte medieval), Etienne Jean Delécluze (1781-1863, crítica de arte antirromántico),
Jacques Ignace Hittorff (1792-1863, arqueología, historia de arquitectura), Guillaume-Abel
Blouet (1795-1863, arquitecto, historia de arquitectura),
Arcisse de Caumont (1801-1873, arqueología
y escultura románica), Adolphe Didron (1806-1867, iconografía), Emile Prisse d’Avennes
(1807-1879, arte árabe), Charles Cahier (1807-1882), León de Laborde (1807-1862,
grabados, arqueología en Petra), Henri Delaborde (1811-1899, grabado), Théophile
Gautier (1811-1872, poesía, crítica de arte y teatro), Eduard Kolloff (1811-1879,
de origen alemán; Rembrandt, grabados), Charles Blanc (1813-1882), Jules Champfleury
(1820-1889, crítica de arte), Eugène Fromentin (1820-1876, pintura; crítica), Charles
Clément (1821-1887, Géricault), Auguste Mariette
(1821-1881, arqueología en Egipto), Goncourt
[Edmond de Goncourt (1822-1896) y Jules de
Goncourt (1830-1870), novela, crítica de arte e historia del arte), Léopold
Delisle (1826-1910, miniaturas medievales), Hyppolite Taine (1828-1893, historia
del arte francés), Melchior Vogüé (1829-1916, arqueología e historia de arquitectura
medieval en Oriente Medio), Edouard Corroyer (c.
1837-1904, arquitectura gótica), Georges Lafenestre (1837-1919, curador de museo,
Renacimiento), Henri Havard (1838-1921, pintura holandesa), Jean Guiffrey (1840-1918,
tapices franceses de ss. XVII y XVIII), August Choisy (1841-1909, arquitectura
antigua), Louis Courajoud (1841-1896, escultura), Marcel Dieulafoy (1844-1920, arquitectura
persa), Gaston Maspero (1846-1918, arqueología
egipcia), Frantz Jourdain (1847-1935), Robert
de Lasteyrie (1848-1921, arqueología medieval), Henri Béraldi (1849-1931), Léon-Maxime
Collignon (1849-1917, escultura griega),
Jules Martha (1853-1932, arte etrusco),
André Michel (1853-1925, historia del arte), Emmanuel Bénézit (1854-1920, diccionario
de artistas), Fernand Cabrol (1855-1932), Paul Durrieu (1855-1925, miniatura y pintura
medieval), Salomon Reinach (1858-1932, arqueología de prehistoria, simbolismo mítico),
Léonce Bénédite (1859-1925), Charles Diehl (1859-1944, arte bizantino), Gustave
Kahn (1859-1936, crítica de arte, historia de pintura simbolista),
Camille Enlart (1862-1927, arquitectura
gótica francesa e italiana), Eugene Lefevre-Pontalis (1862-1923, arqueología medieval),
Émile Mâle (1862-1954, iconografía cristiana), Paul Jamot (1863-1936, curador de
museo), Fernand Engerand (1867-1938, arte francés s. XVI),
Eduard Fuchs (1870-1940, de origen alemán;
marxista, Daumier), Marcel Laurant (1872-1946, profesor en Lieja; historia del arte),
Élie Faure (1873-1937, historia del arte), Paul-André Lemoisne (1875-1964, impresionismo,
Degas), Otto Grautoff (1876-1937, de origen alemán; arte barroco francés, Poussin),
Henri Breuil (1877-1961, arqueología de prehistoria, arte rupestre),
Guillaume Apollinaire
(1880-1918, crítica de arte), Henri Focillon
(1881-1943, profesor, arte medieval, Románico), Louis Réau (1881-1961, iconografía
cristiana), George Besson (1882-1971, crítica de
arte), André Salmon (1882-1969, crítica de
arte), Francis Dvornik (1883-1975, arte bizantino y eslavo), Marcel Aubert
(1884-1962, arte medieval), Louis Hautecoeur (1884-1973, curador, arte rococó y
neoclásico), Maurice Raynal (1884-1954, crítica de
arte), Paul Deschamps (1885-1974, escultura románica y arquitectura de las
Cruzadas), Pierre Lavedan (1885-1982, historia de arquitectura y urbanismo, arte
contemporáneo), André Lhote (1885-1962, pintura,
crítica de arte y teoría del arte), André Warnod (1885-1960, crítica de arte), Jean Babelon (1889-1978),
Pol Abraham (1891-1966), Georges Duthuit (1891-1973, crítica de arte), Waldemar
George (1893-1970, de origen polaco; crítica),
Jean Charbonneaux (1895-1969, arte antiguo), André
Breton (1896-1966, novela, poesía, crítica de arte, ensayo), Lotte Eisner (1896-1983,
de origen alemán; expresionismo alemán y cine), André Grabar (1896-1990, de origen ucranio, arqueología e iconografía
cristiana, arte medieval y bizantino), Sirarpie der Nersessian (1896-1989,
arte armenio y bizantino), Jean Cassou (1897-1986,
arte contemporáneo), Christian Zervos (1899-1970,
crítica de arte, editor),
Pierre Francastel (1900-1970, historia
social del arte y arquitectura), Germain Bazin (1901-1990, Barroco), Robert Lebel
(1901-1986, ensayo, connoisseur), Pierre
Courthion (1902-1988, de origen suizo; crítica, arte contemporáneo), Françoise Henry
(1902-1982, arte celta), Jean Hubert (1902-1994, conservador de museo), Achille
Carlier (1903, historia de arquitectura, arte
medieval), René Jullian (1903-1992, escultura románica), Jules Leroy (1903-1979,
iconografía de frescos y manuscritos cristianos de Oriente Medio), Georges Sadoul
(1904-1967, historia del cine), René Huyghe (1906-1997, curador de museo, historia
psicológica del arte, estética), Henry Paul Eydoux (1907-1986, historia de arquitectura),
Eugène Guillevic (Carnac, 1907-París, 1997, poesía), Jean Adhémar (1908-1987), Jean
Bony (1908-1995, profesor en EE UU, arquitectura gótica), Anatole Jakovski (1909-1981, crítica de arte), Michel
Tapié (1909-1987, crítica de arte),
Louis Grodecki (1910-1982, de origen polaco;
arte medieval, Románico, vitral románico y gótico), Jacques Lassaigne (1910, crítica de arte, arte contemporáneo), André Chastel
(1912-1990, Renacimiento), Gaston Diehl (1912-1999, crítica de arte), Michel Faré
(1913-1985, bodegón), André Verdet (1913-2004, crítica
de arte), Christine Desroches Noblecourt (1913-2011, arqueología, egiptología),
Jean Bouret (1914-1979), Pierre Cabanne (1914-2007, Picasso), Bernard Dorival (1914-2003,
director de museo, arte contemporáneo), Gaëtan Picon
(1915-1976, arte contemporáneo), Marcel Durliat (1917-2006, arte medieval), Philippe
Jullian (1919-1977, biografías de historia de arte y literatura),
Jean Leclant (1920-2011, arqueología, egiptología),
Dora Vallier (1921-1997, arte contemporáneo), Pierre Daix (1922, Picasso), Yves
Bonnefoy (1923, arte contemporáneo), Michel Laclotte (1923 o 1930, director de museo,
arte contemporáneo), Michel Ragon (1924, arte contemporáneo, abstracción), Michel
Sanouillet (1924, dadaísmo), Yves Bottineau (1925-2007, arte barroco, conservador
del Louvre y Versalles), Jacques Kober (1925, crítica
de arte), Jacques Dupin (1927-2012, poesía, crítica de arte contemporáneo,
Miró), Georges Raillard (1927, arte contemporáneo,
Miró), Hubert Damisch (1928, Renacimiento, estética),
Pierre Restany (1930-2003,
crítica de arte), Gilles Néret (1933,
arte contemporáneo), Catherine Brisac (1935-1991, vitral), Pierre Rosenberg (1936,
arte contemporáneo), Jean-Luc Daval (1937), Alain Erlande-Brandenburg (1937, Gótico),
Jean Clair (Gérard Régnier) (1940, arte
contemporáneo), Roland Recht (Estrasburgo, 1941, patrimonio, Gótico, arte contemporáneo),
Daniel Arasse (1944-2003, Renacimiento), Yves Michaud (1944, estética, arte contemporáneo),
Rainer Rochlitz (1946-2002), Catherine Millet (1948, crítica de arte, comisaria),
Yve-Alain Bois (1952, arte contemporáneo),
Olivier Debroise (Jerusalén, 1952-2008, residente en México desde 17 años; curador
de museo, historiador, crítica de arte, cineasta y novela en lengua española), Emmanuel
Guigon (Besançon. 1959, arte contemporáneo),
Nicolas Bourriaud (1965, comisario de arte
contemporáneo), Karim Ressouni-Demigneux (1965, de padre marroquí y madre francesa;
arte religioso de Edad Media y Renacimiento, historia de teoría de arquitectura),
Adrien Goetz (1966),
Sylviane Agacinski (, arte contemporáneo), Louis Cardaillac (arte medieval),
Guy Cogeval (, curador y director de Musée d’Orsay), Pierre Descargues (, crítica
de arte, arte contemporáneo), Frank Elgar (, crítica de arte, arte contemporáneo),
Charles Estienne (, crítica de arte, arte contemporáneo), Serge Guilbaut (ensayo
de arte contemporáneo), Rémy Labrusse (, arte contemporáneo), Pierre Laclau (arqueología,
egiptología), Jean-Philippe Lauer (arqueología, egiptología), Guy Marester (, crítica
de arte), Pierre Montet (arqueología, egiptología), Guy Weelen (, arte contemporáneo,
Miró),
BIBLIOGRAFÍA.
Libros.
Artículos.
AA.VV. Histoire de l’art en France. “Beaux Arts”, 164 (XI-1997) 104-113.
HISTORIADORES
.
El arquitecto e historiador de arquitectura francés Pol Abraham
(1891-1966).
Pol Abraham (1891-1966),
arquitecto e historiador de la arquitectura medieval. Defendía que la boveda ogival gótica no era necesaria por razones estructurales,
sino ilusionistas, por la necesidad de hacer “parecer” fuerte al edificio.
El filósofo y
crítico de arte francés Georges Didi-Huberman (1953).*Tiene entrada propia.
La filósofa polaco-francesa
Sylviane Agacinski (1945).
La filósofa polaco-francesa Sylviane Agacinski. Esposa
del líder socialista Lionel Jospin. Profesora de filosofía en la Escuela de
Altos Estudios de Ciencias Sociales de París, se ha centrado en sus últimos trabajos
en las nociones artísticas, con especial atención a la arquitectura, la ciudad y
la pintura. Autora en 1996 de
Critique de l'égocentrisme, l'événement. En 1997 ha publicado Volumen, philosophies et politiques de l'architecture.
El filósofo y
crítico de arte francés Gaston Bachelard.
Bachelard, Gaston. La
poética del espacio. FCE. México. 1975 (francés 1957).
El filósofo y
crítico de arte francés Baudrillard.
Wallis, Brian (ed.). Art
After Modernism: Rethinking Representation. New Museum of Contemporary Art.
Nueva York. 1984. 461
pp. Ensayos críticos de Acker, Barthes, Baudrillard, Benjamin...
Carrier, David. Baudrillard as philosopher or, The
End of abstract painting. “Arts Magazine”, v. 63
(IX-1988) 52-60.
El
editor de arte francés Pierre-André Benoit (1921-1993). Su relación con Joan
Miró.*
El critico de arte francés Georges Bernier.
Bernier, Georges. The
Selective Eye. An anthology of the best from l’Oeil, the European art magazine,
edited by Georges and Rosamond Bernier. Reynald. Nueva
York. 1956. 190 pp. más 51 ilustraciones en color.
Bernier, Georges. La Revue blanche. Hazan. París.
1991. 325 pp. Publicada en París (1889-1903); redactor Félix Fénéon, participación
de Proust, Gide, Jarry (136-145), Mallarmé, Apollinaire...; ilustraciones de Bonnard,
Toulouse-Lautrec, Vuillard...
El
crítico de arte francés George Besson 1882-1971). Su relación con Joan Miró.*
El
crítico de arte francés Jean Bouret (1914-1979). Su relación con Joan Miró.*
El crítico de
arte francés Nicolas Bourriaud (1965).
Nicolas Bourriaud (1965), comisario y
crítico de arte contemporáneo, fundador de la revista
“Documents sur l'art” (1992). Está muy influenciado por la teoría de Rosenberg,
pero considera que la Action Painting es sólo un momento particular de un
proceso mucho más largo que tiende a la autonomía del gesto en relación al objeto,
una característica fundamental de la modernidad y que fundamenta una nueva cultura
visual.
Otorga a los modos de producción (entendidos como modos
de vida) una dimensión ética, siendo el arte la conciencia crítica de dichos modos
de producción.
Distingue la “actitud” (lo que define un territorio artístico)
y el “comportamiento” (que se refiere al individuo dentro de la sociedad).
Opina que el arte actual es “ético”, pero puede que no
sea “estético”.
Rechaza la asimilación de los conceptos de estilo y lenguaje.
El estilo no organiza el pensamiento, sino que en el seno de este pueden convivor
varios estilos.
Sostiene que la autonomía del arte, que era la máxima
pretensión de la modernidad, ya ha sido ganada, pues los artistas actuales gozan
de una autonomía indiscutible. Es una autonomía de las formas que ha sido el instrumento
del arte para liberarse de las tutelas ideológicas. Predica la necesidad de una
segunda modernidad (pese a que se le pueda acusar de posmoderno): una modernidad
con un lazo social. «L'autonomie
a été une conquête moderne; ce qu'il faut reconquéror aujourd'hui, c'est au contraore
le lien social. Les conquêtes d'hier sont les académismes d'aujourd'hui...» [Diálogo Nicolas Bourriaud-Catherine Millet. La fluidité de l'art (38-45), en AA.VV. Dossier: Les nouveaux
enjeux de la critique d'art. “Art
Press”, 198 (I-1995) 37-50, cit. p. 44]
Defiende a artistas de la generación
de los años 80 como Mark Dion, Peter Fend, Gonzalez-Torres, Horakawa, Höller, Pierre
Joseph, José Orozco, Philippe Parreno, Toravanija, Van Caeckenberg... que trabajan
en un cuadro social extenso, en sociedad.
Nicolas Bourriaud señala que: «Fort
heuresement, la politique n'est pas soluble dans l'esthètique. Seuls les régimes
totalitaores traduisent systématiquement les idées en formes: le stalinisme ou
le nazisme sont des esthétiques de la foule. Aujourd'hui, dans les démocraties occidentales,
la politique se contente de gérer la distribution d'images types.» [Bourriaud,
Nicolas. Formes de lutte. “Beaux Arts”, 158 (VII-1997) 47.]
El
editor de arte francés Louis Broder (¿?-1971). Su relación con Joan Miró.*
El historiador
de arte francés Pierre Cabanne (1914-2007).
Pierre Cabanne (Carcasona, 1914-París, 2007).
Historiador de arte francés. Profesor en la École Nationale Supérieure des Arts
Décoratives. Comenzó como periodista en diarios como Combat y Le Matin, pero
alcanzó la fama con sus libros sobre artistas contemporáneos, especialmente
Picasso (The Age of Picasso), y
Duchamp (Dialogues with Marcel Duchamp,
1966), una guía de los museos franceses y diccionarios de arte y artistas.
Su interés profesional por Joan Miró fue escaso,
limitado a dos artículos con comentarios positivos pero que denotan cierto
distanciamiento crítico y breves referencias en libros generalistas.
Fuentes.
Libros.
Cabanne, P. Van Gogh. Thames & Hudson. Londres. 1963 (1961 francés). 288 pp.
Cabanne, Pierre. Conversaciones con Marcel Duchamp. Anagrama. Barcelona. 1972 (francés 1967). 187 pp.
Cabanne, Pierre. Les 3 Duchamp. Jacques Villon. Raymond Duchamp-Villon. Marcel Duchamp. Ides et Calendes. Neuchatel. 1975. 270 pp.
Cabanne, P. Pablo Picasso: His Life and Times. Ed. Morrow & Co. Nueva York. 1977. 606 pp.
Cabanne, P. Diccionario Universal del Arte. Arcos Vergara. Barcelona. 1979 (francés 1975). 5 vols.
Cabanne, P. El Siglo de Picasso. Ministerio
Cultura. Madrid. 1982. 2 vs. I. El nacimiento del cubismo. Las metamorfosis
(1881-1937). II. La Guerra. Gloria y soledad (1937-1973). 484 pp.
Cabanne, P. El arte del siglo XX. Polígrafa. Barcelona. 1983 (1982 francés). 351
pp.
Cabanne, P. Jean Fautrier. Ed. de la Différence. París. 1988. 167 pp.
Cabanne, P. Clavé. Ed. de la Différence. París. 1990. 381 pp.
Cabanne, P. Gérard Carouste. Ed. de la Différence. París. 1990. 167 pp.
Artículos.
Cabanne, Pierre. Miró l’enchanteur. “Lectures pour tous”, 123 (III-1964) 76-83.
Cabanne, P. Pardon M. Miró.
Voulez-vou me dire où vous allez? “Arts Loisirs”, 83 (26-IV y 2-V-1967)
40-41.
El
historiador de arte y museógrafo francés Jean Cassou (1897-1986). Su relación con
Joan Miró.*
El historiador
de arte francés Bernard Ceysson.
Boudou, Dominique. Entrevista con
Ceysson. Après le chaos. Les années 50 de Bernard Ceysson. “Beaux-Arts”,
París, 117 (XI-1993) 60-66. Ceysson era en 1993 conservador del Musée d’art moderne
de Saint-Etienne.
El historiador
de arte francés André Chastel (1912-1990).
André Chastel (París, 1912-1990). Historiador de arte
francés, profesor de la Sorbona (1955-1971) y del Collège de France (desde
1971).
Chastel interpretó (tesis de 1950, publicada en libro de 1959) que el neoplatonismo florentino era el movimiento espiritual que explicaba las formas del Renacimiento florentino, y que como tal pensamiento se correspondía con la Historia de su sociedad (las clases sociales, la economía, el poder, la cultura). Negaba, pues, la tesis de la autonomía del Arte.
Dedicó sus estudios posteriores también al Renacimiento italiano, del que analizó tanto sus aspectos culturales y filosóficos como los acontecimientos históricos, e interpretó que el neoplatonismo florentino era el movimiento espiritual que explicaba las formas del Renacimiento florentino, y que como tal pensamiento se correspondía con la historia de su sociedad (las clases sociales, la economía, el poder, la cultura); negó, pues, la tesis de la autonomía del arte. Sus principales obras son El arte italiano (1956), Arte y humanismo en Florencia en tiempo de Lorenzo el Magnífico (1959; tesis de 1950) y El Renacimiento meridional: Italia 1460-1500 (1965).
Chastel interpretó (tesis de 1950, publicada en libro de 1959) que el neoplatonismo florentino era el movimiento espiritual que explicaba las formas del Renacimiento florentino, y que como tal pensamiento se correspondía con la Historia de su sociedad (las clases sociales, la economía, el poder, la cultura). Negaba, pues, la tesis de la autonomía del Arte.
Dedicó sus estudios posteriores también al Renacimiento italiano, del que analizó tanto sus aspectos culturales y filosóficos como los acontecimientos históricos, e interpretó que el neoplatonismo florentino era el movimiento espiritual que explicaba las formas del Renacimiento florentino, y que como tal pensamiento se correspondía con la historia de su sociedad (las clases sociales, la economía, el poder, la cultura); negó, pues, la tesis de la autonomía del arte. Sus principales obras son El arte italiano (1956), Arte y humanismo en Florencia en tiempo de Lorenzo el Magnífico (1959; tesis de 1950) y El Renacimiento meridional: Italia 1460-1500 (1965).
Chastel, André. L’histoire de l’art, fins et moyens. Flammarion. París. 1987.
Chastel, André. Julius von
Schlosser et la “Kunstliteratur”. “Cahiers MNAM”, París, 14 (1984) 38-43.
El historiador
de arte francés Jean Clair (1940).
Jean Clair (seudónimo
de Gérard Régnier) (1940), especialista en arte contemporáneo y exdirector del Musée Picasso de París. nos alerta sobre el dogmatismo de asociar modernidad y progresismo,
un mito que ha prevalecido hasta la caída del imperio comunista en 1989, en estos
términos:
«la modernité par essence, a
toujours été cosmopolite, voore internationaliste lorsque, dans l’union soviétique,
elle identifiait ses entreprises formelles aux enjeux de la Révolution. Elle a
toujours été du côté de la démocratie. Elle a incarné de bout en bout les valeurs
de la résistence à l'oppresion, de la liberté de l'esprit, et bien entendu, du
pouvoor créateur de l'individu face à la tyrannie de masses. Enfin, ell a accompagné
de ses audaces et de ses innovations formelles le progrès des sciences et des techniques
pour améliorer le bonheur de l'humanité. L'histoire de l'art moderne serait paradigmatique
de l'avancement de l'esprit humain. Ses productions, si précieusement acquises
pas les Etats et conservées dans des musées, seraient en conséquence, non seulement
les morabilia mais plus encore les exempla de notre civilisation, telle qu'elle
est née de l'anthropologie laîque des Droits de l'Homme. D'un sujet qui aurait
conquis son autonomie, l'oeuvre d'art serait le temoin le plus pur et la secrétion
la plus précieuse. Rien ne nous serait plus cher que ces productions du génie humain
qui témoignent, libérées désormais de la tutelle des dieux et des tyrans, de son
pouvoor et de sa liberté infinis. En conséquence, le culte de l'art serait la religion
de l'homme aujourd'hui, qui réunit les membres de la nouvelle Ecclesia des hommes
modernes. A ce titre, mettre en doute sa nature, attender à sa réputation, douter
de son message, serait commettre un sacrilège.» [Clair, Jean. La responsabilité
politique de l'artiste. “Connaissance des Arts”, 544 (XI-1997) 116-118, cit.
116.]
Clair, Jean. Elogio de lo visible.
Seix Barral. Barcelona. 1999 (Gallimard, 1996). 257 pp.
Subtítulo: Fundamentos imaginarios de la ciencia.
Clair, Jean. Malinconia. Visor. Madrid. 1999 (1996 francés). 199 pp.
Clair, Jean. Lección de abismo. Nueve
aproximaciones a Picasso. La Balsa de la Medusa. Madrid.
2008. 264 pp.
Clair, Jean. La responsabilité politique de l’artiste.
“Connaissance des Arts”, 544 (XI-1997) 116-118.
El editor de arte francés José Corti (1895-1984). Su relación con Joan Miró.*
El historiador de arte francés Pierre Daix (1922-2014)..
Pierre Daix (1922-París, 2014),
novelista, periodista, crítico e historiador de arte.
Vicente, Álex. Pierre Daix, biógrafo de Picasso y testigo de una era. “El País”
(4-XI-2014) 44.
Libros.
Daix, Pierre. La vida de pintor de Edouard Manet.
Arcos Vergara. Barcelona. 1985 (1983 francés). 217 pp.
Daix, P. Diario del cubismo. Skira-Destino. Ginebra. 1991 (1982).
170 pp.
El historiador
de arte francés Marcel Durliat.
Durliat, Marcel. El Arte Románico en España. Juventud.
Barcelona. 1964. 248 pp.
Durliat, Marcel. Introducción al Arte medieval en
Occidente. Cátedra.
Madrid. 1985. 378 pp.
El historiador
de arte francés Henri Focillon (1881-1943).
Henri Focillon (Dijon, 1881-New Haven, 1943), experto
en arte medieval mas investigador de numerosos temas.
Entre sus obras, destacan Piranesi (1918), Hokusai
(1924), El arte de los escultores románicos (1931), La vida de las formas
(1934), El arte de Occidente (1938) y El año mil (1942).
El historiador
de arte francés Pierre Francastel (1900-1970).
Pierre Francastel (París, 1900-1970), profesor de historia social del arte
y arquitectura de la Universidad de Estrasburgo y de la Sorbona de París, y estudió el arte francés e italiano, en especial la época moderna.
En El espacio figurativo del Renacimiento al cubismo (1951), realiza una
investigación sociológica sobre la base de los resultados de la antropología y
de la psicología genética.
Francastel entendió la historia del arte como una
reflexión acerca de lo imaginario en la que se conjugan múltiples enfoques, dado
que para apreciar el valor y el significado de la obra artística como documento
histórico (más verídico que el escrito) es necesario utilizar tanto criterios
propiamente estéticos como pautas interpretativas que la sitúen en su contexto
social, temporal y humano, para imbricar el arte en el conocimiento de las sociedades.
Según su criterio (al que hemos de añador tantas aportaciones posteriores del estructuralismo)
se puede aplicar al artista un modelo estructural, que evoluciona conformado por
unos nodos o nodalidades, cada uno de ellos fruto del anterior y semilla del posterior,
y además relacionado con su contexto histórico, cultural, artístico, social, en
múltiples flujos (poesía, mercado artístico, las influencias de otros artistas,
etc.). Este criterio es sin duda el más fácilmente matrimoniable con el método inductivo,
pues permite incorporar los datos ganados por este al edificio estructural levantado
a priori según el método deductivo. Empero, y en ello no le seguimos metodológicamente,
Francastel defendía su método y sus presupuestos teóricos como los únicos enteramente
válidos para el conocimiento de la sociología del arte, lo que le emparenta con
el mismo idealismo hegeliano que rechazaba. Para Francastel la obra no era independiente:
«Es absolutamente falso pensar que las obras de arte
(...) tengan una realidad y puedan ser creadas independientemente de la colaboración
de un artista creador y de un cierto círculo de testigos. La obra de arte no es
un objeto natural más que agregar a la nomenclatura del creador; es un punto de
encuentro de los espíritus, un signo de enlace con tanto derecho como todos los
demás lenguajes.» [Francastel. Sociología
del arte. 1975 (1970): 10.]
Esto es tanto más importante pues considera que «Nuestra
época está enamorada de la idea del signo.» [11] y cita como autoridad un texto
de Henri Matisse: «Cada obra es un conjunto de signos, inventados durante la ejecución
y dictados por las necesidades el contexto. Desligados de la composición para
la que fueron creados, estos signos no tienen sentido alguno (...) / El signo tiene
vida propia en el momento en que yo lo empleo y para el objeto del cual debe participar.»
[24]
Francastel esboza uno de los criterios básicos en Historia
del Arte, la de considerar una selección de obras de arte en relación con su contexto,
para iluminar su sentido como lenguaje de comunicación, y toma este método del
sociólogo Emile Durkheim, para el cual: «es la novedad de la combinación lo que
hace la novedad del resultado; lo cual conforma la importancia crucial que reviste,
para las investigaciones del tipo que yo propongo, el estricto análisis dorecto
de obras de arte debidamente seleccionadas en función de sus particularismos y
teniendo en cuenta su influencia ulterior.» [32]
Los tres ejes fundamentales de la teoría de Francastel
son: Las relaciones de la sociología del arte con las demás disciplinas. La dialéctica
de lo real y de lo imaginario a través de la noción del “objeto figurativo”. La
relación del artista con la sociedad.
Primero, las relaciones de la sociología del arte con
las demás disciplinas. Su concepto más interesante es el del “pensamiento plástico”
conformado por un “sistema de significación” autónomo de los demás modos de pensar
humanos. Nuestra sociedad es un reino de las imágenes, tras un largo paréntesis
histórico dominado por un reino de las palabras (el signo escrito), por lo que es
preciso que conozcamos las imágenes que usamos.
La obra de arte debe ser entendida como un hecho técnico,
un producto de la psicología colectiva y un testimonio sociológico. No debemos
caer en un determinismo absoluto, pues el artista (desde el Renacimiento) pocas
veces obedece servilmente al mecenas: «le mécénat utilise et soutient l'art, il
ne l'engendre pas». Francastel no establece una distinción entre arte y técnica:
siempre están ligados el uno a la otra. Por último, la obra de arte (reveladora
de saberes técnicos y esquemas mentales) es un documento histórico, más verídico
que el escrito.
Segundo, la dialéctica de lo real y de lo imaginario a
través de la noción del “objeto figurativo”. El “objeto figurativo” es un objeto
de civilización: «A través de todas las civilizaciones se constata la existencia
de objetos materiales portadores de significaciones que los apartan de su uso original
sin modificar su apariencia», por lo que Francastel afirma el compromiso social
del arte y el interés por conocer el arte para el conocimiento de las sociedades.
Tercero, la relación del artista con la sociedad. El artista
representa a menudo la mentalidad oculta de la sociedad en lucha con la ideología
del poder establecido (las representaciones populares en el Barroco se oponen al
arte del poder).
Como señala Francastel respecto al pensamiento visual en
el Quattrocento [Francastel. La figura y el lugar. 1988.], la pintura constituye
un sistema autónomo de signos que de manera activa organiza un campo determinado
y limitado de la experiencia para integrar una de las formas permanentes de la
razón selectiva, o sea, no sólo la realidad, sino también las estructuras de lo
imaginario.
Francastel, Pierre. Historia de la pintura francesa. Alianza Forma. Madrid. 1970. 537 pp.
Francastel, Galienne y Pierre. El retrato. Cátedra.
Madrid. 1978. 236 pp.
Francastel, Pierre. El impresionismo. Bruguera. Barcelona. 1983 (1974, póstumo). 223 pp.
Francastel, P. Pintura y sociedad. Cátedra. Madrid. 1984. 280 pp.
Francastel, P. Pintura y sociedad. Cátedra. Madrid. 1984. 280 pp.
Francastel, P. La figura y el lugar. Laia.
Barcelona. 1988 (1967 francés). 303 pp. El pensamiento visual en el Quattrocento.
Francastel, P. El marco imaginario de la expresión figurativa.
Paidós. Barcelona. 1988. 253 pp.
Francastel, P. El objeto figurativo y su testimonio
en la historia. Paidós. Barcelona. 1988. 267 pp.
Francastel, P. Sociología del Arte. Alianza. Madrid.
1990. 203 pp.
Francastel, P. Arte y técnica en los siglos XIX y XX. Debate. Madrid. 1990. 287 pp.
El crítico de
cine francés Guy Gauthier (1930-2010).
Guy Gauthier (1930-2010) es un prestigioso crítico de
cine que también ha teorizado sobre el arte contemporáneo. Destaca en su
producción teórica: Veinte lecciones sobre la imagen y el sentido
(1986), un libro excelente sobre la imagen, en especial en el cómic y la
publicidad.
Guy Gauthier nos explica que, antes de ser representada,
la imagen debe ser presentada: las imágenes están culturalmente codificadas,
sometidas a las diacronías de los procesos históricos, pues «toda imagen, incluso
la más realista, desvela al espectador perspicaz tanto un sistema de representación
como un objeto exterior» [162]. Ya Gombrich había escrito: «Todas las imágenes
deben más a otras imágenes que a la naturaleza» [Gombrich. Meditaciones
sobre un caballo de juguete. 1968: 20.], o como dice John Berger: «(...) Solamente
vemos aquello que moramos. Y morar es un acto voluntario (...) Nunca moramos
sólo una cosa; siempre moramos la relación entre las cosas y nosotros mismos».
[Berger; et al. Modos de ver. 1975: 14.] Gauthier advierte que en el Nouveau
Roman francés la naturaleza auténtica es la del «pequeño hecho auténtico, el
detalle verdadero» (Nathalie Sarraute), que es el que nos describe la verdad de
un mundo que no es ni racional ni absurdo, que simplemente está ahí, como dice Alain
Robbe-Grillet: «A nuestro alrededor y a pesar de los adjetivos con los que queremos
dotarle de alma y de finalidad, las cosas están ahí. Su superficie está limpia
y lisa, está intacta, pero sin brillantez ni transparencia equívocas» [cit.
Fischer, E. El artista y su época. 1972: 20-21.].
El crítico de
literatura francés Gérard Genette (1930).
Gérard Genette (París, 1930), es un famoso crítico de
literatura francés. Se ha preocupado por la estética, siguiendo en gran parte las
ideas de Goodman.
Genette distingue entre trascendencia e inmanencia. La
inmanencia es el modo en que una obra de arte “reside” en un objeto, en estado
latente. La trascendencia es el modo en que la obra de arte “sale” fuera del objeto.
[Francblin, Catherine. Entrevista. Gérard
Genette. The Work of Art. “Art Press”, 194 (IX-1994): 52.] Distingue la
pintura y la poesía en que aquélla es un objeto físico y esta un objeto ideal
(mental), siguiendo fielmente la distinción de Goodman entre obras de arte autógrafas
y alógrafas. Mientras que los filósofos analíticos insisten en que la diferencia
entre un objeto ideal y uno físico es ontológica, Genette prefiere no usar este
término porque estas diferencias de categoría son determinadas por el uso y no
por la esencia. No hay razones de “esencia”, ontológicas, para explicar si un libro
es una obra de arte o está hecho para leer, sino razones de “uso”, de intervención
humana práctica.
El historiador de arte francés Serge Guilbault.
Serge Guilbaut considera que “la fuerza” de la nueva historiografía
reside en su disolución interdisciplinar y la consiguiente sustitución del
Historiador por el “escritor” de Arte.
Guilbault, Serge. De cómo Nueva York robó la idea del
Arte moderno. Mondadori. Madrid.
1990
Guilbaut, Serge. Voir ne pas
voir faut voir. Essais sur la perception et la non-perception des oeuvres. Jacqueline Chambon. Nimes. 1993. 247 pp.
Guilbaut, Serge. Los
espejismos de la imagen en los lindes del siglo XXI. Akal. Madrid. 2009. 202 pp.
La
socióloga de arte francesa Nathalie Heinich (Marsella, 1955).
Heinich
es una socióloga especialista en las relaciones sociales en el mundo artístico
actual.
Heinich,
Nathalie. L’élite artiste. Excellence et singularité en régime démocratique.
Gallimard. 2005. 370 pp.
Heinich,
Nathalie. El paradigma del arte contemporáneo. Estructuras de una revolución
artística. Casimiro. Madrid. 2017 (francés 2014). 384 pp. Reseña de Calvo
Serraller, F. Paradigma. “El País” (23-V-2017).
El historiador
de arte francés René Huyghe (1906-1997).
René Huyghe (Arras, 1906-París, 1997) Tratadista de arte
francés. Profesor de psicología del arte en el colegio de Francia (1950) e integrante
del cuadro administrativo del Louvre, dirigió la obra El arte y el hombre
(1958-1961). Es autor de Historia del arte contemporáneo (1934), Diálogo
con lo visible (1955), El arte y el alma (1961) y Formas y fuerzas
(1971). Gran conferenciante.
René Huyghe utilizaba un método de “lectura” de las obras
de arte consistente en un periodo de análisis seguido de otro periodo de síntesis.
Se basaba en la psicología del arte (el proceso mental del artista y del espectador,
lo subjetivo y lo objetivo) más que en la historia del arte (la investigación
de los documentos, sólo lo objetivo), aunque sin descuidar esta. [Huyghe. Conversaciones
sobre el arte. Respuestas
a Simon Monneret. 1984
(1980): 95-96.]
Fuentes.
Huyghe, René; Rudel, Jean (dirs.). El Arte y el mundo
moderno. Planeta. Barcelona. 1972 (1970 francés). 2 vols. I. 1880-1920.
392 pp. II. De 1920 a nuestros días. 432 pp.
Huyghe, René. Van Gogh. Flammarion. Paris. 1977.
Huyghe, René; et al. Un siècle
d'art moderne. L'histoire du Salon des Independants 1884-1984. Denoël. París.
1984. 295 pp.
Huyghe, René. L'art et l'angoisse
de notre temps. “CdA” 326 (IV-1979) 60-67. El
Arte no refleja la sociedad de su tiempo, pero sí sus angustias.
Huyghe, René (dir.). El Arte y el hombre. Planeta.
Barcelona. 1967 (1961 francés). 3 vols. 437, 469 y 592 pp.
Huyghe, René. Diálogo con el Arte. Labor. Barcelona.
1965. 447 pp.
Huyghe, René. Los poderes de la imagen. Labor. Barcelona.
1968. 304 pp. pp.
Huyghe, René. Conversaciones sobre el Arte. Respuestas a Simon Monneret. Emecé. Buenos Aires. 1984 (1980 francés). 197 pp.
Huyghe, René. El Arte y el mundo moderno. Planeta.
Barcelona. 1974. 2 vols.
El
editor de arte francés Iliazd (1894-1975). Su relación con Joan Miró.*
El
editor e impresor francés Guy Lévis-Mano (1904-1980). Su relación con Joan
Miró.*
El filósofo francés de estética Yves Michaud (1944).
Profesor
de filosofía en la Universidad de París I y crítico de Arte, fue director de la
École Nationale Supérieure des Beaux-Arts (1989-1995). Se inspira en David Hume,
Wittgenstein, Stanley Cavell, Richard Wollheim, Nelson Goodman…
Michaud,
Yves. L’artiste et les comissaires. 1989.
Michaud, Yves.
Enseigner l’art?. 1993.
Michaud, Yves.
La crise de l’art contemporain, utopie, democratie
et comédie. PUF. París. 1997.
Michaud, Yves. El juicio estético. Idea Books. 2002 (1998
francés). 95 pp.
La crítica de
arte francesa Catherine Millet.
Catherine Millet, crítica de arte, fundadora de “Art
Press” y comisaria de la Documenta 10 de Kassel (1997), alcanzó fama por sus
descocadas memorias eróticas.
Millet considera que el tiempo es el principal instrumento
del torrente de la ideología única que arrasa la memoria artística. [AA.VV. Dossier: Les nouveaux enjeux de
la critique d'art. “Art
Press”, 198 (I-1995) 37-50. Diálogo Nicolas Bourriaud-Catherine Millet. La fluidité de l'art (38-45).]
El
crítico de arte francés Georges Raillard (1927). Su relación con Joan Miró.*
El
crítico de arte francés Maurice Raynal (1884-1954). Su relación con Joan Miró.*
Raynal, Maurice. Jacques
Lipchitz. Bucher. París. 1947.
18 pp. 69 láms.
Raynal, Maurice. History
of modern painting. Skira.
Ginebra. 1940-1950. Ginebra. 3 vols.
La
crítica de arte francesa Nelly Richard (Caen, 1948).
Santos,
Juan José. Nelly Richard. ‘Ya no contamos con escalas de valor universales’.
“El País” Babelia 1.328 (6-V-2017).
El
etnólogo y museógrafo francés Paul Rivet (1876-1958). Su relación con Joan
Miró.*
El
museógrafo y etnólogo francés Georges-Henri Rivière (1897-1985). Su relación
con Joan Miró.*
El
crítico de arte francés André Salmon (1882-1969). Su relación con Joan Miró.*
El
editor franco-italiano Gualtieri Di San Lazzaro (1904-1974). Su relación con
Joan Miró.*
El escritor y crítico de arte francés Philippe
Sollers.
Amine, Patrick. Entretien
avec Philippe Sollers. “Beaux-Arts”, París, 158 (VII-1997) 48-51.
El
crítico de arte y artista francés Yvon Taillandier (1926). Su relación con Joan
Miró.*
El filósofo
francés Hippolite Taine.
Taine, en su Filosofía del arte, construye un método
para la ciencia de la Historia del Arte basado en el estudio científico del artista
y la obra de arte, determinados por tres factores: el ambiente (el principal, pues
en realidad integra los otros dos), el momento histórico y la raza. Italia y los
Países Bajos serán los bancos de pruebas de este método. Fusiona para ello tres
disciplinas: Filosofía, Historia y Arte, con un sentido hegeliano y determinista
del devenir histórico. El estudio de las obras de arte nos permite conocer al hombre,
pues «el estado de las costumbres y del espíritu es el mismo para el público y
para los artistas» y en sus obras sentimos a través de «la distancia de los siglos»
[Taine. Filosofía del arte. 1957: 22-23.]. Y su corolario, «para comprender
una obra de arte, un artista, un grupo de artistas, hay que representarse con
exactitud el estado general del espíritu y de las costumbres del tiempo a que pertenecen»
[Taine. Filosofía del arte. 1957: 25.].
El
crítico de arte y editor greco-francés Tériade (1897-1983). Su relación con
Joan Miró.*
El
crítico de arte francés André Verdet (1913-2004) y su relación con Joan Miró.*
El
crítico de arte francés André Warnod (1885-1960). Su relación con Joan Miró.*
El
editor de arte francés Christian Zervos (1889-1970). Su relación con Joan
Miró.*
La
editora de arte francesa Yvonne Zervos (1905-1970). Su relación con Joan Miró.*
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