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viernes, 8 de junio de 2012

El artista estadounidense Edward Hopper (1882-1967).

El artista estadounidense Edward Hopper (1882-1967).
Edward Hopper (1882-1967), maestro norteamericano de la pintura realista, retratista de sí mismo y de su esposa, refleja en sus obras los escenarios de una Norteamérica fría y distante, una premonición del decenio desangelado de los años 30 y una evocación de la frialdad de la existencia urbana. Fue también un excelente grabador aunque esta faceta es menos conocida. 

Hopper. Autorretrato (1925-1930). Óleo sobre tela (63.8 x 51.4). Col. Whitney Museum, Nueva York.
Fuentes.
<Edward Hopper>. Londres. Tate Modern (27 mayo-5 septiembre 2004). 70 obras. Cat. 96 pp.
*<Modern Life: Edward Hopper and His Time>. Hamburgo (2009-2010). Rotterdam (2010). Nueva York. Whitney Museum (28 octubre 2010-10 abril 2011). Obras de Hopper, John Sloan, Alfred Stieglitz… Comisarios: Barbara Haskell, Sasha Nicholas. Cat. 250 pp. Video de Barbara Haskell, y reseñas de Smith, Roberta. The Whitney’s Good Old Friend Is Joined by Some of His. “The New York Times” (8-X-2010). / Buddick, Ariella. Modern Life: Edward Hopper and His Time, Whitney Museum, New York. “The Financial Times” (2-XI-2010).
<Edward Hopper>. Madrid. Fundación Juan March (13 octubre 1989-4 enero 1990). Cat. 79 pp.
<Edward Hopper>. Madrid. Museo Thyssen-Bornemisza (12 junio-16 septiembre 2012). Comisario: Tomás Llorens. Reseña de De Diego, Estrella. Tiempos difíciles, como los nuestros. “El País” Babelia 1.075 (30-VI-2012) 19. Verdú, Vicente. Verdad y mentira en Hopper. “El País” (1-IX-2012) 36. 
Libros.
Goodrich, Lloyd. Edward Hopper. Abradale Press. Nueva York. 1983. 159 pp.
Marker, Sherry. Edward Hopper. Libsa. Madrid. 1991. 112 pp.
Lyons, Deborah. Edward Hopper. Pinturas y dibujos de los libros de cuentas. La Fábrica. Madrid. 2012. Reseña de Jarque, Fietta. Hopper, sociedad artística limitada. “El País” (3-VI-2012) 44-45.
O'Doherty, Brian. The Voice and the Myth. American Mas­ters. Thames & Hudson. Londres. 1988. 301 pp. Hopper, Davis, Pollock, De Kooning, Rothko, Rauschenberg, Wieth, Cor­nell.
Artículos.
Murat, Laure. Edward Hopper, l'Amérique à huis clos. “Beaux Arts”, 136 (julio-agosto 1995) 96-102.
Muñoz Molina, Antonio. Dos miradas americanas. “El País” Babelia 986 (16-X-2010) 10. Edward Hopper y Mark Rothko.
Boyero, Carlos. Edward Hopper: el cine también es usted. Y la soledad. “El País” (3-VI-2012) 44.
  

sábado, 2 de junio de 2012

El arte griego antiguo: La arquitectura.

HA 3 UD 7. ARTE GRIEGO. ARQUITECTURA GRIEGA ANTIGUA.

3. ARQUITECTURA GRIEGA ANTIGUA.
3.1. CARACTERÍSTICAS.
3.2. TEMPLO.
ÓRDENES ARQUITECTÓNICOS:
El orden como relación entre los elementos: columna y entablamento.
La distinción entre los órdenes griegos y romanos.
Dórico.
Jónico.
Corintio.
3.3. EVOLUCIÓN DE LA ARQUITECTURA:
PERIODO PREARCAICO.
PERIODO ARCAICO (VII-VI).
Características.
Evolución.
PERIODO CLÁSICO (V-IV).
Características.
Evolución:
1) Primera fase (480-450).
2) Segunda fase (450-400): la Acrópolis de Atenas.
3) Tercera fase (400-323).
PERIODO HELENÍSTICO (III-I).
Características.
Evolución.

3. ARQUITECTURA.
3.1. CARACTERÍSTICAS.
Notas definitorias de la arquitectura griega (y que en gran parte comparte con el arte) son las siguientes:
- Medida humana. Los edificios, incluso los templos, tienen una escala humana. Al construir sus edificios a la medida del hombre y con una preocupación por la apariencia exterior, que se inspira en la concepción del edificio como miembro de un conjunto, los griegos los circundan con un elemento, la columna, tratado como escultura, es decir, como una forma estética. Cada pueblo aporta elementos y peculiaridades a la columna; así surgen los tres órdenes clásicos: dórico, jónico y corintio.
- Proporción, armonía y simetría, de acuerdo con su ideal de belleza.
- Calidad técnica, garantizada por la repetición con ligeras variantes de unos tipos de edificios, de modo que se transforman en modelos constantemente perfeccionados. Los arquitectos griegos construyeron la mayoría de sus edificios en mármol o piedra caliza, utilizando la madera y las tejas para las techumbres.
Por todo ello, la arquitectura griega se centra sobre todo en un tipo de edificio, el templo y un único sistema arquitectónico, el adintelado (también llamado trilítico o arquitrabado, y constituido por una losa de piedra horizontal apoyada sobre dos soportes verticales). Buscaban una regla objetiva en cada una de las artes, análoga a las leyes de la naturaleza, y creían que el artista debía adecuarse a esta regla, aunque tenía libertad para variar lo no reglado.
Otros tipos de edificios son menos importantes, aunque destaca el teatro.

3.2. TEMPLO.
El templo es el edificio más importante, con la función de albergar la imagen antropomórfica de Dios, no a la reunión (la eklesía) los fieles.
- Sus orígenes están en el antiguo mégaron micénico, de sala central rodeada de columnas.
- Su ubicación fue generalmente exterior a la ciudad, en las acrópolis o en los santuarios (rodeados por la muralla o peribolo, con los edificios desordenados sin un eje de simetría, como en Olimpia, Delfos y Delos), sobre lugares elevados que favorecieran su observación en las procesiones sagradas así como su localización visual. Su emplazamiento era un lugar sagrado (témenos).
- Los materiales en los primeros templos fueron la madera y luego la piedra (sobre todo el mármol, como el del Pentélico o el de Paros), con sillares bien labrados, añadiendo policromía.
- Su planta es sencilla, rectangular, con tres piezas:




Un pórtico delante (pronaos), donde su colocaba el ara, para la celebración de los ritos en presencia de los fieles congregados ante el templo.
Una sala central (naos o cella) para albergar la figura del dios y venerarlo.
Puede haber un pórtico trasero (opistodomos) no comunicado con la cella, cerrado para guardar los tesoros.
- El alzado consiste en tres partes: el basamento (crepidoma), el elemento sustentante (columnas) y el elemento sustentado (entablamento).
- El templo se eleva sobre un basamento en gradas llamado crepidoma, formado por tres gradas o escalones (estereóbato los dos primeros, estilóbato el superior).
- Pronto se desarrolló alrededor del templo un pórtico columnado (peristilo o peristasis), que en la pronaos tenía pilastras (antas) a los extremos. Las columnatas laterales se llaman pteron. En este pórtico exterior se celebraban parte de las procesiones festivas de los fieles.
- Menos frecuentes fueron los templos de planta circular (tholos) con un anillo de columnas.
- La cubierta es plana al interior y a doble vertiente por fuera. Está hecha de madera y recubierta de tejas.
- Las cuatro fachadas se cuidaban por igual (salvo el frontón).


La tipología es variada. Además de la clasificación en órdenes arquitectónicos, los criterios más usados son los del lugar de las columnas y el número de éstas.
A) Según el lugar de las columnas:
- In antis, con dos columnas entre las antas que sobresalen de la pronaos.
- Próstilo, con columnas en la fachada menor.
- Anfipróstilo, con columnas en ambas fachadas principales.
- Períptero, con todo el templo rodeado de columnas; es el tipo más frecuente.
- Pseudoperíptero, con columnas adosadas al muro de la cella.
- Díptero, rodeado por dos filas de columnas.
B) Según el número de columnas en los frentes menores. Generalmente son de número par y los ejemplos impares son escasos y arcaicos. Los tipos más conocidos son:
- Dístilos (2).
- Tetrástilos (4).
- Hexástilos (6), que son los más frecuentes; se puede considerar el tipo canónico.
- Octástilos (8), como el Partenón.
La evolución formal es desde los arcaicos templos estrechos y largos hasta los templos con una armónica relación de anchura y longitud, con una proporción clásica ideal: el número de columnas en el lado mayor debía ser el doble más una de las del frente menor, contando dos veces la del ángulo (así, un templo hexástilo debía tener 13 columnas en cada lado, y uno octástilo 17). Las columnas también se fueron distanciando.

ÓRDENES ARQUITECTÓNICOS.
El orden como relación entre los elementos: columna y entablamento.
El orden es la relación entre los distintos elementos de la arquitectura (columna y entablamento), según normas fijas. En el lenguaje común se confunde con el término estilo.
El orden les permite a los griegos conocer un edificio-tipo y una técnica-tipo, de modo que sólo tienen que repetir estos elementos, sin necesidad de inventar un edificio y una técnica en cada ocasión. De acuerdo a la forma de articularse proporcionalmente estos elementos entre sí, distinguimos en la arquitectura griega tres órdenes arquitectónicos: el dórico, el jónico y el corintio, los que dieron nombre a otros tantos estilos de templo.
Todo orden consta de dos partes esenciales: una sustentante, constituida por la columna, y otra sustentada, que es el entablamento, guardándose entre ellas una estrecha relación proporcional.
El soporte principal es la columna (stylos), que define el sistema adintelado, de vigas horizontales, que transmite sensaciones de serenidad y estabilidad. La altura se mide en módulos (número de veces del diámetro inferior). Su variada relación con otros elementos define los órdenes, de modo que la columna tiene un relevante protagonismo como elemento constructivo y como determinante de las tipologías arquitectónicas. La columna se articula en tres elementos: basa, fuste y capitel. A veces, hay una decoración escultórica de los fustes de las columnas con figuras, que se llaman cariátides si son femeninas y atlantes si son masculinas.
El entablamento se articula en tres elementos: arquitrabe, friso y cornisa. El arquitrabe es el dintel de la parte inferior del entablamento, directamente sobre el capitel de la columna. El friso es la faja del entablamento entre el arquitrabe y la cornisa, está exento de decoración o se decora con relieves. La cornisa es el voladizo superior del entablamento, con molduras. En los tres órdenes sobre la cornisa hay un frontón triangular, con el tímpano interior destinado para la escultura y con los vértices decorados con acróteras (pedestales o remates sobre los que se colocan adornos o estatuas), motivos vegetales, monstruos y figuras humanas. Las gárgolas (cabezas de animales, derivadas de las acróteras) sobre el entablamento sirven generalmente como desagües.
La distinción entre los órdenes griegos y romanos.
La influencia de los órdenes griegos en el arte posterior es extraordinaria, comenzando por el de Roma y llegando hasta nuestros días, pasando por el renacentista.
Pero hay significativas diferencias. Lo que distingue a los órdenes para los griegos y para los romanos es que para los griegos el interés se centra en la forma y para los romanos en el espacio interior, para los griegos el orden es un medio para predeterminar la estructura y para los romanos es una decoración exterior, para los griegos es un modelo ideal (adaptable) y para los romanos es un modelo mecánico (fijo).


Dórico.
Es el orden más antiguo (siglo VII), sobrio y severo, de proporciones más robustas. Surge de la arquitectura prehelénica en madera, conservando aquella organización de los elementos como carpintería petrificada. Los antecedentes remotos son el mégaron micénico, y los edificios y elementos minoicos y egipcios.
- La columna es la más robusta de los tres órdenes, con altura primitivamente de máximo de seis módulos (veces en que está comprendido el diámetro inferior), aunque luego llegó a siete o más módulos:
- Carece de basa (las antiguas, aunque las últimas si pueden tener).
- El fuste estriado está formado por tambores superpuestos de piedra, con unas estrías de arista viva (16 a 24 según el tamaño del templo, aunque el número clásico es de 20; en los modelos más antiguos no hay estrías), con un diámetro que se adelgaza verticalmente. El grosor tiene un ensanchamiento (éntasis) en el centro para corregir la perspectiva y que es más pronunciado en los templos antiguos.
- El capitel (de posible origen cretense) tiene de abajo-arriba: hipotraquelio (cordón en forma de anillo, que rodea el fuste de la columna debajo del tambor del capitel), collarino (acanalado), anillas (anillos cada vez más anchas que comunican con el equino), equino (una moldura o almohadillado de forma semicircular convexa, que sirve para conectar armoniosamente los elementos contiguos) y ábaco (un dado achatado de forma rectangular, que sirve de descanso al entablamento).
- El entablamento está formado por: un arquitrabe liso, un friso alternando triglifos (elemento con molduras verticales) y metopas (elemento liso, a veces con relieves como en el Partenón, y otras sin ellos), decorado mediante mútulos (régulas en la parte baja) con gotas, y una cornisa volada.
- Frontón: triangular, con un tímpano decorado habitualmente con programas escultóricos.


Jónico.
Más esbelto y elegante, tiene su origen en Jonia, como resultado de la fusión de elementos de tradición egea, egipcia y asiática. Aparece algo más tarde que el dórico, en el siglo VI aC. Tiene más columnas y es más monumental. Se diferencia del dórico en la columna y el entablamento.
- La columna es más alta (ocho u ocho y medio módulos) y esbelta que la dórica, lo que facilita el acceso y sobre todo mejora la visibilidad del espacio interior y las estatuas del exterior.
- Se fundamenta en una basa con: un plinto (paralelepípedo cuadrado, aunque en los templos atenienses de Atenea Niké y del Erecteion es circular y se puede confundir con un gran toro) inferior entre el estilóbato y el fuste; dos toros (unas molduras convexas, de sección semicircular); y una escocia (moldura cóncava, cuya sección está formada por dos arcos de circunferencias distintas, y más ancha en su parte inferior).
- El fuste es más esbelto, acanalado (acanaladuras), con un adelgazamiento sin éntasis.
- El capitel es más complicado. Tiene de abajo-arriba un collarino decorado con tabas o astrágalos (cuentas en relieve, huesecillos), un equino curvo decorado con dos volutas laterales enrolladas en espiral, más flechas y ovas (algas en forma de cintas), una forma de capitel que crea el problema de cómo combinar los capiteles de los ángulos, con varias soluciones; y un ábaco rectangular.
- El entablamento está formado por un arquitrabe dividido en tres bandas, un friso corrido liso o con relieves y una cornisa volada decorada con dentículos y una moldura de flechas y ovas.


Corintio.
Es el orden más evolucionado y posterior, pues aparece en el último cuarto del siglo IV aC y se desarrolla sobre todo ya en época helenística, para alcanzar el rango de orden diferenciado sólo en el siglo II aC. Deriva del orden jónico. Es de columna más alta que las anteriores, con nueve y medio o diez módulos, aunque después perdió altura. Los griegos lo aplicaron inicialmente sólo a pequeñas construcciones (Linterna de Lisicrates), porque su finalidad era decorativa, pero en cambio es el orden más usado en Roma, incluso en tamaño gigante. La decoración del capitel corintio será el modelo más repetido en la arquitectura occidental.
Se distingue por la rica forma del capitel, con collarino de astrágalo, y un equino con al menos dos filas de hojas de acanto superpuestas, las inferiores muy curvadas hacia afuera y las superiores enroscadas en espiral (caulículos), formando volutas en los ángulos, bajo el ábaco. En época tardía se añadieron más filas de hojas.

3.3. PERIODOS.
Se distinguen también en la arquitectura cuatro grandes periodos: Prearcaico (siglos IX-VIII), Arcaico (siglos VII-VI), Clásico (siglos V-IV), Helenístico (siglo III-hasta dominio de Roma en II aC y posterior en algunos lugares).

PERIODO PREARCAICO.
El Prearcaico no tiene una representación apreciable en arquitectura, porque sus edificios eran de materiales poco duraderos (madera, adobe).
La planta básica de los templos fue similar a la de las viviendas, alrededor de un mégaron de tipo micénico. En Samos, Esparta, Olimpia y Creta se han encontrado los cimientos de algunos templos del final del periodo geométrico. En Eretria y Thermos algunos templos posteriores mantenían la planta de herradura. En los templos de planta rectangular los dos muros laterales sobresalen hacia el exterior de la pared frontal formando un vestíbulo o pórtico. Las vigas de madera del tejado a dos aguas se apoyaban en una única fila de columnas de madera, dispuestas a lo largo del eje principal; más tarde, sin embargo, se reemplazaron por dos filas de columnas, ya que las anteriores ocultaban la imagen de la divinidad. Estas dos columnatas, como los muros laterales, se prolongaron más allá del muro frontal para sustentar el vestíbulo cubierto.

PERIODO ARCAICO (VII-VI).
Características.
- Predominio del dórico, con algunos templos jónicos.
- Proporción poco definida, templos largos y estrechos, columnas muy próximas con pronunciada éntasis.
Evolución.
Con el auge de la polis, sobre todo en el siglo VI aC, comienza el gran arte griego, especialmente en la arquitectura pues los tiranos impulsan las construcciones, ya con­solidados los estilos dórico y jónico. El origen del templo es el mégaron micénico, que persistía en el periodo prearcaico pero los eslabones de su evolución han sido destruidos por la endeblez de sus materiales: madera y adobe (hasta esa época).
Los griegos, después de conocer los templos pétreos de los egipcios, comenzaron en el siglo VII aC a construir sus propios templos en piedra, con un estilo propio y específico. Utilizaron la piedra caliza en el sur de Italia y Sicilia, el mármol en las islas griegas y en Asia Menor y la caliza revestida con mármol en el continente. Más tarde levantaron sus edificios principalmente de mármol.
Los templos eran de planta rectangular sobre un pequeño zócalo escalonado (crepidoma) en un recinto donde se llevaban a cabo las ceremonias rituales. Los templos pequeños presentaban un frente porticado de doble columna (in antis), a veces con otro vestíbulo delante del mismo (próstilos). Los templos más grandes, con pórticos en sus partes delantera y trasera (anfipróstilos), podían tener un vestíbulo de seis columnas antes de cada uno de sus pórticos, o estar totalmente rodeados por una columnata peristilo o peristasis en los perípteros. La columnata sostenía un entablamento, o dintel, bajo un tejado a dos aguas.
Desarrollaron dos órdenes de arquitectura o tipos de columnas, primero el dórico y más tarde el jónico. Las columnas dóricas, que no tenían basa y cuyos capiteles consistían en un bloque cuadrado (ábaco) sobre un elemento redondo en forma de almohadilla (equino), eran piezas robustas colocadas a escasa distancia para sujetar el peso de la mampostería. Su pesadez se aliviaba gracias al fuste abombado y estriado. En el entablamento se tallaban triglifos verticales sobre cada columna, dejando entre ellos metopas oblongas (imitación de los salientes de las vigas de madera), que más tarde fueron cuadradas y al principio estuvieron pintadas y más tarde decoradas con bajorrelieves figurativos. El estilo dórico se originó en la península helénica, pero se difundió por todas partes. Los templos dóricos de Siracusa, Paestum, Selinonte, Acragas, Pompeya, Tarento (Taranto), Mataponto y Corcira (actual Corfú) todavía se conservan. Extraordinario es el templo de Poseidón en Paestum (c. 450 aC).
Las columnas jónicas, originarias de Jonia (Asia Menor) y las islas griegas, son más esbeltas, estriadas más estrechamente y se colocan a mayor distancia que las dóricas. Cada una descansa sobre una basa moldurada y termina en un capitel con forma de almohadilla plana que se enrolla en dos volutas en los laterales. El entablamento, más ligero que en el estilo dórico, podía tener un friso continuo. Se pueden ver ejemplos de templos jónicos en el Artemision de Efeso (cerca de la moderna Esmirna o Izmir, Turquía), en el Erecteion de Atenas y algunos restos del de Naucratis en Egipto.
Destacan los ejemplos de los templos dóricos arcaicos (siglo VII) de Hera en Olimpia y de Apolo en Termos, hechos en madera y barro, cuyas columnas de madera fueron sustituidas progresivamente por otras de piedra. El templo de Hera en Olimpia (600) es períptero y hexástilo, alargado con 16 columnas en los laterales, con pronaos y con cella dividida en tres naves por dos series de columnas entre las antas. El templo de Apolo en Termos (620-610) es períptero y pentástilo (5 más 15 columnas en los laterales), con una fila de columnas en el centro de la cella.
Ya del siglo VI son los templos dóricos I de Hera en Paestum, de Apolo en Corinto y el enorme templo jónico de Artemisa en Efeso. El templo I de Hera en Paestum (530 aC) es de piedra calcárea y nonástilo (signo de arcaísmo), con su columnata de tres pisos y cella dórica. Del de Apolo en Corinto quedan el basamento y media docena de robustas columnas dóricas muy juntas. El jónico arcaico Templo de Artemisa en Efeso era díptero y octástilo, de enorme tamaño (55 x 110 metros), con cella dividida en naves y opistodomos, con más de 100 columnas de gran altura, y los bajos de los fustes con relieves (como un zócalo). Fue el primero completamente de mármol. Fue construido con ayuda del rey Creso de Lidia, y fue incendiado por el loco Erostrato en 356 aC, cuando nacía Alejandro, quien reconstruyó el templo (parece que con nueve columnas en fachada y 21 en las alas; con un friso en cada basa de columna jónica (aunque tenía estrías vivas como en el orden dórico). Era un gran centro religioso y financiero. En 263 dC los godos lo destruyeron por completo.
Al final comienzan a construirse los tesoros (pequeños y sencillos templos) en los santuarios, con pequeña cella y pórtico dístilo in antis, para servir de ofrendas a los dioses. Destacan los Tesoros en Delfos: el jónico de los Sifnios (525), con dos cariátides, y el dórico de los Atenienses (490 aC), dístilo.

PERIODO CLÁSICO (V-IV).
Características.
- Es la época de apogeo del arte griego, centrado en el programa de construcciones en la Acrópolis de la Atenas imperial de Pericles, tras la destrucción de los templos en el 480 aC por los persas.
- La sobriedad dórica se contrapone a la riqueza jónica, aunque su distribución no sigue pautas geográficas y así en la jónica Atenas se edifica el dórico Partenón y el jónico Erecteion.
Evolución.
Se diferencian una primera fase (480-450), una segunda fase (450-400) y una tercera fase (400-323).
1) Primera fase (480-450).
La mayoría de los templos de la alta época clásica fueron de orden dórico. La primera fase es de rápidos avances, aunque nos han quedado pocas obras debido a las destrucciones de monumentos. Fuera de Atenas destaca el templo dórico de Afaia (isla de Egina), con cella de dos pisos.
2) Segunda fase (450-400): la Acrópolis de Atenas.



Las obras máximas son de principios de la segunda fase clásica (450-400) y radican en Atenas, donde Pericles ordenó la restauración de muchos templos quemados por los persas. El escultor Fidias se encargó de la supervisión de los trabajos en la Acrópolis o ciudadela, recinto que era el lugar tradicional de los templos atenienses. El edificio más importante fue el Partenón, proyectado por los arquitectos Ictino y Calícrates. Los Propileos, o puerta monumental de acceso a la Acrópolis, fue otra de las construcciones importantes.


- Propileos (437-432), por Mnesicles. Eran la entrada monumental (por el camino de las Panateneas) al recinto sagrado. Tienen dos alas rectangulares y dos edificios a los lados (pinacoteca y biblioteca). Se iniciaron el 437, pero nunca llegaron a terminarse, probablemente debido al comienzo de la guerra del Peloponeso en el año 431. Fidias encargó su construcción a Mnesicles (activo c. 437-409 aC), que proyectó sus pórticos (el conjunto es un doble pórtico rectangular, interno y externo) como si fueran fachadas de templos dóricos exástilos. Además, también utilizó seis columnas jónicas, perpendicularmente dispuestas en el centro y consideradas como unas de las muestras más hermosas de este orden arquitectó­nico, y reforzó los arquitrabes del edificio con piezas de hierro.


- Templo de Atenea Nike (420), por Calícrates. Situado al otro lado de la entrada, sobre una pequeña cima, es un templo pequeño (8 metros), una obra maestra del orden jónico, ligero y elegante. Fue concebido en 449 pero su realización se postergó hasta 427-424 aproximadamente, cambiando el plan original del arquitecto. Es anfipróstilo y tetrástilo, y cuenta con un excelente friso escultórico. El templo estuvo en pie hasta el siglo XVII, cuando los turcos otomanos lo derribaron para convertirlo en una posición de artillería, y fue reconstruido en 1835, conservando la mayor semejanza posible con la estructura original.


- Partenón (447-438, según una inscripción in situ; escultura acabada en 432), por Ictino, Calícrates y el escultor Fidias. Es una obra cumbre de la arquitectura universal, por su monumentalidad y serenidad. El Partenón se erigió al lado de dos templos anteriores, el viejo templo de Atenea, conocido como el Hekatompedon (cien pies), construido aproximadamente el 570 y ampliado hacia el 530, y el antiguo Partenón, comenzado el 488 y destruido por los persas el 480 cuando aún no estaba terminado. La construcción del nuevo edificio se inició el 447. El Partenón se construyó en su totalidad con el mármol de las célebres canteras del monte Pentelikon.


Tiene grandes dimensiones: 69,54 x 30,87 x 10,43 metros La cella con tres naves está rodeada de un peristilo dórico, octástilo y períptero (8 por 17 columnas, o sea, que estaba rodeado por una gran columnata de ocho columnas dóricas en cada uno de sus dos frentes y de 17 columnas en cada uno de los dos lados). El peristilo tuvo un techo artesonado de mármol. El santuario se dividía en dos partes (cella y tesoro), a las que se tenía acceso a través de un estrecho vestíbulo. La más grande, la estancia oriental o cella, estaba dividida en tres naves menores, separadas por una columnata dórica en tres lados, lo que permitía sostener el techo plano del templo. Contenía una enorme estatua criselefantina (realizada en oro y marfil), la Atenea Partenos, pues estaba dedicada a la diosa Atenea, protectora de la ciudad. El opistodomos (pórtico columnado hexástilo), era la entrada posterior a la estancia más pequeña, el tesoro de forma cuadrada, sostenido por cuatro esbeltas columnas jónicas, que se denominaba Parthenon (habitación de las vírgenes, posiblemente por alusión a un edificio anterior, morada de las vírgenes vestales), donde se guardaban las donaciones y ofrendas.


Pese a ser indiscutiblemente de orden dórico, hay algunos rasgos jónicos: friso continuo en el interior de la columnata, cimacio tipo Lesbos, decoración tallada en los capiteles del anta, astrágalo sobre las metopas.
Un ambicioso programa escultórico, dirigido por Fidias, se extendía por las metopas, los frontones y el alto friso que recorría el exterior de la cella. La decoración escultórica estaba policromada. Se considera que el templo estaba pintado de gris claro, con colores más brillantes en el frontón, las metopas y los glifos.
La perspectiva era oblicua desde los Propileos por lo que los arquitectos desarrollaron una gran cantidad de métodos para contrarrestar las distorsiones oculares, por lo que se hicieron correcciones visuales (trucos muy usados también en otros templos, pero sin la perfección del Partenón). Así, el crepidoma del templo y el arquitrabe se curvaron hacia arriba en el centro (comba de las líneas horizontales), se invirtió el estrechamiento de las columnas con una éntasis de las columnas en el centro, los ejes de las columnas se inclinaron hacia el interior, se hizo un grosor distinto de las columnas y un acercamiento entre sí de las columnas de los extremos, las líneas verticales del edificio adquirieron la inclinación pertinente dependiendo de la corrección deseada.
El edificio ha pervivido gracias a que fue convertido en iglesia bizantina (siglo V) y después en mezquita turca (1458). En 1687 una bomba veneciana destruyó el polvorín turco del interior y dañó gravemente la estructura. A principios del siglo XIX Lord Elgin compró a los turcos casi toda la decoración escultórica que se conservaba, hoy en el British Museum.


- Erecteion (421-407), probablemente de Mnesicles, está erigido en la parte Norte de la Acrópolis, paralelo al Partenón. Es un templo jónico excepcional. El hecho de que el terreno fuera accidentado, y el temor a destruir los importantes santuarios anteriores del pequeño lugar (se creía que en ese punto exacto la diosa Atenea había iniciado la ciudad), forzaron al arquitecto a idear una complicada planta asimétrica en dos niveles. El nivel oriental, más alto se dedica a Atenea Poliás (antigua diosa de culto agrícola), mientras que la zona occidental, más baja se dedica a Poseidón Erecteo. Hay tres pórticos:
- El pórtico oriental, que da a la cella de Atenea Poliás, tiene un pórtico jónico hexástilo.
- El pórtico Norte es más bajo y de estilo jónico (seis columnas, cuatro enfrente y dos a los lados). Comunica con tres cámaras (destinadas a Erecteo, Poseidón y Cécrope).
- El pórtico Sur o de las Cariátides, que oculta la bajada a la tumba del mítico rey Erecteo, el primero de Atenas, tiene seis columnas con fustes de figuras femeninas (esculpidas por Alcámenes, discípulo de Fidias), que representan a las hijas del Erecteo, que perecieron trágicamente.
- Ya fuera de la Acrópolis, otro de los edificios atenienses dóricos de este periodo es el Hefesteion, llamado inicialmente el Theseion, que se alzaba en una colina al oeste del Ágora o plaza del mercado de Atenas, y que se ha convertido en uno de las construcciones mejor conservadas de Grecia.
Fuera de Atenas, en esta segunda fase, tenemos dos templos:
- El templo de Zeus en Olimpia, proyectado por Libón de Elis, es un ejemplo ex­cepcional del orden dórico; es hexástilo (6 x 13 columnas), períptero y con cella de tres naves; sus columnas relativamente esbeltas indican una reacción contra las proporciones pesadas del dórico de la época arcaica.
- El templo de Apolo Epikurios en Bassae (Arcadia) (450 aC) de Ictino, cuenta con elementos dóricos (peristilo), jónicos y corintios (en la cella); es así porque el peristilo exterior es dórico, alargado (6 x 15 columnas), mientras que en la cella hay columnas jónicas e incluso un aislado capitel corintio, el primero conocido.
- El templo de Poseidón en el cabo Sounion y el templo de Apolo en Bassae, son los edificios más antiguos donde han aparecido capiteles corintios. El enorme templo de Apolo en Selinonte (Sicilia) se terminó en esta época, después de cien años de trabajos.

3) Tercera fase (400-323).
En esta fase, con el desastre de la guerra del Peloponeso acaba la hegemonía de Atenas y nacen nuevos rasgos de la arquitectura clásica: predominio del orden jónico (sobre todo en Asia Menor), monumentalidad, menos severidad. Aunque los templos se construyeron todavía en el orden dórico, desapareció el vestíbulo posterior y el templo de Asclepio en Epidauro (c. 380 aC) es un buen ejemplo.
Hay una nueva tipología de edificios:
- El tholos, un pequeño templo circular con doble anillo de distintos órdenes, en Delfos, Epidauro, Olimpia. Las columnas corintias (el tercer orden arquitectónico griego), una especie de columnas jónicas con hojas de acanto en los capiteles, se utilizaron en el interior del tholos circular de Epidauro, realizado por Policleto el joven.
- El teatro, de marcado carácter didáctico, y donde el mito se hizo tragedia. A partir de este momento los teatros, que al principio tenían gradas de madera sobre una colina, se construyeron en piedra. Era una estructura excavada que se apoya sobre una colina, en que las gradas aprovechan una pendiente del suelo. Tiene una vista abierta al fondo de la escena y excelente acústica. Cuenta con tres partes principales:
- Una orchestra circular para el coro.
- Un koilon (cavea o graderío) circular o elíptico escalonado para los espectadores, dividido en pasillos verticales y uno horizontal (diazoma), de manera que se dividía en secciones triangulares (kerkides).
- Una scena para los actores. Era un podio, a veces decorado. Estaba relativamente abierto hacia el fondo, en contraste con la escena del teatro romano, que era un fondo cerrado.

Teatro de Epidauro.

Destaca el teatro de Epidauro (h. 350 aC) proyectado (según Pausanias) por Policleto el Joven, que se construyó sobre un terreno inclinado, con una orquesta de 25 metros de diámetro, con el altar de Dionisos en el centro, hoy perdido. Su estado de conservación es extraordinario, así como su acústica.
- Los monumentos funerarios, como el sepulcro de las Nereidas (Asia Menor, 425 aC) y el famoso Mausoleo de Halicarnaso (352 aC).

Mausoleo de Halicarnaso, alzado hipotético.

El Mausoleo de Halicarnaso era la enorme tumba de Mausolo, rey-sátrapa (vasallo de los persas) de Caria (c. 376-353), concebida por el propio Mausolo, aunque erigida por su esposa-hermana Artemisa II y concluida a su muerte por sus hermanos Idrieo y Ada. Los arquitectos fueron Piteo y Sátiro. Fue considerada una de las siete maravillas del mundo antiguo. Era un edificio impresionante, de 50 metros de altura: una escalinata frontal, un podio rectangular (tal vez cuadrado) sobre el que había una columnata jónica (en forma de un templete períptero) cubierta a su vez por una techumbre piramidal escalonada, coronada por una cuadriga. Según la descripción de Plinio, cada uno de los lados del enorme pedestal estaba decorado con frisos de los escultores áticos Escopas, Leocares, Briaxis y Timoteo. Destruido por un terremoto, fue expoliado por los caballeros de Rodas. Los restos de su estructura se conservan en el Museo Británico de Londres, junto con la estatua colosal de Mausolo, imponente retrato de un gobernante del siglo IV aC.

PERIODO HELENÍSTICO (III-I).
Características.
Destacan: colosalismo, suntuosidad, predominio del orden corintio, decorativismo, utilitarismo, libertad y variedad formal.
El arte helenístico se difunde a nuevos centros, en Alejandría, Pérgamo, Antioquía... La decoración adquiere autonomía respecto a los elementos y la función de la arquitectura.
Evolución.
No puede señalarse con propiedad una evolución en fases a lo largo de los siglos, porque hay una cierta homogeneidad estilística durante todo el periodo y las distinciones son más bien locales. Pero sí se pueden señalar la tendencia a abandonar el clasicismo, es decir una progresiva ruptura de la unidad y racionalidad clásica, con un aumento del ex­perimentalismo que aleja la arquitectura del naturalismo anterior.
El momento inicial es la muerte de Alejandro en 323 aC y el final es incierto, pues se el helenístico se confunde con el arte romano mucho después de la conquista romana. A partir del siglo I aC no hay novedades ni obras maestras, aunque hay obras de estilo claramente griego incluso en el siglo III dC. El estilo dórico continuó utilizándose en los templos pequeños y en los cuerpos inferiores de los edificios de dos plantas.
Destacan varias obras:
Templo de Olimpeion en Atenas, corintio, amplio (41 x 107 metros), con más de 100 columnas de 17,2 metros de altura. En él se observa que las columnas corintias se utilizaron en mayor medida que en épocas anteriores. Dedicado a Zeus Olímpico, fue iniciado el 174 aC por encargo del rey sirio Antíoco IV.
Templo de Apolo en Dídima (c. 300 aC), jónico, díptero, decástilo, con sus dos columnatas jónicas de diez columnas en el frente y 21 por cada lado.
Altar de Zeus en Pérgamo, jónico, con un altar de columnas y rica escultura sobre un basamento escalonado. Filómaco lo construyó desde 166, para honrar la victoria sobre los gálatas.

Faro de Alejandría, alzado hipotético..

Faro de Alejandría (h. 300-297 aC): se elevaba 120 metros en tres pisos, de planta cuadrada, octogonal y cilíndrica respectivamente. Promovido por Ptolomeo I y realizado por Sóstratos de Cnido. Estaba adornado con gigantescas esculturas ptolemaicas. Cayó derribado por varios terremotos, el peor de ellos en 1340.
En este complicado estilo helenístico se inventaron nuevas tipologías arquitectónicas como gimnasios y edificios para el senado local, profusamente decorados y realizados en orden corintio. También se levantaron altares monumentales en Siracusa, Pérgamo, Priene y Magnesia. Los reyes helenísticos construyeron pórticos, bibliotecas, teatros y puertas urbanas. Los monumentos sepulcrales imitaron el estilo suntuoso del mausoleo de Halicarnaso. Las casas particulares cambiaron su vestíbulo rectangular por un patio central rodeado por un peristilo.

HA UD 07. El arte griego. Introducción, características y periodos.

ARTE ANTIGUO UD 07. EL ARTE GRIEGO. INTRODUCCIÓN, CARACTERÍSTICAS Y PERIODOS.

PRÓLOGO.
INTRODUCCIÓN.
Resumen.
1. EL ARTE GRIEGO.
El conocimiento del arte griego.
Los términos de lo “clási­co”.
Características generales del arte griego.
Los grandes periodos del arte griego.
FUNDAMENTOS SOCIALES Y CULTURALES DEL ARTE GRIEGO.
Dimensión humana.
Organización política: la polis.
Ideal político griego: la democracia.
El pensamiento.
Religiosidad.
La influencia de la religión en el arte.

PERIODOS DEL ARTE GRIEGO.
PERIODO PREARCAICO.           
Fase geométrica.
Fase orientalizante.
PERIODO ARCAICO.
PERIODO CLÁSICO.
Primera fase (480-450).
Segunda fase (450-400).
Tercera fase (400-323).
PERIODO HELENÍSTICO.
EL RENACIMIENTO Y LOS HISTORICISMOS GRIEGOS.  

PRÓLOGO.
El arte de la Grecia antigua es un tema enormemente extenso y complejo, porque no hay una definición universalmente válida de sus límites temporales, temáticos y conceptuales. Generalmente se relaciona con el estudio del arte clásico.
Puede entenderse el concepto “arte clásico” en dos dimensiones históricas:
En términos restringidos, aplicándolo a las actividades artísticas realizadas en Grecia durante el siglo V ac, llamado también el siglo de Pericles. Corresponde a este periodo la denominada Edad Clásica de la civilización helénica.
En términos más amplios, el arte clásico sirve para calificar la vertiente estética de toda la antigüedad grecorromana, con sus distintos periodos: griego arcaico, griego clásico, helenístico y romano.
La opción más común es que el arte clásico es el de la civilización grecolatina antigua Grecia y Roma antiguas, en especial sus periodos más “clásicos”, definidos por el antropocentrismo (una arte hecho a la medida del hombre) y la concepción racional del mundo.
Se debería introducir el tema con el marco geográfico y los fundamentos sociales y culturales (filosofía, ciudada, democracia, antropocentrismo, mitología...) de la civilización griega, al menos con algunas referencias imprescindibles. En el estudio del arte griego la visión multidisciplinar es especialmente necesaria, sobre todo la aportación de la Historia, Geografía, Filosofía, Historia de la Literatura o Antropología.
Asimismo, mucho más que en otras civilizaciones, la civilización griega (y por extensión la grecolatina) es urbana, por lo que el urbanismo debe ser considerado como un apartado del arte, “al lado de” y no “en” la arquitectura, por lo que la antecede y explica en buena parte.

Por último, preciso respecto a las mal llamadas “artes menores” que si en el arte griego la cerámica es un arte de enorme importancia por su valor específico y por ser la mejor fuente sobre la temática artística en general y la pintura en particular, en cambio su paralelo en importancia entre las artes del color en el arte romano sería el mosaico, el cual nos ha legado muchas y excelentes obras que nos ilustran sobre los temas de su arte y sobre la pintura.

INTRODUCCIÓN.

La Grecia clásica ofrece modelos y formas en su arte y en su organización política y métodos de investigación (en la filosofía y las ciencias físicas) que constituyen la base de toda nuestra cultura occidental y europea. Produce asombro la serie de figuras excepcionales que una sola ciudad, Atenas, ha proporcionado en todos los órdenes de la cultura y el arte: historiadores como Heródoto y Tucídides, dramaturgos como Esquilo, Sófocles y Eurípides, filósofos como Platón y Aristóteles, oradores como Demóstenes, escultores como Fidias. En Grecia se inicia la filosofía, la física, la historia, y se lleva a horizontes insospechados la matemática y la creación artística. Algunas notas peculiares del mundo griego, que veremos a continuación, pueden explicar este despliegue de creaciones y de personalidades singulares.
Resumen.
El arte griego es el realizado en el ámbito territorial (gran parte del Mediterráneo) y en la época (ss. XI-I ac) de la civilización griega. El arte griego es un arte del hombre, medida de todas las cosas. Es un arte monumental, al servicio de la polis. La técnica es excelente, basada en la repetición de modelos, constantemente perfeccionados. El concepto griego de la belleza (de kalós, bello o hermoso) se fundamenta en el antropocentrismo, la proporción, la armonía, la simetría, la naturaleza, el movimiento y la expresión. El arte griego evolucionó en el naturalismo desde la rigidez del periodo arcaico, a la perfec­ción ideal del periodo clásico y el realismo del periodo helenístico. En arquitectura hay el sistema adintelado (arquitrabado), con los tres órdenes o estilos (dórico, jónico y corintio). Destacan los templos (el tipo fundamental de su arquitectura) y los edificios públicos de la administración y la vida pública (buleuterion, stoas, gimnasios, estadios, teatros). La es­cultura toca temas humanos y la pintura (quedan pocos restos) y la cerámica pintada son de temática más variada.

1.      EL ARTE GRIEGO.
El conocimiento del arte griego.
El conocimiento sistemático del arte griego es un hecho reciente, a pesar del enorme interés despertado desde el Renacimiento y de que haya sido considerado el “arte perfecto”, un ideal digno de imitación.
Los primeros estudios generales fueron los de Winckelmann en el siglo XVIII y entonces se acuñaron tópicos como el de la serenidad del arte griego (realmente sólo aceptable para el siglo V aC). La gran época de interés comenzó en el siglo XIX, cuando sorprendieron los frisos del Partenón a su llegada al Museo Británico en 1816, así como el descubrimiento de que las esculturas de mármol se policromaran con colores chillones. En el resto del siglo XIX y en el XX fueron frecuentes las excavaciones, expolios, descubrimientos, etc., que llenaron los grandes museos y atrajeron el interés público.
De la arquitectura se han conservado pocos ejemplos intactos o en su estado original, pero quedan los restos de grandes conjuntos: las ciudades de Atenas, Delos o Priene, los santuarios de Olimpia, Delfos, Epidauro, Delos y Samotracia.
De la escultura también se han perdido las grandes estatuas monumentales (como la famosa estatua criselefantina de Atenea en el Partenón) así como las estatuas de madera y la mayoría de las de bronce y mármol, pues estos materiales fueron generalmente fundidos para otros usos.
De la pintura no conocemos los grandes ciclos decorativos, pues apenas queda nada de las obras de Polignoto, Zeuxis, Apeles... Sólo se puede hacer una idea de ella a través de la cerámica pintada y de los mosaicos. Sin embargo, se conservan importantes vasos cerámicos, monedas, joyas y gemas, que junto con las pinturas funerarias etruscas nos ofrecen algunas pistas sobre las características del arte griego figurativo.
Estos restos se complementan con los relatos de las fuentes literarias. Algunos viajeros, como el romano Plinio el Viejo (23-79 dC), autor de Historia Natural, y el historiador y geógrafo griego Pausanias (s. II dC), autor de Descripción de Grecia, vieron in situ muchos de los objetos artísticos que se conservan hoy día deteriorados o en mal estado y sus relatos nos ofrecen bastante información acerca de algunos artistas y sus principales obras. Otra fuente es la epigráfica, o sea las inscripciones en monumentos y otros soportes.

Los términos de lo “clásico”.
Tres conceptos deben ser precisados previamente: arte clásico, clásico y clasicismo.
- El concepto de arte clásico se refiere al arte de la Grecia y la Roma antiguas (en especial sus periodos más “clásicos”), definido por el antropocentrismo (un arte hecho a la medida del hombre) y la concepción racional del mundo.
- El concepto de clásico es ‹‹obra que se tiene como modelo digno de imitación››; para algunos autores, todos los estilos tienen una época clásica, y pueden considerarse clásicos los periodos griego en su periodo “clásico”, el renacentista, el barroco y el neoclásico.
- El concepto de clasicismo es ‹‹corriente estética que identifica la belleza artística con la observancia de ciertas leyes inviolables››, tomadas de un modelo entendido como ideal o clásico.
Para muchos autores el arte clásico se debería limitar a los dos periodos llamados “clásicos” de cada una de estas culturas, es decir los siglo V-IV aC para la griega y el siglo I dC para la romana, extendiendo algo antes y después esos ambiguos límites. Para otros, en cambio, es clásico “todo” el arte griego y romano, desde sus orígenes (antecedentes en los artes minoico, micénico y estrusco) como una sustancial unidad, pues todo él ha servido como referente clásico al arte occidental. Así, el criterio más seguido en los autores no es interno a las dos culturas estudiadas, sino externo: el de su impacto sobre nosotros.

Características generales del arte griego.
El arte griego fue elaborando a lo largo de su evolución unas características, propias, que en su época clásica son:          
El gran tema del arte griego es el hombre y se cuida el antropomorfismo (los dioses son arquetipos de la condición humana) en la forma y en la medida. El sofista Protágoras dijo: ‹‹El hombre es la medida de todas las cosas››. En la pintura y escultura la figura humana es el tema principal. En la arquitectura siempre huyen de lo colosal e incluso los templos son de dimensiones modestas: el mayor edificio, el Partenón, mide 69,5 x 31 metros, aunque su función no fue nunca celebrar grandes reuniones de fieles sino ser la casa de una diosa.
Su ideal clásico de la belleza se fundamenta en el hombre, la proporción, la armonía y la simetría, la naturaleza, el movimiento y la expresión. Todo esto se intuye ya en los templos desde el principio y en las artes plásticas desde el siglo VI, con un concepto de la belleza (kalós, bello o hermoso) profundamente humano y armonioso, y se confirma plenamente en la época clásica del siglo V. El arte griego se caracteriza por la representación naturalista de la figura humana, no sólo en el aspecto formal, sino también en la intención expresiva del movimiento y las emociones. El cuerpo humano, tanto en las representaciones de los dioses como en las de seres humanos, se convirtió así en el motivo fundamental del arte griego, asociado a los mitos, la literatura y la vida cotidiana.
Es un arte de gran calidad técnica. Se busca la perfección en la consecución de ese ideal previo, no la novedad, de modo que la evolución de las formas fue muy lenta. Los artistas griegos tienen una excelente formación artesanal. Por ejemplo, los arquitectos dominan las técnicas constructivas, cuidan la visión en perspectiva, hacen elaborados cálculos matemáticos, se preocupan por el perfecto acabado de los muros (con sillares excelentes, ajustados sin argamasa mediante clavijas). Y el mismo alto nivel que los arquitectos también lo tienen los escultores y pintores. La imperfección técnica es casi desconocida, pues las obras defectuosas eran simplemente destruidas.

Es un arte predominantemente monumental, al servicio de la polis. Pero no es un arte colosal como el de las civilizaciones orientales, pues guarda una cierta medida humana. La función principal de la arquitectura, pintura y escultura monumentales, hasta aproximadamente el año 320 aC, fue servir a las instituciones públicas, a la comunidad, ocupándose de asuntos religiosos y de la conmemoración de los acontecimientos civiles más importantes, como las competiciones atléticas. Los ciudadanos sólo utilizan las artes plásticas para la decoración de sus tumbas. En cambio, las artes decorativas se dedican sobre todo a la producción de objetos de uso privado, por lo que el ajuar doméstico contiene un gran número de vasijas de terracota pintadas, con elegantes acabados, y las familias más ricas poseen vasijas de bronce y espejos. Muchos objetos realizados en terracota y bronce incorporan pequeñas figurillas y bajorrelieves.

Los grandes periodos del arte griego.
Hay cierto consenso historiográfico acerca de que en el arte griego hay cuatro grandes periodos: prearcaico, arcaico, clásico y helenístico. Muchos autores, con un criterio biológico, reúnen los dos primeros en uno, al que llaman arcaico o preclásico, y otros autores consideran que el helenístico sería un periodo barroco.
Esos periodos artísticos reflejan los cambios estilísticos y se acostumbran a dividir en fases. Las compartimentaciones cronológicas más usuales son:
1) Periodo prearcaico (c. 1100 ac-650 aC).
2) Periodo arcaico (c. 650 ac-480 aC).
3) Periodo clásico (c. 480 ac-323 aC).
4) Periodo helenístico (c. 323 ac-31 aC).

Periodo prearcaico de los ‹‹siglos oscuros›› (XI-VIII).
Se distingue una fase posmicénica (1100-900), casi sin restos, y dos fases claramente definidas, geométrica (900-750) y orientalizante (750-650). Para unos autores habría una fase anterior, de 1100-900, de crisis y preparación, de la que no quedan prácticamente restos. Para otros autores, en realidad no hay fases sino dos periodos independientes: geométrico y orientalizante. En todo caso, es el periodo menos conocido y su concepto es discutible.
Lo caracteriza que el desarrollo del arte es aún muy escaso y obedece todavía a los influjos anteriores (arte minoico, micénico y dórico) y exteriores (de Anatolia y Egipto).

Periodo arcaico de los siglos VI-V (650-480). No se divide en fases.
Al extenderse el mundo griego geográfica y económicamente, su mayor riqueza y los contactos con el exterior le condujeron al desarrollo de una arquitectura y escultura monumentales. Ambas se hicieron con el mármol y la piedra caliza que abundaba en Grecia. Los templos albergaron imágenes de los dioses y estuvieron decorados con esculturas y pinturas. La pintura tuvo también su desarrollo en las vasijas de cerámica pintada, que fueron importantes objetos de comercio.
De resultas de los movimientos de pueblos y del comercio mediterráneo, nace el arte propiamente griego por su estética, al relacionarse sus dos corrientes fundamentales (definidas cada una por un orden arquitectónico): la dórica, formalista, con tendencia a lo simbólico y abstracta en lo decorativo, que aporta un riguroso sistema proporcional; y la jónica, más natural y sensible, que proporciona el gusto por la riqueza ornamental de tradición oriental (seres fabulosos, plantas y animales) y un sentido más esbelto de las proporciones.
Se perfilan las líneas generales de una progresiva evolución desde las concepciones más primitivas y esquemáticas, propias del arte arcaico de las civilizaciones orientales. Es un arte de transición y de cambio, en el que se van gestando las que luego serán expresiones prototípicas del mundo helénico. Es especialmente significativa la evolución de la escultura, la cual, partiendo de modelos de procedencia egipcia, micénico-cretense y mesopotámica, irá modificando las características de estos hasta lograr un estilo enteramente innovador. Frente a la rigidez y el esquematismo de los artes egipcio y mediooriental, en el arte griego arcaico, especialmente en su última etapa, se van introduciendo rasgos definidores como el dinamismo, la expresividad y la individualización.

Periodo clásico de los siglos V-IV.
Tiene tres fases: primera (480-450), segunda (450-400), tercera (400-323), preludio del helenismo.
El arte griego del periodo clásico, aparece con la consolidación de las primeras grandes ciudades-estado, y se desarrolla desde la época de las guerras médicas hasta el final del reinado de Alejandro Magno, y durante todo este tiempo se mantuvo totalmente independiente de las in­fluencias foráneas. Los triunfos sobre los persas en Maratón (490), Salamina (480) y Platea (479), producen un inmenso impacto psicológico en el pueblo griego. Los dioses, los héroes, los gobernantes, etc., que han salvado a la Hélade, toman un nuevo sentido, más real y cercano, y la plasmación de los salvadores en imágenes artísticas será una constante en este periodo.
Es esencial comprender que es entonces cuando surge la originalidad del arte griego, pues antes apenas se distinguía el arte arcaico del de las otras civilizaciones antiguas. Ahora, en el arte clásico, el arte griego alcanza su máxima perfección y encontramos las características que definen e individualizan el arte griego, en especial su sentido humano y armonioso de la belleza. No es la naturalidad lo que le distingue, pues otras civilizaciones también tuvieron un arte naturalista, sino la expresividad interior de lo humano.
El arte griego se universaliza, produciéndose incluso su expansión por el Mediterráneo occidental, impulsado por una gran demanda en los más apartados lugares (se han encontrado obras griegas incluso en el Báltico y la India).
Es clásico sobre todo el siglo V, el llamado Siglo de Pericles, cuando confluyen las primeras grandes manifestaciones de la filosofía y la poesía trágica, y el establecimiento de la ciudad-estado (polis) como organización político-social genuinamente griega.
Como consecuencia, se difunde ahora el urbanismo regular. La arquitectura da sus mejores frutos, sea mediante la construcción de templos, sea de edificios civiles como teatros y estadios y aparece una corriente más grácil y decorativa, expresada en el orden corintio. La escultura alcanza su máxima expresión, dominada por un humanismo radical que coloca al hombre en el centro de sus representaciones. De la mano de artistas como Mirón, Policleto o Fidias la escultura griega corona el estilo que se proyectará, con enorme influencia, sobre toda la tradición occidental. Las cualidades más representativas de este estilo son: el realismo anatómico, la búsqueda de la armonía a través del estudio de las proporciones del cuerpo humano, la plasmación de la expresividad individual y, finalmente, la captación del movimiento de las figuras. Estas formas realistas y dinámicas dominan también la pintura de la época, desaparecidas hoy, pero descritas en la literatura, con las composiciones de Polignoto o Apeles.
Podemos advertir una subdivisión de esta época clásica en tres fases: alta, media y final.
En la primera fase, o época clásica alta o inicial (c. 480 o 475-448 aC), después de la victoria griega sobre los persas, la necesidad de reparar la devastación de la guerra, generó una gran actividad artística tanto en arquitectura como en escultura. Esto fue especialmente evidente en Atenas, centro neurálgico del poder político y económico.
En la segunda fase, o época clásica media (c. 448-400 aC), o sea, durante la segunda mitad del siglo V aC, el clasicismo pleno se desarrolló especialmente bajo el patronazgo de Pericles, el gran estadista ateniense. La arquitectura y la escultura de Atenas alcanzaron entonces una perfección raramente igualada.
En la tercera fase o época clásica baja o final (c. 400-323 ac) las empresas arquitectónicas disminuyeron cuando Atenas, derrotada en la guerra del Peloponeso, perdió su hegemonía política en el ámbito griego. En las artes plásticas la nueva y detallada caracterización de las figuras reflejó un interés por el individuo, hecho que corroboran los poetas y filósofos de aquel momento.

Periodo helenístico de los siglos III-I aC.
Muchos historiadores lo limitan al periodo entre la muerte de Alejandro Magno en -323 y la destrucción de la Liga Aquea a manos de Roma y la destrucción de Corinto en 146 aC, incorporándose las ciudades derrotadas a la provincia romana de Macedonia, y otros autores la atrasan hasta la conquista de Alejandría en 31 aC. Esta última fecha es la última en todo caso, pues desde entonces Roma domina directamente todos los centros helenísticos. La mayoría de los autores no distinguen fases, porque hay una gran continuidad y las diferencias son locales. Algunos autores plantean una división en tres fases: inicial, media y final, que el especialista Pollitt ha nombrado: 1) La fase de los Diádocos o Sucesores de Alejandro (323-275), caracterizada por la escultura de Lisipo y la formación de una iconografía del poder. 2) La fase de los Reinos Helenísticos (275-150), basada en la realización de un arte monárquico de propaganda, de gran “barroquismo”, con escuelas independientes en los reinos, en especial las de escultura de Alejandría, Pérgamo y Rodas. 3) La fase Grecorromana (150-31 aC), de decadencia, de diversificación individual, de rememoranza del ideal clásico, pero también de creciente influencia sobre Roma, hasta la conquista romana de Egipto.
Es un periodo de crisis y cambio. El arte helenístico, a diferencia del anterior, ya no es estrictamente griego, sino que nace de la confusión de los pueblos integrados en la órbita del imperio de Alejandro Magno, cuando sus ejércitos, tras conquistar las ciudades-estado de Grecia, llevaron su cultura por todo Oriente Próximo. Como las polis griegas sufrieron un declive político y económico, la religión oficial y la conciencia cívica menguaron, apareciendo en todas las esferas un mayor énfasis subjetivo. Los griegos fueron receptivos a las nuevas influencias orientales, como podemos observar en las decoraciones lujosas y las religiones místicas. En las ciudades ricas de Asia Menor, así como en Alejandría (Egipto), se desarrolló un nuevo helenismo, mezcla del espíritu griego y de los estilos orientales.
Así, en el arte helenístico observamos la simbiosis de los componentes griegos con los egipcios, mesopotámicos o persas. Estos factores unidos a otros cambios internos de la civilización griega, modifican el lenguaje artístico, en el que dominan el expresionismo, la monumentalidad y el decorativismo. La arquitectura se hace colosal y glorificadora. La es­cultura abandona los cánones de equilibrio y armonía clásicos, derivando a un expresionismo radical.

FUNDAMENTOS SOCIALES Y CULTURALES DEL ARTE GRIEGO.
La dimensión humana.
Todas las manifestaciones culturales de Grecia están presididas por una preocupación por el hombre. Se trata de una cultura antropocéntrica, como define la famosa sentencia de Protágoras: ‹‹el hombre es la medida de todas las cosas›› o la de Menandro: ‹‹nada es más amable que el hombre cuando es hombre››. Las formas escultóricas plasman los aspectos visibles de la concepción ideal del hombre; los héroes homéricos de la Ilíada nos conmueven por sus sentimientos y debilidades (Aquiles se enfurece con la muerte de su amigo Patroclo, Príamo llora la pérdida de su hijo Héctor y besa las manos de su enemigo para recuperar el cadáver); incluso los dioses están concebidos como seres afectados por las pasiones humanas (amor, celos, odios, envidias) e intervienen en las discordias entre sus protegidos.

La organización política: la polis.
Frente a los grandes estados orientales, cuyas dimensiones territoriales exigen un poder coactivo, que suprime la libertad del individuo, el griego se organiza en ciudades‑estado. Las guerras médicas, entre persas y griegos, son un enfrentamiento entre dos concepciones políticas antagónicas, una confrontación entre súbditos y ciudadanos. En la organización primitiva, la koiné (aldea), se mantenía el regimen gentilicio, el grupo de familias unidas por un tronco comun. Las sucesivas invasiones de pueblos que entran en la península helénica obligan a buscar una organización más amplia, la polis, que se antepone a los intereses de los genos, los grupos familiares.
En principio la polis es solamente la parte alta de la ciudad, la fortaleza y templo, y sus componentes forman una asociación de culto y defensa; posteriormente engloba la parte baja, donde se asientan los mercaderes. Poco a poco surgen y se diferencian las clases sociales, según las actividades (eupátridas o aristócratas, comerciantes, jornaleros). Cada polis se otorga su base económica y su régimen de gobierno, cuyos modelos son Esparta (polis de economía cerrada, agricultura y régimen aristocrático) y Atenas (polis de economía abierta, comercial y régimen democrático). Los navegantes y comerciantes griegos llenan de polis las costas del Mediterráneo.
La polis tiene una clase política: reyes, nobles, tiranos, representantes demócratas... En la época clásica reconocerán el poder de la imagen como propaganda política, la importancia del arte como fuente de poder y gloria. Pericles será el que mejor comprenda este sutil juego del arte y la política, pero mucho antes otros lo han comprendido y estimulado.

El ideal político griego: la democracia.
Una serie de hombres públicos relevantes, Solón, Efialtes, Clístenes, Pericles, se esfuerzan en configurar para Atenas un régimen político basado en la igualdad y el gobierno del pueblo. Los griegos se enorgullecen de someterse a un orden, no a un hombre. La ley aglutina la ciudad más hondamente que la tierra, el comercio o la religión. Heráclito dirá: ‹‹el pueblo debe combatir por la ley como por la muralla de la ciudad››. Algunos pensadores consideran la norma objetiva (ley) como una invención y un don de los dioses. Frente a la concepción aristocrática de que existen hombres con talento político innato, Protágoras defiende la idea de que cada hombre tiene una parcela de sentido cívico perfeccionable por la experiencia. En consecuencia, el ciudadano tiene el deber de colaborar en los asuntos públicos, como expresa Pericles en la emotiva Oración funebre por los muertos en la guerra del Peloponeso: ‹‹pues somos los únicos que consideramos no hombre pacífico sino inútil al que nada participa en ella›› (la cosa pública), ‹‹fue por una ciudad así por la que murieron ellos››.

Las instituciones democráticas: Asamblea del pueblo (Ekklesía), Asamblea reducida (Boulé), magistraturas, tribunales (Areópago, Heliaia), exigen unos espacios para sus reuniones y funcionamiento y suscitan la necesidad de edificios públicos o en algunos casos de amplios lugares vacíos. La ecclesía ateniense se reunía en la Pnyx, colina al pie de la acrópolis, en sesiones larguísimas, desde el nacimiento a la puesta del sol.


El pensamiento.
Las formas de análisis racional suponen una verdadera revolución. ‹‹El pensar europeo empieza con los griegos y desde entonces no hay otra manera de pensar›› (Bruno Snell); el filósofo existencialista Jaspers estima que la filosofía nace en Grecia porque allí es donde los hombres se asombran ante la realidad y tras el asombro se plantean la pregunta y la duda. Esta postura inquisitiva de la misma manera explica el nacimiento de la física; un Arquímedes sólo es posible en una sociedad donde se alían la altura de los planteamientos teóricos con la exigencia de la investigación empírica.

La religiosidad.
La concepción del arte griego no responde a criterios religiosos en cuanto que no se trata de una religión revelada, ni tampoco impuesta por la clase dominante, sino que más bien es la expresión de un pueblo que creó un complicado entramado mítico para dar respuesta a íntimas interrogantes sobre el origen del mundo. Más que de religión, es decir, más que de una sistematización de concepciones religiosas, en Grecia debe hablarse de religiosidad, de un sentimiento, que lo impregna todo, de relación con los dioses a los que se humaniza cada vez más, a medida que los mitos divinizan arquetipos humanos (Zeus el poder, Apolo el saber...).
La religión no tuvo forma dogmática, ni catecismo, ni predicación, ni siquiera clero (salvo los oráculos de los santuarios), y la conocemos por mitos y textos literarios. Evoluciona desde los cultos agrarios, a través de un proceso de antropomorfización, hasta la democratización de los cultos dionisíacos, y tiene una gran significación como elemento cohesionador dentro de la ciudad, en el culto de los dioses votivos, y a escala griega, como germen de vínculos nacionales, en los cultos de los grandes santuarios (Olimpia, Delfos, Eleusis). El griego no sólo humaniza a sus dioses sino que incluso se atreve a enfrentarse a ellos Mito de Prometeo o al menos a mantener su libre albedrío, como trasluce Homero al poner en boca de Atenea estas palabras dirigidas a Aquiles: ‹‹Vengo del cielo para mitigar tu ira, si quieres hacerme caso››.

La influencia de la religión en el arte.
Esta religiosidad tiene una impronta enorme en el arte: santuarios y templos llenan el suelo griego; procesiones votivas como la del festival panatenaico representada en el friso del Partenón, que el tirano Pisístrato introdujo h. 550 aCexigen una determinada disposición de los edificios y se plasman en los relieves.
El artista griego es un ciudadano libre que ejercita libremente su profesión, sin ataduras ni condicionamientos impuestos por la autoridad, creando un arte que es la manifestación del sentir estético de un pueblo, que lo interpreta como “mimesis”, imitación de lo bello natural, y para quien la belleza posee un carácter matemático y se identifica con la proporción geométrica. Por ello estos artistas crearon unos sistemas proporcionales, canónicos, basados en la experiencia natural como reflejo de la propia armonía que rige la Naturaleza.

PERIODOS DEL ARTE GRIEGO.
PERIODO PREARCAICO.           

Los variados orígenes del arte griego están, según Demargne, en los artes minoico (palacios de Cnosos, Malia, Faistos), micénico (ciudades fortificadas de Micenas y Tirinto), cicládico, chipriota, hitita (o anatólico), sirio, fenicio y egipcio, con influencias que marcan el primer periodo que puede considerarse propiamente de arte griego: el periodo prearcaico de los ‹‹siglos oscuros›› (IX-VIII), con dos fases, geométrica (900-750) y orientalizante (750-650).   

Fase geométrica.
La fase geométrica se data en 900-750. El arte del que nos han quedado mejores muestras es la cerámica. Las invasiones dóricas rompieron con la etapa anterior, con pocos elementos de continuidad, evidentes en la cerámica. Habría tres etapas, datadas en Atenas:
La etapa micénica tardía o submicénica (1100 a 1050), caracterizada por la pervivencia de artesanos micénicos (seguramente al servicio de los nuevos gobernantes dorios) y la llegada de la influencia dórica, mucho más primitiva.
La etapa protogeométrica (1075o 1050-900) se conoce por las obras encontradas en el cementerio Cerámico de Atenas, donde también estuvieron durante varios siglos la mayoría de los talleres cerámicos atenienses. Evoluciona desde las últimas formas micénicas y la influencia siria. Los motivos son geométricos simples, muy abstractos y lineales, en fajas onduladas y círculos concéntricos.
La etapa geométrica dura dos siglos (900-700) y se extiende por todo el mundo griego, desde Chipre a Italia. Se conoce por los hallazgos del Cerámico de Atenas y del cementerio de Dipylon (algo apartado del Céramico), por lo que se le ha dado también el nombre de cerámica de Dipylon. La técnica es excepcional, con ánforas y cráteras de 1,5 metros de altura. La policromía tiene predominio del negro, salvo la franja de decoración geométrica. La decoración pintada es de composición rigurosa, con cenefas y motivos geomé­tricos, con figuras humanas (desde 800) y de caballos muy geom­etrizadas que aparecen en masivas escenas funerarias.

Fase orientalizante.
La fase orientalizante se data en 750-650. Las ciudades jónicas de Asia se desarrollaron durante el siglo VII, siendo puente de las influencias orientales. Se difunde la decoración de seres exóticos y fabulosos: esfinges, grifos y gorgonas, y de plantas: loto, papiro y frisos de palmas.
En la cerámica destaca Corinto por su calidad y por sus exportaciones, desde la fase protocorintia (750 a 640 o 725-625 según Barral). Se pintaron franjas horizontales con aquellos motivos fantásticos (en siluetas). También son apreciados los marfiles (las pequeñas figuras del templo de Artemisa en Efeso) y la orfebrería. El arte griego se extiende por Sicilia e Italia, con la colonización y el comercio.
La cerámica protoática está relacionada con la protocorintia en formas y decoración, pero es más severa y monumental, debido a su carácter funerario.
Se supone que en el periodo prearcaico ya habría templos, inspirados en el mégaron micénico, pero los eslabones de su evolución han sido destruidos por la endeblez de sus materiales utilizados hasta esta época: madera y adobe.

PERIODO ARCAICO.
Se data en los siglos VII-V (650-480 ac). Su época de auge es el siglo VI, cuando con el auge de la polis comienza el gran arte griego pues los tiranos impulsan las construcciones de edificios públicos, especialmente templos.
El origen del templo es el mégaron micénico. El periodo se inicia con el dominio del orden dórico, nacido en el siglo VII (650-600) y consolidado h. 600, mientras que se introduce y se consolida el orden jónico ya a lo largo del siglo VI. La sobriedad dórica se contrapone a la riqueza jónica, y se piensa que en su origen influiría el predominio étnico de dorios (más belicosos y rudos) y jonios (más pacíficos y cultos, herederos de los antiguos aqueos), aunque su distribución no sigue pautas geográficas. Por ejemplo, ya en el periodo clásico y por la misma época, en la jónica Atenas se edifica el dórico Partenón y el jónico Erecteion.
Destacan los templos dóricos arcaicos (segunda mitad del siglo VII) de Hera en Olimpia (600) y de Apolo en Termos (620-610), hechos en madera y barro, cuyas columnas de madera fueron sustituidas progresivamente por otras de piedra. Ya del siglo VII son los templos dóricos I de Hera en Paestum (530), de Apolo en Corinto y el enorme templo jónico arcaico de Artemisa en Efeso, construido con ayuda financiera del rey Creso de Lidia. El paso del dórico al jónico (y luego al corintio) fue necesariamente lento y tiene una explicación ideológica, en busca de la gracilidad y esbeltez decorativa, pero también de una mayor funcionalidad porque el estrechamiento de los fustes permite contemplar mejor las fachadas de los templos y las esculturas expuestas, y porque la progresiva sustitución de la madera por la piedra y el mármol hizo a los edificios más estables y duraderos, por lo que no se necesitaban los macizos soportes dóricos, y lo mismo pasó con las basas (añadidas en el jónico y corintio para conseguir más estabilidad y altura) y los equinos decorados (con volutas en el jónico y acantos en el corintio, que así ganaban también en altura).
La escultura anterior al 700 era de pequeñas dimensiones, en metal, marfil o madera (xóana). Las de madera sólo se conocen por la literatura. A partir del 600 aparece la gran escultura de mármol o bronce, para la decoración exterior de los templos. El bronce se utilizó con la técnica de la cera perdida y la mayoría de sus piezas se han perdido. La influencia de la escultura egipcia es evidente en la simetría, frontalidad, adelantamiento de la pierna izquierda para sugerir movimiento y otras características.
La mayor parte de las esculturas siguen dos modelos: el atleta desnudo (kouros) y la muchacha vestida (koré).
El kouros es un atleta erguido, que se presenta frontalmente con la pierna izquierda adelantada, y exhibe la famosa “sonrisa arcaica”. Su madurez llega h. el 600, con los gemelos Cléobis y Bitón, del Museo de Delfos, o las figuras de Sunion, evolucionando hacia un mayor realismo y una frontalidad menos rígida, con el Moscóforo (560). Hacia el 500 aumenta el vigor y la elasticidad con el Apolo Strangford.
El tipo más repetido de la koré es el ático, con la serie del santuario de la Acrópolis (destruido por los persas en 480), con una evolución hacia una mayor expresividad en varias fases: primitivo (600 a 550), transición (550 a 530), maduro (530 a 500) y tardío (500 a 480). Se visten con el peplo dórico y desde el 550 con el chitón y el himátion jónicos, con pose frontal y sonrisa arcaica.
En Creta la tradición asigna a Dédalo ser el primero que ‹‹abrió los ojos y separó las piernas›› (hay una escuela dedálica, con la Dama de Auxerre). En las Cícladas hay otra escuela, de la que destacan los relieves del friso del tesoro de Sifnos en el santuario de Delfos. Un tema poco tratado, el de los animales, da obras maestras desde el 600: caballos, leones y terneros, como el que porta el Moscóforo.
La cerámica progresa, con la técnica de figuras negras, con grandes centros: Corinto, Esparta, Rodas, Caere (Italia). A finales del siglo VI Atenas se convierte en el gran centro exportador. Al principio predominaban los temas en bandas (Vaso François, del Museo de Florencia, del alfarero Ergotimo y el pintor Clitias) y luego un estilo más libre con una sola escena para toda la superficie, siendo esencial el pintor (en muchos casos con su misma firma). El primer pintor conocido fue Sófilo, con figuras negras, hacia 590. Y luego Nearco, Lido y, sobre todo, Execias, hasta 550. Con estas firmas se ha podido seriar la pintura del periodo.
Aparece al final la técnica de figuras rojas, después de una fase de transición (530-520), con los autores del estilo severo, Eufronio y Eutímedes (520-500), y Duris y Macrón (500-470).

PERIODO CLÁSICO.
Desde 480 a 323, con la invasión persa y la muerte de Alejandro Magno, se da el gran periodo de la polis y de Atenas, principal centro griego de la política y del arte. La medida y la simetría se agudizan, como patentizan las frases del escultor Policleto: ‹‹La perfección únicamente se alcanza a través de muchos números›› y del filósofo de época tardorromana Plotino: ‹‹La belleza de las cosas que vemos se compone de simetría y de proporción››.
Hay tres fases: primera (480-450), segunda (450-400) y tercera (400-323).

Primera fase (480-450).
Un conjunto importante es el templo dórico de Afaia en la isla de Egina, que cuenta con esculturas de figuras humanas en los frontones de un naturalismo idealizado que será común en todo el periodo clásico. En Atenas y Argos aparecen los escultores Cálamis y Mirón. De escultores anónimos son en bronce, el Auriga de Delfos y el Poseidón del cabo Artemision; en mármol, los relieves de los tronos Ludovisi y de Boston. Hay aún un hieratismo solemne y sereno. El broncista Mirón crea el Discóbolo con gran sentido del movimiento.
Un grupo de pintores destaca hacia 450: Polignoto, Panaios, Micón y Onosias. La cumbre arquitectónica es el templo dórico y hexástilo de Hera en Olimpia (470-460).

Segunda fase (450-400).
Pericles lanza un gran programa de construcciones en la Acrópolis de Atenas. El Partenón, dórico y octástilo, se inicia en 447, por los arquitectos Ictino y Calícrates, bajo la supervisión de Fidias, que también esculpe los maravillosos frontones, las metopas y el feiso interior. Es la obra máxima, en mármol, con cuidada éntasis. Calí­crates también edifica el templo de Atenea Niké, con un plano especial, como en el Erecteion, del arquitecto Mnesicles (421-405), que también construye los Propileos.
Ictino construye fuera de Atenas el templo jónico de Apolo en Bassae (Arcadia), con el primer capitel corintio conocido. Fidias esculpe las estatuas gigantescas de Atenea Parthénos y Atenea Prómachos en la Acrópolis y de Zeus en Olimpia. En Argos, destacan los broncistas, con Policleto, autor del Doríforo y del Diadumenos, y de un famoso texto, el Canon, que influirá en la escultura posterior. También destacan Alcamenes de Atenas, Crésilas de Creta, Agorácrito de Paros y Calímaco (también pintor). Los grandes pintores fueron Parrasio, Zeuxis y Apolodoro (inventor del claroscuro), con obras pequeñas de caballete.

Tercera fase (400-323).

Esta fase es el preludio del helenismo. El siglo IV produce novedades. En arquitectura nuevos tipos de templos, de planta circular (tholos), o el colosal Mausoleo de Halicarnaso (de 50 metros de altura), monumento funerario adornado de esculturas de gran movimiento y patetismo, con obras del escultor Escopas, maestro del dolor y la melancolía (abandonando la serenidad anterior). Mientras, el escultor Praxíteles cultiva un refinamiento sensual (Hermes y la Venus de Cnido) y Lisipo destaca como broncista (Apoxiómeno) y aparece el retrato, que se multiplicará en el helenismo. En la pintura, Apeles retrata al natural a Alejandro, cerrando emblemáticamente este periodo clásico.

PERIODO HELENÍSTICO.
El momento inicial es la muerte de Alejandro en 323 aC y el final es incierto, pues se confunde con el arte romano. En todo caso, a partir del siglo I dC no se producen novedades ni obras maestras, aunque obras helenísticas abunden incluso en el siglo III dC.
El arte helenístico se difunde a nuevos centros de producción en el Oriente Próximo, tanto en Egipto (Alejandría) como en Asia (Antioquía, Pérgamo).
En arquitectura la novedad es, sobre todo, urbanística, con las nuevas ciudades, de proporciones enormes, de planta regular, hipodámica (Hipodamo de Mileto). Abundan las grandes casas privadas (como pequeños palacios) para la burguesía. Hay pocas novedades en los edificios públicos. El orden corintio es el más frecuente, combinado con el jónico o con un dórico más esbelto. Se construyen grandes conjuntos monumentales: el santuario de Asclepio en la isla de Cos o la Acrópolis de Pérgamo.
En escultura se parte de las tendencias de Escopas y Praxíteles, extremándolas. Aparecen los temas de la vida y el materialismo, con niños, viejos u obreros, y abundan en especial los retratos. El movimiento, el patetismo, la complejidad de los grupos escultóricos, rompen definitivamente con la serenidad e idealismo del clasicismo. Destacan el Niño de la oca, el Galo Moribundo, los relieves del Altar de Pérgamo, el Laocoonte. A veces se retornó a la tradición, con la Venus de Milo o la Victoria de Samotracia. Hay pocos escultores geniales pero abundan los talleres a medida que crece también la clientela.
En pintura se conocen los frescos de Pompeya y Herculano, manifestaciones postreras del helenismo. También aportan datos los mosaicos para los temas y métodos de composición. Desaparece la cerámica pintada, con el final de las pinturas rojas áticas, que se producen en el siglo IV aC. Las artes menores, orfebrería, joyería, glíptica, las pequeñas esculturas de terracota, abundan para este público creciente en número y riqueza, aunque es muy difícil distinguir el arte helenístico del romano en estos casos.

EL RENACIMIENTO Y LOS HISTORICISMOS GRIEGOS.
En los siglos XV y XVI, sobre todo gracias a las copias romanas, la tradición artística griega se recuperó en el arte y la arquitectura del Renacimiento y el Manierismo. El realismo, el sentido de la proporción y sobre todo los órdenes arquitectónicos griegos reaparecieron así en el arte europeo. La excavación de Pompeya y otros hallazgos greco-romanos en el siglo XVIII propiciaron un restablecimiento de la antigüedad griega en el arte y esbozaron el movimiento conocido con el nombre de neoclasicismo. El término clásico llegó a definir no sólo un periodo concreto del arte griego, sino el arte griego y romano en general. Por extensión, clásico y clasicismo se convirtieron en conceptos aplicables a numerosos ámbitos.
Los artistas y arquitectos academicistas imitaron las características externas del arte griego, a menudo sin comprender su espíritu. En el siglo XX algunos artistas reaccionaron contra las tradiciones académicas y comenzaron a valorar el arte griego del periodo arcaico por encima de los periodos artísticos posteriores.