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miércoles, 30 de abril de 2014

Arte Antiguo del Próximo Oriente: Anatolia, Chipre, Siria, Fenicia, Palestina.

HA 3 UD 01. PRIMERAS CIVILIZACIONES DEL PRÓXIMO ORIENTE.
La UD estudia el arte de las zonas periféricas (respecto a Mesopotamia y Egipto) del Próximo Oriente: Anatolia, Chipre, Siria, Fenicia, Cartago, Palestina, Israel, Persia, Arabia...

Siria.
Al encontrarse Siria, Fenicia y Palestina en la ruta terrestre entre Asia Menor y África, el arte antiguo de estas regiones muestra la influencia de aquellos que la conquistaron, la atravesaron o comerciaron con sus habitantes. Se han encontrado sellos cilíndricos mesopotámicos del periodo artístico Jemdet Nasr en varios lugares y los hurritas del norte de Siria se especializaron posteriormente en la talla de estos sellos.
Fenicia y arte púnico.
Al encontrarse Siria, Fenicia y Palestina en la ruta terrestre entre Asia Menor y África, el arte antiguo de estas regiones muestra la influencia de aquellos que la conquistaron, la atravesaron o comerciaron con sus habitantes. Se han encontrado sellos cilíndricos mesopotámicos del periodo artístico Jemdet Nasr tanto en la ciudad israelí de Meggido, como en la fenicia Biblos.
La cerámica, los trabajos en piedra y los escarabajos del siglo XXIX aC fueron tempranamente influenciados por el arte egipcio. Las estatuillas en bronce encontradas en Biblos, así como los puñales y otras armas ceremoniales de comienzos del segundo milenio aC, son ya marcadamente fenicios. Aunque los motivos utilizados por los artistas locales proceden de más allá de su región inmediata (Creta, Egipto, el imperio hitita y Mesopotamia), la técnica empleada en los objetos artísticos encontrados en Biblos y Ugarit, con todo su significado cultural, es específicamente fenicia. Los orfebres y plateros fenicios fueron diestros artesanos, pero la calidad de su trabajo dependió de la sensibilidad de su clientela. Quizás gracias a la competencia egipcia, el trabajo en marfil fue siempre excelente. Los fenicios vendieron sus mercancías por todo Oriente Próximo, y la expansión de su iconografía, como la de su alfabeto, puede atribuirse a que fueron grandes comerciantes de la antigüedad.
Las ciudades fenicias.
Las urbes de Ugarit, Tiro, Sidón, Biblos o Arados se desarrollaron gracias al comercio marítimo y de caravanas y la explotación de los bosques de las montañas cercanas, sobre todo el cedro, cuyos largos, duros y regulares troncos son muy útiles para la construcción naval y de edificios. Eran ciudades mercantiles, de pequeño tamaño, localizadas sobre pequeñas penínsulas o islas cercanas a la costa, como la famosa Tiro, la ciudad mercantil por excelencia del mundo antiguo, una ciudad de mercaderes y artesanos, sin recursos agrícolas.

Palestina antes de Israel.
Al encontrarse Siria, Fenicia y Palestina en la ruta terrestre entre Asia Menor y África, el arte antiguo de estas regiones muestra la influencia de aquellos que la conquistaron, la atravesaron o comerciaron con sus habitantes. Se han encontrado sellos cilíndricos mesopotámicos del periodo artístico Jemdet Nasr tanto en la ciudad israelí de Meggido, como en la fenicia Biblos.
La ciudad de Jericó.
Jericó es posiblemente la ciudad antigua cuyo origen conocido es más remoto, mientras no se hagan nuevos descubrimientos. Para algunos se trata de una proto-ciudad, un poblado que no constituye todavía una civilización, pues solo contaba con unos 3.000 habitantes. Situada estratégicamente junto a un oasis donde se cultivaba trigo y de una ruta comercial del betún del Mar Muerto, se desarrolló desde el 8000 aC y sufrió varias destruc­ciones a lo largo de su larga historia. Tiene la forma de un óvalo sobre una colina, con enor­mes murallas dobles reforzadas con torres. El cementerio era exterior a los muros. En el interior había casas de adobes, y cisternas y santuarios públicos. No había calles y la gente se comunicaba gracias a los espacios irregulares que quedaban entre los edificios y a los patios más amplios, como en la proto-ciudad de Çatal Hüyüq. La primera calle conocida apareció en Khirotikia (Chipre), c. -5.500 aC.

UD FUENTES.
Internet.
Películas.
Documentales.
Exposiciones.
*<De Asiria a Iberia en los albores de la época clásica>. Nueva York. MET (22 septiembre 2014-4 enero 2015). Jiménez, Vicente. La globalización nació en Asiria. “El País” (22-IX-2014) 40-41. Arte en los siglos VII y VI en Asiria y Fenicia.
 Libros.
Artículos. Orden cronológico.

Dosier: Anatolia. El arte hitita.
Libros.
Bittel, K. Los hititas. Col. El Universo de las Formas. Aguilar. Madrid. 1976.
Artículos.
Martínez García, Óscar. Hititas. “Historia”, National Geographic, nº 46 (2007) 46-55.

Dosier: Chipre.

Dosier: Siria.

Dosier: Fenicia y arte púnico.
Libros.
Parrot, André; Chehabm M.H.; Moscati, S. Los fenicios. La expansión fenicia. Cartago. Col. Universo de las Formas. Aguilar. Madrid. 1975. 310 pp.
Libros.
Harden, Donald. Los fenicios. Prólogo de Miguel Tarradell. Ayma. Barcelona. 1972 (1967 1ª español; 1962 1ª inglés). 345 pp.
Parrot, André; et al. Los fenicios. Col. Universo de las Formas. Aguilar. Madrid. 1975. 310 pp.
Artículos.
Molina, César Antonio. Sed de enigmas. “El País” El Viajero 572 (10-X-2009) 12. La isla siciliana de Mozia, junto a Marsala, con sus restos fenicios.

Dosier: Cartago.
Documentales.
Carthage: The Roman Holocaust. Documental sobre la caída de Cartago.
Libros.
Lancel, Serge. Cartago. Crítica. Barcelona. 1994 (1992 francés). 434 pp.

Dosier: Palestina antes de Israel.
Artículos.
Rengel, Carmen. Un sarcófago de 3.300 años, descubierto en el norte de Israel. “El País” (11-IV-2014). Cuando el faraón Seti I dominaba la región de Canaán.
Rengel, Carmen. Descubren en Israel un monumento de piedra más antiguo que Stonehenge. “El País” (17-IX-2014). Hallan un inmenso túmulo en Rujum En Nabi Shuaayb, fechado en 3.000 aC.

Dosier: Israel y el arte judío posterior.
Exposiciones.
*<Land der Bibel. Jerusalem un die Königsstädte des Altes Orients>. Viena. Kunstlerhaus (21 septiembre 1997-18 enero 1998). Cat. 3 vols. 536 pp. 630 ilus. Arqueología bíblica en Israel y Palestina.
*<Herodes el Grande. El viaje final del rey>. Jerusalén. Museo de Israel (12 febrero-5 octubre 2013). La tumba de Herodes en el Herodión, cerca de Belén. Comisaria: Silvia Rosenberg. Alandete, David. Herodes reina en la polémica. “El País” (18-II-2013) 41. Polémica en una exposición que incluye material de los territorios ocupados.
Documentales.
Holy Land Tour (Jerusalem). Documentales sobre la Historia Antigua de Israel: las sinagogas, las guerras judío-romanas, el asedio de Masada…
Libros.
Garelli, P.; Nikiprowetzky, V. El Próximo Oriente Asiático. Los imperios mesopotámicos. Israel. Nueva Clío 2 bis. Labor. Barcelona. 1981 (1974). 332 pp.
Sed-Rajna, Gabrielle (dir.). L'art juif. Citadelles & Mazenod. París. 1996. 642 pp. 850 ilus. (260 color).
Artículos.
Muñoz, Juan Miguel. Hallada la tumba del rey Herodes. “El País” (9-V-2007) 54.
Alandete, David. La roca de la discordia. “El País” (31-V-2013) 43. La polémica Piedra de Gabriel, del siglo I aC, que alimenta las ideas sobre una profecía de la resurrección de Cristo.
Rodríguez, M. Localizado el baño ritual del Barrio Judío de Girona. “El País” Cataluña (25-II-2014) 5. El mikve, una piscina del siglo XV, servía para purificar a las mujeres. Fue abandonado en la expulsión de 1492.
Constenla, Tereixa. La memoria judía se expone en iPad. “El País” (6-III-2014) 38. Casa del Lector presenta los tesoros de la Biblioteca Nacional de Israel en una muestra interactiva solo desde dispositivos móviles.
Visa, Lluís. Tàrrega, 1348: holocausto judío. “El País” Cataluña (24-III-2014) 5. Una exposición permanente recuerda el call judío y la matanza de 300 personas en 1348.

Dosier: El arte de Persia.
Internet.


Libros.
Guirshman, R. Persia. Protoiraníes, Medos, aqueménidas. Col. El Universo de las Formas. Aguilar. Madrid. 1964.

Dosier: El arte de Arabia preislámica.



Marib, capital del reino de Saba.
Exposiciones.
*<El país de la reina de Saba. Tesoros del antiguo Yemen>. Madrid. Centro Cultural Conde Duque (10 febrero-6 abril 2003). Pasa a Valencia. Centro Cultural Bancaixa (abril-mayo), Alicante. Centro Cultural Rambla (agosto-septiembre) y Sagunto. Sala Glorieta Serrano (agosto-septiembre). Cat. Maíllo Salgado, Felipe. El país de la reina de Saba. Tesoros del antiguo Yemen. “Cuadernos de arte Conde Duque”. Texto de 32 pp.
*<Rutas de Arabia>. Barcelona. Caixaforum (12 noviembre 2010-6 febrero 2011). Itinerante por San Petersburgo, Berlín y EE UU. Más de 300 obras. Comisarios: Carine Juvin… Reseña de Jacinto Antón. Tesoros de los oasis y las dunas. “El País” Cataluña (13-XI-2010) 11.


HA 3 UD 04. El arte de las primeras civilizaciones en Europa. El megalitismo,

HA 3 UD 4. El arte de las primeras civilizaciones antiguas en Europa. El megalitismo,
*Hay una entrada propia para el arte celta.

La cultura y la arquitectura megalítica.
Los megalitos son piedras grandes y toscamente labradas, erguidas en solitario o combinadas para formar una estructura, erigidas bien con fines religiosos o bien como lugares de enterramiento o como monumentos conmemorativos de sucesos destacados.
Se encuentran en todas las partes del mundo. Los de Europa occidental se fechan en la prehistoria y pertenecen al neolítico y a la edad del bronce. Los de la India se datan en los primeros siglos de la era cristiana y los de la isla de Pascua son probablemente contemporáneos de la Edad Media europea. Todavía se levantan megalitos en zonas de Indonesia y en Assam (India).
Las áreas con la mayor concentración de construcciones megalíticas son las islas británicas, el oeste de Francia, Bélgica, España (donde destacan los hallados en Los Millares), Portugal y las islas del Mediterráneo occidental; Escandinavia; norte de África; Crimea, el Cáucaso y el Oriente Próximo; las tierras altas de Irán; Japón y Birmania; Assam y la meseta del Decán en la India, y también las islas del Pacífico sur, especialmente la de Pascua.
Las construcciones megalíticas europeas se clasifican normalmente en cuatro tipos: el menhir o monolito, con una única piedra erecta, a veces de gran tamaño; el círculo de piedras formado por varios monolitos como Stonehenge y Avebury, en Inglaterra y en Callanish (Escocia), respectivamente; el alineamiento de monolitos como el de Carnac, en Francia, y la cámara funeraria o sepulcro, normalmente sellado con monolitos y techado con un coronamiento o una falsa bóveda.

Menhir de Champ-Dolent.



El menhir (en bretón significa “piedra alargada”) es un gran bloque vertical. Probablemente simboliza el alma de un muerto.

Stonehenge
Cromlech de Stonehenge, Inglaterra.

Callanish
Cromlech de Callanish, Irlanda.

Los dólmenes y sus variantes.
Las cámaras de enterramiento, a veces denominadas dólmenes, constituyen el tipo más extendido de monumentos megalíticos en Europa occidental, más de 50.000 ejemplares permanecen en pie. 
La mayoría de las cámaras funerarias estuvieron originalmente recubiertas con tierra para formar montículos o túmulos; muchas de ellas han sido despojadas de este recubrimiento, y tan sólo se conservan las piedras. 


Dolmen de Eguilaz.

 
Dolmen de corredor de Soto.

Construcción de un dolmen de corredor.

Se pueden distinguir tres tipos de cámaras funerarias: el dolmen o simple cámara mortuoria; la tumba de corredor, en la cual la cámara está precedida por un pasillo, y la galería cubierta o allée couverte, una cámara larga y rectangular. La parte interna de algunas de las tumbas está decorada con motivos geométricos o naturalísticos.

Los alineamientos de Carnac.
Carnac es un pueblo del departamento de Morbihan, situado en la costa meridional de Bretaña, una región del noroeste de Francia. En el pueblo y sus alrededores hay miles de megalitos (menhires, dólmenes y túmulos).

Alineamiento de Carnac.

Los arqueólogos creen que los tres grupos de monumentos formaron un conjunto único en la Antigüedad. El grupo más importante, al noroeste del pueblo, consta de unos 1.100 monolitos de granito, ordenados en once filas (de unos 1.030 metros de longitud) paralelas y terminan en un arco cuyos extremos se unen con las filas horizontales exteriores. Aunque su origen y finalidad son un misterio, se les considera asociados con el culto solar y después con la religión del druidismo de los celtas.


UD FUENTES.
Documentales.
[https://www.youtube.com/watch?v=dX-y0y9sI-g] Los monumentos megalíticos. 10 minutos.
[https://www.youtube.com/watch?v=uBSGGyuUFmU] Stonehenge. 5 minutos.
[https://www.youtube.com/watch?v=a4Q4knkYd7oStonehenge. 46 minutos.
Exposiciones.

Libros.
Renfrew, Colin. Arqueología y lenguaje. La cuestión de los orígenes indoeuropeos. Crítica. Barcelona. 1990 (1987 inglés). 268 pp.

Artículos. Orden cronológico.

La arquitectura y el arte megalítico.
Documentales.
Mundos perdidos: Los paganos. Documental. 45 minutos. Las ruinas de las islas Orcadas: el poblado de Skara Brae y los monumentos megalíticos. El conjunto de Stonehenge. Silbury Hill. Avebury. Maiden Castle.
Artículos.
Gómez, Lourdes. Luz sobre el misterio de Stonehenge. “El País” (1-II-2007) 72. El descubrimiento de un poblado neolítico junto al yacimiento.
Antón, Jacinto. Stonehenge estaba consagrado a los muertos. “El País” (30-V-2008) 48.

Rivera, A. Nuevos monumentos de Stonehenge son desvelados con sondeos avanzados. “El País” (10-IX-2014).

El arte dacio.
Exposiciones.
*<I Daci>. Florencia. Palazzo Strozzi (26 marzo-29 junio 1997). Cat. Textos de Grigore Arbore Popescu, et al. 369 pp.

El arte de las estepas del Este de Europa.
Exposiciones.
*<Crimea: oro y secretos del Mar Negro>. Ámsterdam. Museo Arqueológico Allard Pierson (2014). Ferrer, Isabel. Tesoros de Crimea en tierra de nadie. “El País” (29-III-2014) 38-39. / Bonet, Pilar. Un legado superpuesto y sin fin. “El País” (29-III-2014) 38-39.

El urbanismo antiguo.

El urbanismo antiguo.
La historia de la civilización está ligada a la del urbanismo de un modo indisoluble.
Las formas primitivas de vida, anteriores al urbanismo, son el nomadismo y el sedentarismo agrario sin producción de excedentes. El nomadismo fue la primera etapa de la evolución humana, y se caracterizó por la ausencia de asentamientos permanentes, viviendo las gentes en grupos itinerantes que vivían de la caza, la pesca y la recolección.
El primer sedentarismo agrario se basó en la dedicación a la agricultura, al principio con una gran dispersión de las familias, a menudo extensas hasta formar clanes familiares, que gozaban de una amplia autarquía económica.
La producción de excedentes agrícolas y ganaderos permitió la actividad comercial, consistente en su almacenamiento y posterior intercambio por productos artesanales y alimentarios. Los emplazamientos de estos mercados primitivos derivaron en los iniciales poblados y posteriormente en las primeras ciudades, siendo el almacén uno de los primeros edificios públicos conocidos.
Çatal Hüyüq es uno de los ejemplos mejor estudiados de poblado o proto-ciudad. Se desarrolló entre el 7.000 y el 5.700 aC., llegando a contar con unos 10.000 habitantes que vivían de la agricultura, la artesanía y el comercio de la obsidiana que se obtenía de una comarca volcánica próxima. Fue mucho mayor que los coetáneos núcleos de Khirokitia en Chipre y de Jericó en Palestina.
Hacia el 3.500 aC. eclosionaron las ciudades en Egipto, Mesopotamia, India y China, a lo largo de los fértiles valles de los grandes ríos del Nilo, Tigris, Eufrates, Indo, Río Amarillo y Río Azul, que permitían una gran producción, la especialización en diversas actividades económicas y sociales, el transporte, el intercambio de ideas, la incipiente orga­nización política y las actividades artísticas y culturales.
Las primeras ciudades aparecen como resultado de la consolidación de los Estados, de modo que sin la aparición de estos no podríamos explicar el fenómeno urbano.
Las ciudades dominaron su entorno rural, creándose los Estados, estructuras político-religiosas con una marcada diferenciación de clases sociales: un jefe militar y religioso en la cima de una clase militar y religiosa para satisfacer las necesidades de defensa y religión. La ciudad-mercado acrecentó su influencia al unir estas funciones de sede del poder político, religioso y militar a las anteriores funciones comercial y artesanal. Pero eran núcleos de esca­sa población, pues los excedentes se concentraban en las clases altas. Ejemplos importantes en Oriente Próximo son Ur, Babilonia, Nínive, Persépolis, Menfis, Tebas o Jerusalén.
La tipología de la vivienda.
En la Antigüedad Oriental la tipología ha sido muy diversa, adaptándose a las realidades geográficas, climáticas, religiosas, políticas y militares, económicas de agricultura o comercio. Por lo común, en las ciudades orientales, las viviendas unifamiliares eran austeras, con uno o dos pisos, con entradas en línea quebrada para resguardar los habitantes de las miradas del exterior, un patio interior de distribución de las estancias, sin vanos al exterior. Un modelo muy similar al de la domus romana y el dar islámico, que posiblemente han reproducido un modelo generalizado en Oriente.
Los palacios eran enormes complejos religioso-políticos, con almacenes, templos, salas de recepción real y baños.
Fuentes.
Exposiciones.
*<Las casas del alma>. Barcelona. CCCB (?-julio 1997). Piezas arqueológicas de modelos de casas y templos antiguos, con su semejanza, de Mesopotamia, Egipto, Grecia y Roma.
*<La fundación de la ciudad>. Barcelona. CCCB (6 abril-23 julio 2000). 230 piezas arqueológicas. Sobre los mitos y ritos de fundación urbana en Mesopotamia, Egipto, Grecia y Roma. Comisario: Pedro Azara.
Libros.
Aghion, Irene; Barbillon, Claire; Lissarrague, François. Héroes y dioses de la Antigüedad. Guía iconográfica. Alianza. Madrid. 1997. 382 pp.
Chueca Goitia, F. Historia de la Arquitectura Occidental. De Grecia al Islam. v. I. Dossat. Madrid. 1979.
García y Bellido, A. Urbanística de las grandes ciudades del mundo antiguo. CSIC. Madrid. 1985. 384 pp.
Geoffroy, B. Archéologie virtuelle. Arthaud. París. 1996. 288 pp. 680 ilus. Reproducción en 3D de arquitectura antigua de Grecia, Roma, Próximo Oriente.
Grimal, Pierre. Diccionario de la Mitología Griega y Romana. Paidós. Barcelona. 1982. 635 pp.
Schneider, Marius. El origen musical de los animales-símbolos en la mitología y en la escultura antiguas. Siruela. Madrid. 1998. 507 pp. 132 ilus.
Seznec, Jean. La Survivance des dieux antiques. Flammarion. París. 1994 (1940 inglés). 448 pp.

Holanda: Historiadores de arte.

Holanda: Historiadores de arte.

Listado de historiadores de arte.
Karel van Mander (1548-1606, historia de arte holandés, pintura religiosa), Arnold Houbraken (1660-1719, historia de arte holandés; pintura), Johannes Immerzeel (1776-1841, arte holandés y flamenco), Christiaan Kramm (1797-1875, arte holandés),
Joseph Albert Alberdingk Thijm (1820-1889), Johan Philip van der Kellen (1831-1906, director de museo, grabados), Victor de Stuers (1843-1916),
Grada H. Marius (1854-1919, pintura barroca), Abraham Bredius (1855-1946, arte holandés), Cornelis Hofstede de Groot (1863-1930, pintura barroca holandesa), Max Jakob Friedläender (1867-1958, de origen alemán; Renacimiento nórdico, arte contemporáneo), Jan Kalf (1873-1954, director de museo), Johannes Orbaan (1874-1933, arte italiano), Hendrik van Gelder (1876-1960, director de museo), Wilhelm Martin (1886-1954, arte barroco holandés), Nicolaas Beets (1878-1963), Just Havelaar (1880-1930, crítica de arte), Gerard Brom (1882-1959), Elisabeth Neurdenburg (1886-1957, arte holandés), Ferrand Whaley Hudig (1883-1937, curador de museo, profesor de artes decorativas), Alexander Willem Byvanck (1884-1970), Hendryk Enno van Gelder (1884-1963), Godfridus J. Hoogewerff (1884-1963, iconografía paleocristiana), Frederick Lugt (1884-1970, grabado holandés), Carla de Jonge (1886-1972, directora de museo, arte holandés), Jacob-Baart de la Faille (1887-1959, Van Gogh), Raymond van Marle (1887-1936, pintura de Renacimiento italiano), Friedrich W. H. Hollstein (1888-1957, de origen alemán; galerista, grabados de Renacimiento y Barroco), Gerhardus Knuttel (1889-1968, curador de museo, crítica de arte), Dirk Hannema (1895-1984, director de museo), Jan Knoef (1896-1948, arte holandés), M. C. (Maurist Cornelis) Escher (1898-1972, grabado), Josiah Willem de Gruyter (1899-1979, crítica de arte),
Engelbert ter Kuile (1900-1988, arte holandés, arquitectura medieval), Jan van Gelder (1903-1980, arte holandés), Wilhelm S. Heckscher (1904), Frederick van der Meer (1904-1994, sacerdote católico; iconografía cristiana), Victorine Hefting (1905-1993, arte contemporáneo), Ary B. de Vries (1905-1983, muséologo, arte holandés y Rembrandt), Horst Gerson (1907-1978, arte holandés y flamenco, Rembrandt), Karel G. Boon (1909-1996, grabado y dibujo, arte japonés), Henk Schulte Nordholt (1909-1998, Renacimiento), Theodoor H. Lunsingh Scheurleer (1911-2002, artes decorativas), Sturla Gudlaugsson (1913-1971, de origen danés y alemán; pintura barroca holandesa), Aleida Terpstra (1913-1995, arte holandés contemporáneo), Hans Jaffé (1915-1984, de origen alemán; arte moderno y contemporáneo), Remmet van Luttervelt (1916-1963, curador de museo), Evert F. van der Grinten (1920, profesor en Nimega, arte contemporáneo), Josua Bruyn (1923, Rembrandt), Jan Emmens (1924-1971, Rembrandt, iconología, relación entre literatura y arte visual), Bob Haak (1926-2005, director de museo, Rembrandt), Johannes Offerhaus (1930-1991, Renacimiento italiano y arte holandés), Eddy de Jongh (1931, iconografía de pintura holandesa),
Hedwig Fijen (Ámsterdam, 1961, comisaria de exposiciones), Ariane van Suchtelen (1962, curadora del Rijksmuseuu y Museum, pintura barroca holandesa), Joris Dik (1974, historia del arte, experto en materiales),
Duncan Bull (conservador del Rijksmuseum), Jan Paul Crielaard (profesor en Amsterdam, arqueología y cerámica griega), Mieke Bal (, profesora de crítica cultural y artes visuales), Horst Gerson (), Pert Jan van der Sman (, profesor en Leiden; Renacimiento italiano),

HISTORIADORES. Orden alfabético.


El historiador de arte holandés Eddy De Jong.


Profesor de iconología en universidad de Utrecht. Utiliza el método intepretativo de Panofsky, buscando las fuentes del Arte barroco holandés en la literatura, grabados, emblemas…

El historiador holandés Abraham-Marie (“Bram”) Hammacher (1897-2002).
A.M. Hammacher (Middelburg, 1897-Abano Terme, Italia, 2002), profesor de historia del arte, especialista en escultura moderna y Van Gogh, fue director hasta 1963 del Otterlo Museum.
[http://www.dictionaryofarthistorians.org/hammachera.htm]
Hammacher, Abraham-Marie. Barbara Hepworth. Thames & Hudson. Londres. 1987 (1968). 216 pp.
Hammacher, A.M. Modern Sculpture: tradition and innovationH.N. Abrams. Nueva York. 1988 (1969). 447 pp.


Gori, Giuliano. Entrevista a Abraham-Marie Hammacher. “Il Giornale dell’Arte”, sup. Vernissage, año 14, nº 161 (XII-1997) 2.

El historiador holandés Wilhelm Martin (1886-1954).
Wilhelm Martin (1886-1954), autor holandés de referencia sobre el arte barroco holandés.
Martin, Wilhelm. De Hollandische Schilderkunst in de zeventiende eeuw2 vols. 1935 y 1936.

La historiadora de arte holandesa Ariane Van Suchtelen (1962).
Ariane van Suchtelen, curadora del Mauritshuis Museum, especialista en pintura barroca holandesa.
Van Suchtelen, Ariane. Room For Art In Seventeenth-Century Antwerp. Waanders Pub. Amsterdam. 2010. 144 pp.
Van Suchtelen, Ariane; Wheelock, Arthur K. Dutch Cityscapes of the Golden Age. Waanders Pub. Amsterdam. 2009. 256 pp.
Van Suchtelen, Ariane; Woollet, Anne T.; y contribuciones de Leonard, Mark; Wadum, Jorgen; Doherty, Tiarna. Rubens and Brueghel: A Working Friendship. J. Paul Getty Museum Pub. 2006. 274 pp.
Van Suchtelen, Ariane; Runia, Epco; Webb, Diane L. Rembrandt. Royal Picture Gallery Mauritshuis, La Haya. 2006. 70 pp.
Broos, Ben; Van Suchtelen, Ariane; Buvelot, Quentin. Portraits In The Mauritshuis, 1430-1790. Waanders Pub. Amsterdam. 276 pp.
Buvelot, Quentin; Van der Mark, Bieke; Buck, Stephanie; Van der Ploeg, Peter; Runia, Epco; Van Suchtelen, Ariane; Sander, Jochen. Hans Holbein the Younger, 1497/98-1543. Royal Cabinet of Paintings, Mauritshuis. 2003. 184 pp.
Luijten, Ger; Van Suchtelen, Ariane; y contribuciones de Baarsen, Reinier. Dawn of the Golden Age: Northern Netherlandish Art 1580-1620. Yale University Press. 1994. 717 pp.


Historiadores de arte: Austria.

Historiadores de arte: Austria.

Listado de historiadores de arte.
Adam von Bartsch (1757-1821, grabado), Friedrich Bartsch (1798-1873),
Albert Ritter von Camésina (1806-1881, arte medieval), Rudolf Eitelberger (1817-1885, director de museo, profesor, método didàctico, arte medieval), Gustav Heider (1819-1891, historia de arte, preservación de arte, editor, arte medieval), Otto Berndorf (1838-1907), Wilhelm Ritter von Härtel (1839-1907, arte paleocristiano), Moritz Thausing (1838-1884),
Wilhelm Klein (1850-1924, profesor en Praga; arqueología, cerámica griega), Julius Langbehn (1851-1907, historia racista del arte, Rembrandt), Franz Wickhoff (1853-1909, metodología e historia del arte), Alois Riegl (1858-1905, arte tardorromano),
Heinrich Benesch (1862-1947), Josef Strzygowski (1862-1941, arte bizantino y altomedieval), Julius Leisching (1865-1933, director de museo), Julius von Schlosser (1866-1938, historiografía artística),
Hermann Egger (1873-1949, dibujos), Max Dvorak (1874-1921, de origen austro-checo; metodología), Ernst Diez (1878-1961, arte bizantino),
Ludwig von Baldass (1887-1963, Renacimiento nórdico), Fritz Eichler (1887-1971, escultura griega y romana), Karl Maria Swoboda (1889-1977, estructuralista),
Fritz Dworschak (1890-1974, medallística y numismática), Robert Eigenberger (1890-1979, pintura, curador de pintura), Fritz Saxl (1890-1948, iconología), Otto Benesch (1896-1964, Renacimiento nórdico y Rembrandt), Hans Sedlmayr (1896-1984, historia de estilos artísticos), Vladímir Sas Zaloziecki (1896-1959, arte bizantino),
Walter Hahland (1901-1966, cerámica griega), Otto Demus (1902-1990, arte bizantino), Karl Öttinger (1906-1979, arte medieval), Walter Frodl (1908-1994, Románico), Eva Kraft-Frodl (1916, arte austriaco), Walter Koschatzky (1921-2003, director de museo Albertina), Bernard Andreae (1930, sarcófagos romanos), Konrad J. Oberhuber (1935-2007, director de museo Albertina, Rafael), Gerbert Frodl (1940, arte austriaco),
Sabine Haag (1962, directora de museo, comisaria),
Ebba Koch (, arquitectura mogola), Klaus Schröder (director de Albertina Museum de Viena), Wilfried Seipel (director de Kunsthistorischen Museum de Viena),

HISTORIADORES. Orden alfabético.


El psicólogo austriaco KarL Buhler (1879-1963).
Profesor en Viena de Gombrich. Especialista en psicología de la expresión y del lenguaje. Sin ser historiador de arte, su pensamiento ha influido poderosamente en la corriente psicologista.

El historiador de arte austriaco Konrad Fiedler (1841-1895).
Konrad Fiedler (1841-1895), jurista, coleccionista y mecenas, vivió en el mundo cultural de Viena. Publicó bastante tarde (a los 35 años) su primer ensayo teórico, Über die Beuerteilung von Werken der bildenden Kunst (Sobre la crítica de las obras de las artes plásticas, 1876). Su obra más importante es Über den Ursprung der Künstlerischen Tätigkeit (Sobre el origen de la actividad artística, 1887). Su obra estética completa la reunió H. Konnerth en Schriften über Kunst (Escritos sobre arte, 1914), incluyendo las obras anteriormente citadas. Una obra de Fiedler no traducida al castellano es Aforismos. [Un excelente estudio sobre los aforismos de Fiedler se encuentra en Banfi, 1962: 252-281.]
Considera que la actividad artística constituye el desarrollo natural de la concepción-tesis, una estructura mental previa del sujeto-artista, en la que este elabora y explica su conocimiento del mundo. El artista crea unas formas que sólo alcanzan su explicación en ellas mismas, mediante unas leyes formales que el artista nos proporciona (nos comunica).
Parte de la tesis kantiana de la distinción entre la percepción objetiva y la percepción subjetiva, pero las reelabora desde el formalismo herbartiano, al afirmar que las condiciones a priori de la sensibilidad imponen a cada arte un límite y una coherencia propios. El artista no “ve” de un modo distinto que otra persona, pero su papel es activo, en contraste con el papel pasivo del espectador. Su morada es la misma que la de la gente común, pero intensificada. En vez de limitarse, como el espectador, a recibor pasivamente las impresiones visuales, el artista desarrolla la función de su “morada” y se especializa en un conocimiento de la realidad —de una naturaleza particular y en un sentido exclusivamente visual—. La síntesis artística, realizada por el artista, tiene, de este modo, un valor de conocimiento.
Es un conocimiento del mundo que es para el hombre una apariencia visible en la medida que ésta viene al mundo a través de su espíritu. Este subjetivismo, esta creación de la realidad perceptiva a través de los mecanismos psicológicos de la visión, explica la relación entre la teoría de la “pura visibilidad” y el arte expresionista alemán.
A partir de esta tesis, cabe plantear la historia del arte de un modo nuevo, como la historia del conocimiento de lo real bajo el aspecto de la visibilidad —que constituye la verdadera naturaleza de la actividad artística—. Es la tesis que subyace, por ejemplo, en los trabajos de Svetlana Alpers sobre la morada “científica” de los pintores holandeses del siglo XVII.
Esto no implica que la historia del arte no sea también la historia de la expresión de una época, de un pueblo, de exigencias culturales y sociales determinadas, pero sin duda enriquece notablemente el abanico de intereses y cuestiones a dilucidar. Fiedler, en todo caso, no sigue la línea hegeliana y no cree que la historia del arte sea una evolución ininterrumpida e impersonal —determinada por leyes históricas— de los elementos visuales. Al contrario —y esto le separa de Wölfflin, que rechazaba la personalidad del artista, subsumido en el estilo de su época, en una “historia anónima del arte”—, Fiedler afirma que lo más importante es la acción de las personalidades “fuertes”, que revelan nuevas perspectivas visuales —estilísticas— y marcan así una evolución discontinua de la historia visual.
En suma, Fiedler afirma la necesidad de fundar el juicio artístico en elementos formales de la obra de arte, en valores efectivos de estilo.
El impacto de sus tesis fue determinante sobre la Escuela de Viena, con las figuras de Wickhoff, Riegl, Dvorak, Frey, Worringer, Wölfflin. Para el pintor Paul Klee la teoría de Fiedler sería la primera poética del arte abstracto, al reivindicar la visualidad del arte plástico, en contraposición a la alternativa de la mímesis de la realidad, la figuración.


El historiador de arte austriaco Werner Hofmann (1928).
Werner Hofmann (Viena, 1928), formado en la tradición vienesa de Hans Sedlmayr, retrocede la ruptura del arte contemporáneo desde el siglo XIX hasta 1750, rechazando los conceptos de neoclasicismo y romanticismo, que sustituye por los de desintegración y polifocalidad. [Hofmann, Werner. Une époque en rupture 1750-1830. Gallimard. París. 1995. 720 pp. 563 ilus. Véase entrevista Coignard a Hofmann. “Beaux Arts”, 139 (XI-1995) 14-15.]
Pone como ejemplo de la invalidez de aquellos conceptos su inaplicabilidad a David y Goya. Así, El juramento de los Horacios lo asimila a los polifocales trípticos del gó­tico. Es una época de desintegración de las formas, de rechazo de la fórmula del tableau fenêtre. Las licencias del capricio permiten a Poranesi y Goya, como a Manet o Gauguin juxtaponer las imágenes. Hofmann caracteriza el impresionismo por su sentido de la monofocalidad, pero niega que este movimiento sea un germen del siglo XX; al contrario, es un retorno al tableau fenêtre, y considera que el verdadero punto de partida del siglo XX se encuentra en la obra de Munch o Klinger.

El historiador de arte austraico Ernst Kris (1900-1957).
Conservador del Departamento de Artes Aplicadas del Kunshistorisches Museum de Viena. Interesado en el psicoanálisis, amigo y promotor de Gombrich (le recomendó a Fritz Saxl, director del Warburg Institute).
Kris, Ernst. Psicología del Arte y del artista. Paidós. Buenos Aires. 1964. 202 pp. (comprende una obra conjunta con Gombrich).

Kris, Ernst; Kurz, Otto. La leyenda del artista. Cátedra. Madrid. 1991 (1979). 133 pp. 
  
El historiador del arte austríaco Julius von Schlosser (Viena, 1866-1938).
Julius von Schlosser (Viena, 1866-1938), profesor en la Universidad de Viena, fue un gran erudito y promotor de sus alumnos, aunque Gombrich le criticara sus aburridos monólogos. Formado en la Escuela de Viena, en contacto con Wickhoff, Riegl y Dvorak, su método filológico e histórico de análisis de los fenómenos artísticos y el atento estudio de las fuentes fueron determinantes para la publicación de textos fundamentales en la historia del arte: El arte de la Edad Media (1923), La literatura artística (Die Kunstliteratur, 1924). Fue director de las colecciones de artes menores del Kunsthistorisches Museum de Viena.
Schlosser, Julius von. La literatura artística. Cátedra. Madrid. 1976 (1924). 640 pp.

El historiador de arte austríaco Franz Wickhoff (1853-1909).

El Génesis de Viena (1895).
Franz Wickhoff (Steyr, 1853-Venecia, 1909), inspector del Museo Austríaco de Arte y Oficios y profesor universitario en Viena (1882-1909), fue fundador de la Escuela de Viena e introdujo el concepto de la originalidad del Arte romano con respecto al griego. Es autor de El Génesis de Viena (1895), un estudio de las miniaturas de un códice miniado del s. IV conservado en la Biblioteca de Viena, a través del cual reconstruyó el desarrollo de las características estilísticas del Arte romano, desde Augusto a Constantino.
Wickhoff reclamaba una historia científica del Arte sin palabrería bella pero vacía: “El objetivo (…) es situar la historia del Arte entre las filas de otras ciencias históricas tratando su objeto de estudio de manera científica”. [Wickhoff. An die Lerser! “Kunstgeschichtliche Anzeigen”, nº 1 (1904). Trad. a partir de versión inglesa de Gombrich, cita de Woodfield en p. 80 de Gombrich, E. H. Gombrich esencial. Textos escogidos sobre Arte y cultura. Richard Woodfield (ed.). Debate. Madrid. 1997 (1996).]

domingo, 27 de abril de 2014

Las pin-up estadounidenses.

LAS PIN-UP ESTADOUNIDENSES.

El concepto y la aparición de la pin-up.
Las pin-up, literalmente pinned-up (colgada en la pared) es el término para las chicas calendario, también llamadas cheese-cake (tarta de queso), con técnicas de dibujo en color y fotografía, para su reproducción en cartel o en revistas. 
Las pin-up fueron un ejemplo del estrecho maridaje entre fotografía y dibujo que ya se había iniciado en el siglo XIX a partir del realismo, como se advierte en conocidos maestros de la pintura como Courbet o Manet. El movimiento del pictorialismo fotográfico será su más preclaro fruto.
Pero hubo que esperar al desarrollo de las técnicas de reproducción masiva de carteles, en los dos primeros decenios del siglo XX, al cambio cultural de la sociedad estadounidense en los años 20, the happy twenty, y a la consolidación de the american way of life, para que se dieran las condiciones precisas para el un éxito popular inmenso. Fueron aceptadas en la mayoría de los hogares de EE UU entre los años 20 y los 70, compradas como calendarios o recortadas de revistas, consagrando a actrices como Betty Grable o modelos como Bettie Page. Su momento de mayor éxito fue sin duda la II Guerra Mundial, cuando las pin-up se convirtieron en el icono de la buena chica americana, bonita, sana y moderadamente coqueta, que espera el retorno del soldado para casarse y fundar una familia.

Betty Grable en la foto pin-up más vendida durante la Segunda Guerra Mundial.

El prototipo femenino se consolidó en estos años: piel blanca y delicada, ojos grandes, labios  carnosos pintados de rojo, cuello largo y ofrecido con unos escotes pronunciados, piernas muy largas desnudas o con medias y liguero, y alzadas sobre zapatos de tacón alto. Una visión de mujer-objeto apetecible para el macho americano mecido desde la cuna con una educación patriarcal.




Los grandes ilustradores.
Los primeros grandes dibujantes de pin-up fueron en los años 20 y 30 George Petty (1894-1972) y el peruano Fred Vargas (1896-1982), para la revista "Esquire" y otras publicaciones.
"La revista 'Esquire' [dirigida a un público masculino, principalmente] fue la primera en publicar ilustraciones pin-up, sobre todo de George Petty y Alberto Vargas", continúa relatando el ilustrador (y coleccionista 'pin up') Vicente. Aquellos dibujos dispararon las ventas de la revista. En la imagen, a la izquierda, 'La bailarina', ilustración de George Petty.  A la derecha, la actriz Olive Thomas dibujada por Alberto Vargas. Las chicas que pintaba eran conocidas como las 'Varga Girl' y también aparecieron en la revista 'Playboy'.
George Pett:y: La bailarina.                                Fred Vargas: La actriz Olive Thomas (1920).

Las chicas pin-up tienen los labios rojos y la cintura estrecha. Sus piernas infinitas y desnudas terminan en un par de zapatos de tacón, incluso cuando acaban de salir de la ducha. Son todo curvas perfectas desde los rizos al pecho, de los muslos al tobillo. Cuando nadie se atrevía a hablar de sexo, allá por los lejanos y felices años 20, ellas se fueron quitando la ropa y posaron para la posteridad. Gil Elvgren (1914-1980) fue uno de los artistas que pintó a estas mujeres de carne y hueso.
Las ilustraciones de Gil Elvgren (1914-1980), que tuvo una larga carrera entre 1945 y 1972, se basaban en fotografías de estilo pictorialista. Elvgren (y años más tarde un ayudante) fotografiaba a actrices famosas como Myrna Loy, Donna Reed o Kim Novak, o a su propia esposa, Janet Cummings, en poses insinuantes, que luego dibujaba y retocaba para hacerlas más atractivas para los famosos calendarios de  la editorial Brown & Bigelow. Hay una colección especializada sobre Gil Elvgren, "Great American Pin-up", en la Louis K. Meisel Gallery.

La decadencia.
Pero en los años 80 la extensión de la liberación sexual provocó que estos dibujos de un erotismo soft, pues no desnudaban un órgano sexual o los pechos (Vargas fue una excepción en cuanto a estos), perdieran interés para unos y provocaran una reacción conservadora en los otros. De repente, en el transcurso de unos pocos años, desaparecieron de las cocinas y los comedores, aunque desde entonces se han convertido en objeto de culto para coleccionistas y las pin-up clásicas se han convertido en un referente de legitimación para fotografías y dibujos a menudo lindantes con la pornografía, que tienen su lugar preferido en los dormitorios de los estudiantes (la actriz Farrah Fawcett fue su hito máximo durante años), pero que los puristas no catalogan en sentido estricto como pin-up, Sus defensores consideran que han ahondado en la idea de la liberación sexual de la mujer pero sus detractores sostienen que eternizan la condición de la mujer como complaciente objeto de deseo del hombre. Ejemplos de esta derivación hacia un erotismo más evidente son las fotos que aparecen en la revista "Playboy" desde ya antes de los años 80.
Los dibujantes más famosos desde los últimos decenios del siglo XX, que trabajan a menudo la historieta, son ahora europeos en su mayoría, como los franceses Denis Sire (1953) y Philippe Berthet (1956). Destaca también la obra del japonés Hajime Sorayama (1947).

Denis Sire.

Philippe Berthet
Hajime Sorayama

Fuentes.
Internet.
[http://thepinupmagazine.com/] Revista actual sobre las pin-up.
Libros.
Martignette, Charles G. The Great American Pin-up. Taschen. Lavergne (Tennessee). 1996. 380 pp. 900 ilustraciones. El indiscutible libro de referencia.
Artículos.
Hanson, Dian. Dian Hanson’s History of Pin-up Magazines. Taschen. Colonia. 2013. Tres tomos con numerosas ilustraciones sobre la evolución de las pin-up en las revistas de 1900-1969, aunque incorpora imágenes próximas a la pornografía. Reseña de Fajardo, José. Pin-up, historia de una provocación. “El Mundo” (8-IV-2013). [http://www.elmundo.es]

Crespo, María. Chicas ‘pin-up’ de carne y hueso. “El Mundo” (27-IV-2014). [http://www.elmundo.es]

martes, 22 de abril de 2014

HA 3 UD 6. El arte del Egeo: 1. Introducción al arte del Egeo, minoico y micénico. El arte cicládico.

HA 3 UD 6. EL ARTE DEL EGEO: 1. EL ARTE CICLÁDICO.

EL ARTE DEL EGEO.
Introducción.
Las leyendas griegas sobre la época.
Los descubrimientos arqueológicos.
Evolución histórica de Egeo durante la Edad del Bronce.
La ciudad de Troya.

1. EL ARTE CICLÁDICO.
CARACTERÍSTICAS.
ESCULTURA.

EL ARTE DEL EGEO.
Introducción.
La civilización del Egeo es un término usado para referirse a la civilización desarrollada durante la Edad del Bronce hacia 3000-1200 aC en la cuenca del mar Egeo, principalmente en las islas Cícladas, en la isla de Creta y en la Grecia continental.



Los escritores de la antigua Grecia contaban historias de una remota “edad de los héroes”, pero no se conoció nada concreto sobre la civilización del Egeo hasta finales del siglo XIX, cuando comenzaron las excavaciones arqueológicas en los yacimientos de las legendarias ciudades de Troya, Micenas, Cnosos, y otros centros de la Edad del Bronce.
Después de la cultura cicládica, aparecen sus dos culturas principales: la minoica, que floreció en Creta y alcanzó su esplendor a mediados de la Edad del Bronce (c. 2000-1450 aC), especialmente en las ciudades de Cnosos, Festos y Mallia; y la micénica, que se desarrollo sobre todo a finales de la Edad del Bronce (c. 1450-1100 aC), sobre todo en las ciudades de Micenas, Tirinto y Pilos.


Tauromaquia o Danza del toroFresco de Cnosos. Col. Museo de Heraklión.


Sacerdotisas oferentesFresco de Cnosos. Col. Museo de Heraklión.

El arte llamado egeo se desarrolla en los milenios III y II aC en el ámbito del Mar Egeo. El concepto de arte egeo es confuso y no hay un amplio consenso al respecto: generalmente los historiadores entienden que comprende las artes de las culturas cicládica, minoica y micénica, junto a otras de menor importancia en Eubea, Rodas o la costa anatolia, como la antigua Troya de Homero, pero algunos los separan en tres artes independientes y otros consideran que el cicládico está completamente separado del creto-micénico (minoico y micénico).
El origen común es probablemente el estilo pictórico naturalista que empezó en la Creta minoica; el movimiento y variedad del arte minoico, incluso en su primera fase abstracta, sugiere vida. Desde Creta, este estilo se extendió a otras islas egeas y al continente griego, donde fue modificado por las tendencias geométricas ya presentes. La temática humana y animalística que caracteriza al arte egeo sugiere una religión de la naturaleza.


Cerámica de época cicládica (isla de Rodas) con motivos geométricos y de animales. Destaca el motivo del pájaro. 


Cerámica minoica con motivos geométricos de animales.

Se ha establecido que hubo influencias del arte minoico y micénico sobre el arte griego prearcaico, debido a que muchos artesanos continuaron con producciones inspiradas en modelos anteriores a las invasiones dorias, especialmente en los lugares donde los recién llegados eran minoritarios o no se establecieron. Pero no se debe exagerar esta influencia, pues hubo una ruptura cultural y artística radical, como se advierte en la pérdida de la técnica de edificar palacios fortificados, pintar los frescos minoicos o del uso de la escritura lineal.

Las leyendas griegas sobre la época.
Según la mitología griega, hubo un tiempo en el que tuvieron lugar grandes acontecimientos, en los cuales los dioses mismos se implicaron en los asuntos humanos. La historia del rey Minos y de la muerte del Minotauro en el laberinto a manos del héroe griego Teseo pudo ser la interpretación mítica de la lucha por la hegemonía en el mar Egeo, tras la cual Micenas obtuvo el control de Cnosos. El poema épico de Homero La Ilíada describe los acontecimientos de la Guerra de Troya, la cual se cree provocó la caída (tradicionalmente se data en 1184 aC) de Troya en manos de los griegos, o aqueos, como los llamaba el famoso bardo, que también menciona los lugares que se supone son los centros del periodo micénico, tales como la “Micenas dorada”, donde el rey Agamenón reinó; Pilos, donde Néstor fue asesinado, y Ftia en Tesalia, el hogar del héroe Aquiles.


Máscara de Agamenón. Micenas. En realidad perteneció a un rey unos dos siglos anterior.

Los descubrimientos arqueológicos.
Heinrich Schliemann.

Un arqueólogo alemán aficionado, Heinrich Schliemann, fue el responsable de algunos de los descubrimientos más famosos del siglo XIX en la región del Egeo. En 1870 comenzó a excavar el montículo llamado Hissarlik, en Turquía, y en 1871 encontró las ruinas de Troya (también llamada Ilión). Más tarde, halló en el Peloponeso griego los enclaves de Micenas en 1876-1878 y Tirinto en 1884. Descubrimientos de fortificaciones, cerámica, ornamentos y tumbas reales conteniendo oro y otros artículos demostraron la existencia de una civilización muy desarrollada que había florecido desde aproximadamente el 1500 hasta el 1200 aC. El trabajo de Schliemann fue continuado por numerosos ar­queólogos desde finales del siglo XIX y durante el siglo XX.


Los delfines. Fresco minoico en Cnosos.


Reconstrucción de una galería del primer piso del palacio de Cnosos.



Arthur Evans.

En 1900 el arqueólogo británico sir Arthur Evans descubrió en la isla de Creta un palacio grande y complejo en Cnosos, que relacionó con el rey Minos y el laberinto. Evans también descubrió tablillas de arcilla cocida con dos tipos de escritura, que se remontan a la mitad del II milenio aC, denominadas lineal A y lineal B. Las tablillas de escritura lineal B, aproximadamente del 1200 aC, también se han encontrado en Pilos, Micenas y otros lugares. Dos británicos, el criptólogo Michael Ventris y el erudito clásico John Chadwick, probaron que el lineal B es una proto-forma del griego, mientras que el lineal A es la lengua de la Creta minoica, aún sin descifrar. El descubrimiento del lineal B en Creta avanza la conclusión de que los micénicos, desde el continente, invadieron a los minoicos a mediados del segundo milenio aC y que la conquista fue completada hacia el 1450 aC.


Tablillas con signos de Lineal A (izquierda) y Lineal B (derecha).

Dibujos de tablillas con signos de Lineal B.

Además, artefactos encontrados en las islas Cícladas señalan la existencia de una civilización cicládica que tenía conexiones con las continentales y las cretenses. Excavaciones más recientes en las islas que rodean Delos datan la cultura cicládica en el IV milenio aC, cuando los comerciantes en busca de obsidiana (un cristal volcánico) y los pescadores establecieron asentamientos temporales en ella. Aunque no se han encontrado muestras de escritura, los cicládicos elaboraban una cerámica característica, joyas e ídolos de mármol, generalmente representando mujeres y frecuentemente de tamaño natural, que originariamente eran pintados lujosamente. Incorrectamente llamados “diosas madre”, estos ídolos asociaban al difunto con el poder del mar, que fue el centro de la vida de las Cícladas.
Desde los años 1930 las excavaciones del profesor griego Marinatos (desde 1932 hasta su muerte en 1967) de un asentamiento cicládico en la isla de Santorín (o Thera) han descubierto frescos y artefactos similares a los de la civilización minoica. La isla fue destruida por una gran erupción volcánica h. 1627 aC (otros estudios afirman que h. 1450 y otros fue h. 1214), seguida de un catastrófico maremoto que afectó a la civilización cretense y podría haber sido la base para los escritos de Platón sobre la desaparición del continente de la Atlántida. [http://es.wikipedia.org/wiki/Santorini].


Ruinas de Santorín (o Santorini o Thera).




Vista aérea y de la ladera de la pared interior del volcán Santorín.

Evolución histórica de Egeo durante la Edad del Bronce.
Descubrimientos arqueológicos recientes, tales como los de la localidad de Dimini en Tesalia, al norte de Grecia, han proporcionado pruebas materiales de una progresión cultural desde el neolítico hasta la edad del bronce, que comenzó aproximadamente hacia el 3000 ac y de la que se han identificado tres fases: primitiva, media y última.
1) Bronce primitivo. Hacia el 3000 aC llegaron nuevos pobladores al Egeo, quizá procedentes de Asia Menor, que usaban el bronce para sus armas y herramientas. En el continente los poblados eran pequeñas comunidades independientes, generalmente protegidas por gruesos muros, que en Creta y de las islas Cícladas se hicieron más complejas a lo largo de los siglos siguientes. Los enterramientos eran al principio comunales en todo el Egeo, con un lugar de ofrendas para el culto y un rico ajuar funerario acompañando el cadáver, pero las costumbres funerarias se diversificaron: en el continente, las sepulturas eran fosas comunes, aunque algunas eran más elaboradas; en las Cícladas, las sepulturas consistían en cámaras cubiertas de piedra (cistas); y en Creta utilizaban tumbas de piedra circulares, osarios rectangulares (depositos de huesos) y cuevas.
2) Bronce medio. Hacia el 2200-1800 aC otra ola de nuevos pobladores, de la familia lingüística indo-europea, probablemente desde los Balcanes, llegó al continente y las islas Cícladas. Muchos de los asentamientos previos fueron destruidos y se estancó la cultura durante dos siglos, especialmente en el continente. Los invasores introdujeron nuevos tipos de cerámica y el uso del caballo.
En cambio, Creta se salvó de esta invasión y desarrolló en este periodo y el segundo milenio aC una cultura floreciente, la minoica, caracterizada por las grandes construcciones, los frescos, los jarrones y una escritura temprana. Destacan los grandes palacios reales construidos alrededor de amplios patios eran los puntos centrales de estas comunidades, siendo el más importante el de la ciudad de Cnosos, que fue destruido por terremotos (probablemente desde 1700, tal vez siendo el peor el de 1627 aC), reconstruido a una escala mayor y ocupado finalmente por una invasión micénica hacia el 1450 aC (otras estimaciones apuntan a 1400 o como máximo h. 1380). Los minoicos destacaron en la artesanía, dominaron el mar Mediterráneo oriental y comerciaron con las Cícladas, la Grecia continental, Chipre, Siria, Sicilia y Egipto.



La religión minoica es representada artísticamente por una sacerdotisa-serpiente, o diosa-serpiente, cuyo culto estaba asociado a la fertilidad y al ciclo lunar y solar. Esta figura de culto había sido una diosa del tipo de las del Próximo Oriente, que probablemente, junto con su consorte moribundo y resucitado, simbolizaban las estaciones.


Diosa de la serpiente. Cnosos. Col. Museo de Heraklión.

3) Bronce último. A la destrucción de los palacios de Creta aproximadamente en el 1450 aC le siguió el declive de los minoicos y el desarrollo de los micénicos, de los que hay numerosas pruebas arqueológicas en Creta, como su arte y las tablillas de lineal B. Las ciudades del continente se convirtieron en los nuevos centros preponderantes de la civilización del Egeo. Sus grandes fortificaciones así como los jarrones pintados con escenas de caza, batallas y enterramientos de jefes militares, y de un estilo geométrico, prueban que los micénicos eran un pueblo guerrero.


Micenas, con la puerta de los Leones en la parte inferior y la ciudadela al fondo.


Puerta de los Leones. Micenas.


Micenas, en la calle circundante a las tumbas de los reyes.


Tumba de Atreo. Afueras de Micenas. En realidad perteneció a unos reyes dos siglos anteriores a Atreo, el padre de Agamenón.

Por lo general, la ciudad micénica se elevaba sobre una colina, con un palacio fortaleza del rey en el punto más alto. La rodeaban murallas gruesas de piedra desigual, denominadas muros ciclópeos. Las ciudades más grandes, como Micenas, tenían barrios extramuros, de materiales perecederos por lo que apenas han dejado rastro.


Las tablillas en escritura lineal B proporcionan nombres de dioses griegos, tales como Zeus, y anotaciones detalladas de la contabilidad de las posesiones reales. El oro, máscaras, armas y joyas encontrados por Schliemann en los emplazamientos de los enterramientos reales (datados h. 1600 aC) indican la gran riqueza y el poder obtenido por los micénicos cuando conquistaron el imperio mercantil minoico.

La ciudad de Troya.

Troya h. 1200, en la época de su destrucción por los aqueos.

Troya, situada en el Helesponto era un punto crucial en el comercio entre Europa y Asia, entre el Mediterráneo y el Mar Negro, y probablemente sus reyes recaudaron peajes a los mercaderes micénicos, lo que incitó a estos a atacarla. Las pruebas arqueológicas indican que la ciudad del nivel VIIa fue destruida aproximadamente en el 1200 aC, muy cerca de la fecha (1184 aC) aceptada por los antiguos griegos, lo que corroboraría parte del relato homérico.
Pero poco después del 1200 aC la civilización egea se derrumbó, hecho que algunos historiadores atribuyeron al desastre natural de Santorín y en la actualidad se apunta, más probablemente, a la invasión de los dorios, un nuevo pueblo griego procedente de los Balcanes, más guerrero todavía que los aqueos, a los que superó gracias a sus armas de hierro y carros de batalla. Este periodo coincide con los ataques de los Pueblos del Mar que destruyeron el imperio hitita y amenazaron incluso Egipto. Siguió un periodo conocido como Edad Oscura.

2. EL ARTE CICLÁDICO.

CARACTERÍSTICAS.



La civilización cicládica, que no era todavía griega, se expande en el III milenio sobre las islas del Egeo, especialmente sobre las Cícladas en su zona central. Es una civilización que se alimenta de la agricultura y ganadería de las islas, y que tiene una notable vida marítima, puesto que comercia con la obsidiana, el mármol y los metales de sus propias mina y los intercambia por productos que de las rutas comerciales entre la península de Anatolia y la Grecia continental.
En el II milenio fue sustituida por la civilización minoica, que la sometió a tributo e impuso finalmente su cultura.

ESCULTURA.
La escultura cicládica es de excepcional calidad por su gran pureza y abstracción, lo que ha despertado la admiración de artistas contemporáneos como Brancusi, Giacometti, Picasso, Moore o Miró.


Escultura cicládica. Col. Museo Arqueológico Nacional, Atenas.


El arpista. Col. MET, Nueva York.


Figurillas femeninas.

Las figuras antropomórficas de las islas Cícladas (sobre todo Syros y Keos) son ídolos de una estética esquemática en sus estilizados contornos que recuerdan los de los violines, cuellos alargados y los rasgos apenas definidos del rostro. Pueden ser de tamaño natural con hasta 1,5 metros de altura en las pocas piezas situadas en santuarios importantes, o un tamaño más reducido para las piezas más frecuentes, con una media de 20-40 cm. El material es el mármol, muy abundante y de calidad en la isla de Paros. Están brillantemente pintados, aunque hoy han perdido el color. La temática es normalmente de mujeres con sus brazos cruzados debajo del pecho, evocando tal vez la Diosa-Madre anatólica, pero con más probabilidad la relación del de la comunidad con el mar; hombres sentados tocando el arpa (El tañedor de arpa de Keos) o la flauta, o sosteniendo copas en sus manos.

FUENTES.
Internet.
Enciclopedia Encarta, de Microsoft. Es la fuente principal, en una amplia paráfrasis, de la mayoría de apartados.

Documentales.
Arte minoico. Varios documentales. [https://www.youtube.com/playlist]
La guerra de Troya. Documental. Dos partes de 46 minutos. Las excavaciones arqueológicas en Troya y la interpretación de la Iliada de Homero.

Troya. Documental. 52 minutos. Se centra en aspectos como el mito, la excavación de Schliemann y las “joyas de Príamo”.

La civilización de los héroes. 24 minutos. Serie Secretos de la Arqueología. Ebla (Siria), Troya (Anatolia), Micenas (Peloponeso).
La civilización minoica. Conferencia de la profesora Eva Tobalina sobre la civilización cicládica y la minoica. 73 minutos. [https://www.youtube]

Exposiciones.
*<Esculturas de arte cicládico>. Madrid. MNCARS (26 mayo-30 agosto). 58 esculturas de colección del ateniense Museo de Arte Cicládico de la Fundación Nicholas P. Goulandris. Reseña de Samaniego, Fernando. Las esculturas de las islas Cícladas mantienen 5.000 años de misterio. “El País” (25-V-1999). El museo tiene 300 obras de gran calidad.

Libros.
Broodbank, Cyprian. An Island Archaeology of the Early CycladesCambridge University Press. Cambridge. 2002. 436 pp.
Castleden, Rodney. Minoans: Life in Bronze Age Crete. Routledge. Nueva York. 1990. 210 pp.
Dickinson, Oliver. The Aegean Bronze Age. Cambridge University Press. Cambridge. 1994. 366 pp.
Higgins, Reynold. Minoan and Mycenaean Art. Oxford University Press. Nueva York. 1981. 216 pp.
Hood, Sinclair. The Minoans. Praeger. Nueva York. 1971. 239 pp.
Hood, Sinclair. The Arts in Prehistoric Greece. Yale University Press. New Haven. 1994. 311 pp.
Hornblower, Simon; Spawforth, Antony (eds.). The Oxford Classical Dictionary. Oxford University Press. Nueva York. 2003 (3ª ed. rev.). 1.700 pp.
Pedley, John Griffiths. Greek Art and Archaeology. Harry N. Abrams. Nueva York. 1998 (2 ed.). 384 pp.
Shelmerdine, Cynthia W. The Cambridge Companion to the Aegean Bronze Age. Cambridge University Press. Cambridge. 2008. 554 pp.