Mis blogs

Mis Blogs son: Actual (Actualidad y Aficiones), Heródoto (Ciencias Sociales, Geografía e Historia), Plini (Ciències Socials, Geografia, Història i Història de l’Art), Lingua (Idiomas), Oikos (Economía y Empresa), Paideia (Educación y Pedagogía), Sophia (Filosofía y Pensamiento), Sport (Deportes), Thales (Ciencia y Tecnología), Theos (Religión y Teología), Tour (Viajes), Altamira (Historia del Arte y Arquitectura), Diagonal (Cómic), Estilo (Diseño y Moda), Pantalla (Cine, Televisión y Videojuegos), Photo (Fotografia), Letras (Literatura), Mirador (Joan Miró, Arte y Cultura), Odeón (Ballet y Música).

viernes, 14 de diciembre de 2018

Comentario: Santa Sofía de Constantinopla.

Comentario: Santa Sofía de Constantinopla.


File:Turkey-3019 - Hagia Sophia (2216460729).jpg

Descripción y construcción.
La Santa Sofía o Hagia Sophia (Santa Sabiduría), la tercera y actual, la construyeron los arquitectos Antemio de Tralles (matemático, que probablemente tuvo la idea principal pero que no pudo verla desarrollarse porque murió al año de iniciarse el proyecto) e Isidoro de Mileto (físico) en sólo cinco años, como una iglesia de Corte, unida al palacio imperial (el emperador tenía su trono en la tribuna).
Se construyó sobre los restos de una primera Santa Sofía, construida probablemente por el emperador Constancio II en 360 según el modelo basilical paleocristiano, e incendiada en 404 (no quedan restos visibles), y de una segunda Santa Sofía, erigida por Teodosio II en 415 y nuevamente incendiada durante la revuelta popular Nika en 532 (de esta han quedado apenas unos relieves y mármoles). 
En su construcción, según el historiador Procopio, trabajaron más de 10.000 obreros durante 5 años, 10 meses y 10 días a las órdenes de un centenar de arquitectos. Con autorización de Justiniano, se saquearon muchos monumentos paganos de Europa y Asia, como el gimnasio de Éfeso o algunos templos de Atenas y Delfos, y se usaron los mejores materiales para los muros (piedra basáltica de la región del Bósforo, piedra amarilla de Siria) y las columnas monolíticas de pórfido egipcio (piso inferior) y mármol verde de Tesalia (piso superior). En su inauguración en 537 el emperador dijo aquella frase célebre: “Oh, Salomón, te he superado”, y durante un milenio fue el monumento más importante del cristianismo puesto que las obras de la actual iglesia de San Pedro de Roma no comenzaron hasta el siglo XV.
La principal modificación posterior fue obligada: la sustitución de la primera cúpula, que cayó por su exceso de peso y los grandes empujes laterales y transversales, al sufrir sendos terremotos en 553, 557 y el definitivo en 558, cuando cayó del todo. Entre 558 y 562 Isidoro el Joven, sobrino de Isidoro de Mileto, la reconstruyó (además de otras partes del templo y muchos arcos) con materiales más ligeros que permitieron elevarla más, consolidarla con nervios y abrir las ventanas del tambor, instalando las pechinas actuales para repartir el peso en los pilares, además de añadir refuerzos en las semicúpulas, exedras y contrafuertes, y fue reconstruida en otras dos ocasiones debido a nuevos terremotos en 869 y 989.

En el saqueo de 1204 probablemente los cruzados robaron el famoso iconostasio de plata de 15 metros de altura que separaba la nave central del presbiterio, así como muchas reliquias y objetos de metales preciosos.

El 29 de mayo de 1453, tras la toma de Constantinopla, el sultán Mehmet II hizo pronunciar el sermón que convirtió la basílica en mezquita y hoy se llama en turco Aya Sofya Müzesi. Obras turcas son el añadido de contrafuertes y los cuatro minaretes exteriores, mientras que la decoración interior de mosaicos que ya había sufrido una primera y casi completa destrucción por la furia iconoclasta de los propios bizantinos, más tarde fue cubierta por los turcos con yeso; y se colgaron unos grandes medallones (7,5 metros de diámetro) con los nombres de Alá, Mahoma y los cuatro primeros califas; se pintaron versos del Corán y se instaló el ábside del sultán. Hasta 1935 se usó como mezquita; después el líder turco Kemal Atatürk transformó el edificio en museo.

Análisis formal.

Resultado de imagen de Santa sofia de Constantinopla.

Santa Sofía


El exterior, de aspecto sobrio y especial austeridad debido a la ausencia de decoración, se configura de acuerdo a una jerarquía piramidal, con una ascensión de la composición de volúmenes hacia la cúpula, pero el mayor interés artístico, como en todas las iglesias bizantinas, se concentra en el espacio interior.

Resultado de imagen de Santa sofia de Constantinopla. plano


Resultado de imagen de Santa sofia de Constantinopla. plano

La planta es un núcleo cuadrado de 77 metros de largo y 33 metros de ancho, de doble casco y se desarrolla en un sutil eje axial (longitudinal), conformado por dos atrios (aunque uno fue eliminado), un doble nártex (algunos autores usan el término exonártex para el más exterior), más dos grandes semicúpulas, una que antecede y otra que sucede, a la cúpula central.
Las dos grandes semicúpulas son soportadas en parte por otras menores que llamamos exedras, y por las galerías o naves laterales que están cubiertas por bóvedas de arista y que alternan con tramos cubiertos por bóveda de cañón, que enmascaran los enormes contrafuertes que sustentan el peso de la estructura. Ese sentido axial era mayor todavía en la época de su construcción, pues ha desaparecido uno de los dos atrios.
El núcleo central está flanqueado en el eje longitudinal por dos enormes arcos (abiertos por ventanales) bajo los cuales discurren los dos pisos de las dos naves laterales, en el segundo piso con tribunas (matroneum) para las mujeres. Las columnas del núcleo central (en el cuadrado interior, al norte y el sur) son pareadas, formando nichos.

Resultado de imagen de Santa sofia de Constantinopla.

Resultado de imagen de Santa sofia de Constantinopla. plano

El presbiterio está formado por un pequeño ábside o tramo cubierto con bóveda de cañón, y por una exedra semicircular cubierta por una bóveda de horno que al exterior se muestra poligonal. No hay pastoforios, debido a que la procesión ritual partía del cercano palacio imperial.

Resultado de imagen de Santa sofia de Constantinopla.

Sokollu Mehmet

Santa Sofía

El logro más importante es la inmensa cúpula central de 32 metros de diámetro (menor que la del Panteón romano, de 44 metros) que se eleva a 56 metros del suelo, y descansa sobre un tambor que se monta sobre cuatro pechinas que caen sobre cuatro  inmensos pilares, Parece flotar sobre un anillo de luz que penetra por los 40 vanos que circundan su base, por lo que es una cúpula baída; en cada uno de ellos hay una ventana que ilumina directamente la nave y que en determinados momentos del año y del día provoca el efecto “cúpula colgante”.
No es una perfecta cúpula gallonada, pero está reforzada internamente por los 40 nervios (no resaltan en relieve pero sí visualmente) de otros tantos plementos o gajos. Por fuera destaca poco, en parte por los refuerzos que se pusieron en la segunda reconstrucción de la cúpula para evitar su caída.
La descomposición de los empujes es distinta según los ejes.
Para sostener la pesada cúpula y facilitar el tránsito de la planta circular hacia la planta cuadrada se requieren cuatro enormes pechinas (triángulos esféricos), que discurren entre el borde de la cúpula y los machones (pilares gigantes) de los cuatro enormes arcos torales, más cuatro arcos auxiliares que soportan las dos semicúpulas y los cuartos de esfera de las exedras. Los pilares destacan mucho en el exterior.
La gran innovación respecto al Panteón de Roma (de círculos concéntricos y que se apoyaba en un muro circular) es este apoyo en pechinas y semicúpulas  y de estas en otras semicúpulas menores llamadas exedras, y a su vez el de todos estos elementos en pilares.
Las naves laterales y las tribunas están cubiertas con bóvedas de arista, mientras que algunos nichos libres están cubiertos con bóvedas de cañón. Las paredes exteriores están reforzadas con contrafuertes.

Resultado de imagen de santa sofia de constantinopla

La decoración.
La luz del interior se concentra hábilmente en el núcleo central y el ábside, ayudado por los capiteles, con lo que se consiguió un espacio de apariencia mágica, dispersado en los bordes mediante las semicúpulas, las exedras, los nichos y las arquerías, y dominado por la cualidad material de la luz, un efecto reforzado mediante la decoración de revestimiento de los mármoles polícromos, los mosaicos deslumbrantes, las puertas de bronce, y las columnas (cuatro pares en el piso inferior y ocho individuales en el superior a cada lado) de pórfido egipcio y de mármol verde tesalio, algunos probablemente saqueados de otros templos o tal vez reutilizados de las dos primeras iglesias del lugar, con capiteles típicamente bizantinos. 

basilica santa sofia capiteles bizantinos

Capitel

Los capiteles bizantinos o de “albarda” de las columnas son variaciones del orden corintio, en el que se estilizan los elementos vegetales, son de mármol blanco, del tipo prismático (pirámide invertida) y un alto cimacio (o cornisa), con adornos de hojarasca labrada al trépano de origen teodosiano, o caprichosos con recamado; la decoración de capiteles es de una gran maestría, con una técnica de trépano de preciosos efectos lumínicos, ayudando a crear un ambiente desmaterializado e irreal.

basilica santa sofia mosaicos bizantinos
Mosaico del Pantocrator.

Resultado de imagen de Santa sofia de Constantinopla mosaico
Mosaico de la emperatriz Zoé.
Los mosaicos eran de gran calidad y sobreviven algunos pese a los intentos iconoclastas de destrucción y a la cubrición con cal que sufrieron a manos turcas. Destacan el del Pantocrator y el de la emperatriz Zoé.

Significado.
El templo fue construido para ser la iglesia oficial del emperador y su corte, no una iglesia del pueblo, lo que explica su magnificencia, pues pretendía resaltar y legitimar el cesaropapismo, la práctica de aunar en el emperador la máxima autoridad política y religiosa, según el precedente del emperador/pontífice máximo del Imperio Romano. Se celebraban en ella las coronaciones imperiales y las misas más solemnes, además de ser la sede la patriarca metropolitano de Constantinopla.
La inmensa cúpula y la intensa iluminación interior resaltan dos características simbólicas de Dios, el círculo perfecto, como ya vimos en el Panteón de Roma, y la extraordinaria luminosidad interior, una novedad medieval que llegará a su auge en el gótico.

La influencia posterior.
El edificio fue un ejemplo extraordinario para la arquitectura bizantina posterior, muy decantada a favor de la planta centralizada, y sus soluciones constructivas y decorativas repercutieron en iglesias tan lejanas como la catedral de San Marcos de Venecia del siglo XI y su coetánea de la catedral de Santa Sofía de Kiev, reconstruida en un estilo barroco en su parte superior en el siglo XVIII. Incluso influyó en la islámica turca, siendo imitada en numerosas mezquitas tanto en Estambul como en las provincias a partir del siglo XV.

FUENTES.
Internet.

Documentales/Vídeos.

                                   Santa Sofía. AcademiaPlay. 3 minutos.

                                    Justiniano y Santa Sofía. 8 minutos.

jueves, 13 de diciembre de 2018

Feria Frieze de Londres.

Feria Frieze de Londres.

Resultado de imagen de frieze art fair

Frieze, la famosa feria londinense de cuatro días de octubre, fundada en 2003, en 2011 se propuso reducir el número de galerías hasta solo 150 y controlar el número de visitantes, que ya llegaban a 60.000 y se pensaba limitar a 70.000, que pagaban 50 libras (unos 60 euros) por entrada. El objetivo era no banalizarse, según su codirector y fundador, Matthew Slotover, director de la revista de arte “Frieze”. Al mismo tiempo de las muestras hay un calendario de conferencias y actividades lúdicas y didácticas para el público.
Otra feria paralela, Frieze Masters, al otro lado de Regent’s Park, reúne el arte anterior al año 2000.

Frieze 2013.

Resultado de imagen de frieze art fair
Frieze Art Fair London 2013. [http://cultura.elpais.com/cultura/2013/10/18/album] 

Vicente, Álex. ¿Una feria que no quiere crecer? “El País” (19-X-2013) 40.

Frieze 2014.

Frieze Art Fair London 2014. Vernissage TV. 5 minutos.

Seisdedos, Iker. Frieze, un museo a la venta. “El País” (19-X-2014) 44. La feria Frieze de Londres es una de las más importantes del mercado del arte contemporáneo: mueve 1.725 millones de euros.

Frieze 2018.
Frieze Art Fair London 2018. Vernissage TV. 7 minutos.

Fuentes.
Internet.

miércoles, 5 de diciembre de 2018

El arte ruso del siglo XIX.

EL ARTE RUSO DEL SIGLO XIX.

Listado de artistas.
Iván Aivazovski (1817-1900).

El artista romántico ruso Iván Aivazovski (1817-1900).

Resultado de imagen de Iván Aivazovski

Iván Aivazovski (Feodosia, Crimea, 1817-1900), de origen armenio, pintor romántico de gran popularidad en su tiempo y en la época soviética por sus paisajes de marinas (se le considera uno de los mejores especialistas más allá de la escuela holandesa del siglo XVII), aunque también realizó estimados retratos de la aristocracia, batallas, paisajes...

Resultado de imagen de Iván Aivazovski

Fuentes.
Fernández, Rodrigo. Las marinas de Aivazovski desatan una tormenta entre Kiev y Moscú. “El País” (17-VIII-2016). Una exposición del pintor romántico Iván Aivazovski en Moscú alerta a los ucranios de un presunto expolio.

El artista y ensayista estadounidense Robert Morris (1931-2018).

El artista y ensayista estadounidense Robert Morris (1931-2018).

Resultado de imagen de Robert Morris

Robert Morris (Kansas City, 1931-Kingston, Nueva York, 2018), se formó en pintura en Kansas y, en los años cincuenta, en filosofía en Nueva York, donde residió desde entonces hasta su fallecimiento por una neumonía el 28 de noviembre de 2018. Aunque ganó fama por su etapa de artista y teórico (en la revista “Artforum” en especial) del minimalismo en los años sesenta, también fue un destacado creador en otros movimientos como el Land art, la performance, el posminimalismo, el conceptualismo, el procesualismo o el vídeoarte, con materiales tan variados como las esculturas y las instalaciones, la tierra, el fieltro o incluso el humo.
Se dio a conocer con sus discutidas exposiciones, inicialmente colectivas como la primera gran muestra minimalista *<Shape and Structure> en la Tibo de Nagy Gallery (5-23 enero 1965), junto a su compañero Donald Judd, Larry Bellm o Carl Andre, y comisariada por Heny Geldzahler, Barbara Rose y Frank Stella,  u otra colectiva en el Museo Judío de de Nueva York en 1966 (para algunos críticos la primera auténticamente minimalista porque también estaban Dan Flavin y Sol LeWitt, formando el gran quinteto con Judd, Morris y Andre), o la primera colectiva minimal itinerante por Europa, junto a Carl Andre, Dan Flavin, Sol le Witt, Robert Morris, Tony Smith, Robert Smithson y otros artistas, organizada por E. Develling y Lucy R. Lippard, y llamada simplemente *<Minimal Art>, en el Haags Gemeentemuseum de La Haya (23 marzo-26 mayo 1968), la Städliche Kunsthalle und Kunstverein de Düsseldorf (17 enero-23 febrero 1969) y la Akademie der Künste de Berlín (23 marzo–27 abril 1969).

Resultado de imagen de robert Morris blogspot
Piezas en el Whitney Museum (1970) y otras exposiciones de los años 70.

Representado desde 1967 generalmente por la Leo Castelli Gallery, entre sus muestras individuales destacan la del Whitney Museum (1970) en la que invitó al público a participar en la colocación de sus inmensas piezas de hormigón y acero, jugando con indistintas posiciones y repeticiones en el pavimento, en los muros o en el techo, demostrando que el entorno y el contexto inmediato no alteraban la esencia de esas sencillas (que no simples) obras de arte, o la no menos famosa <Morris. S&M Fantasy> en las galerías Leo Castelli y Sonnabend de Nueva York (abril 1974), en cuyo cartel se presentaba de nuevo (ya lo había hecho en acciones un decenio antes, incluso encerrándose en cajas) encadenado en una postura sadomasoquista, en referencia a la autoridad que se le asigna socialmente al artista y que coarta su libertad creativa. 
Las dos mayores retrospectivas que asentaron su fama fueron la de la Tate Gallery de Londres (1971) y la del Museo Guggenheim de Nueva York (1994).



Resultado de imagen de robert Morris blogspot



Resultado de imagen de robert Morris blogspot

Resultado de imagen de robert Morris blogspot
Parte de las piezas de la serie de Fieltros (1976).

Bea Espejo en Muere Robert Morris, padre y teórico del minimalismo [“El País” (1-XII-2018)] resume su vida y obra:
‹‹Era uno de los grandes. Un artista inteligente y un teórico brillante. Uno de los pocos que sobrevivían a este cambio de siglo y que se ocuparon de cambiar el anterior. (…)
El artista protagonizó uno de los capítulos fundamentales para entender el desarrollo y la evolución del arte durante la segunda mitad del siglo XX.
En el Nueva York de 1965, Warhol estaba con su lectura pop en clave de simulacro; mientras Claes Oldenburg jugaba a negar la materia prima del arte con sus esculturas blandas, Yayoi Kusama se desdoblaba en su Infinity Mirror Room y [el crítico] Lawrence Alloway consagraba la abstracción pospictórica de Ellsworth Kelly y compañía superando el famoso dripping de Pollock.
En medio de todo eso, se empezó a gestar un arte que navegó entre el formalismo y lo que sería llamado el antiformalismo, el arte minimal, conocido también, por un sinfín de epígrafes gramaticales: minimal art, ABC art, cool art, serial art, primary structures, art in process y systematic painting. De eso fue responsable Morris junto a Donald Judd, que firmaban en la revista “Artforum” que menos era más, que había objetos con capacidad de no decir nada, de ser insignificantes y de no poseer una organización de signos y formas. Todo eso tuvo formato de exposición, titulada Shape and Structure.
La postura era extrema en aquellos tiempos, pero confirmó al minimalismo como la tendencia escultórica hegemónica en el contexto americano. Las obras de Morris eran volúmenes geométricos simples que tanto podían colocarse sobre el suelo como colgarse del techo o de una pared y que en su repetición purificaban la escultura, acercándola a su esencia. Mucho había en esa idea de las clases de filosofía a las que asistió en los cincuenta, después de estudiar pintura en su Kansas natal.
Arte procesual.
No fueron pocas las críticas. El historiador Michael Fried les tachó incluso de heréticos por haber empobrecido y corrompido el arte moderno. Excesivo teatro, decían. Eso hizo que el minimalismo no fuera un movimiento estable ni fácilmente encuadrable. Morris no tardó en desmarcarse, abriendo lo objetual al arte procesual. Eso le llevó a acercarse al environment y la acción, al land art, las acciones de reivindicación social y a transitar prácticamente todos los movimientos y tendencias del arte desde finales de los sesenta hasta hoy.
Con su primera mujer, Simone Forti, se introduce en círculos de danza y música, envolviéndose en teatros de improvisación como el Judson Dance Theater por donde circulaban también Rauschenberg y Yvonne Rainer. Entre sus cortos experimentales está Neo Classic (1971) y quizás la obra que mayor escándalo provocó fuera I Box (1962), una de sus primeras exploraciones con su cuerpo desnudo, en el interior de una especia de armario junto a una escotilla. Era raro ver a un artista de su generación con un trabajo tan plural y tan enérgico, tan desmarcado de la tradición, y seguramente ahí resida su grandeza, en una libertad creativa bajo la que había una crítica audaz tanto al modernismo y su concepción del arte como un aparte de la vida, como a la modernidad en cuanto sistema opresor, disciplinario y deshumanizador.
Una carrera que fue premiada por las grandes colecciones y los grandes museos. Sus retrospectivas llegaron a la Tate en 1971 y al Guggenheim de Nueva York en 1994, y el seguimiento de su carrera se lo debe a Leo Castelli, quien le dio siempre carta blanca en su mítica galería. En el cartel de su famosa exposición S&M Fantasy todavía se recuerda un Robert Morris encadenado en una postura clásica sadomasoquista, en referencia a la autoridad que se le asigna socialmente al artista.
Aunque su vinculación al minimalismo es lo que le ha garantizado un lugar en el canon del arte contemporáneo, la producción de Morris abarca un gran número de temáticas, entre las que se encuentran la experiencia del cuerpo, el movimiento, el tiempo, la reivindicación social del artista como trabajador, la política, la guerra nuclear, la memoria y hasta la muerte. La suya le llegó ayer. El viaje de vuelta a la historia.››

FUENTES.
Internet.
[https://www.moma.org/artists/4108] Morris en el MOMA de Nueva York.

Vídeos/Documentales.

Robert Morris. Interactive Installation at Tate Modern. 0.33. Una recreación en 2009 de una instalación de 1971 en la misma Tate.

Robert Morris. Bodyspacemotionthings. Tate Modern. 3:31. Una recreación en 2009 de una instalación de 1971 en la misma Tate.

Robert Morris. Mysterious Landscape, versión (4-2-12). Este y otros vídeos del artista en el canal [https://www.youtube.com/channel/UCrOnUdJEJVEvyYgg5BnhsyA]

Exposiciones.

Resultado de imagen de Robert Morris


<Robert Morris / Projects>. Filadelfia. ICA (23 marzo-27 abril 1974). 

Resultado de imagen de Robert Morris
<Robert Morris>. Berlín. Sprüth Magers Galerie (2012). Exposición de Scatter Piece (1968) 

Artículos.
Chassey, Eric de. Robert Morris, le manipulateur d’art. “Beaux Arts”, 137 (IX-1995) 52-57.


Espejo, Bea. Muere Robert Morris, padre y teórico del minimalismo. “El País” (1-XII-2018). [https://elpais.com/cultura/2018/11/30]

lunes, 3 de diciembre de 2018

El artista español Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682).

El artista español Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682).

Resultado de imagen de Murillo blogspot

Bartolomé Esteban Murillo (Sevilla, 1617-1682) es el gran pintor del Barroco sevillano con una obra que aúna clasicismo y serenidad en la composición, un colorido y un dibujo equilibrados, y una rara intensidad psicológica en el sentimiento religioso. Vivió toda su vida en el barrio sevillano de la Magdalena y en su taller enseñó a un elevado número de discípulos.

Resultado de imagen de Murillo inmaculada del prado
Inmaculada del Prado (1678). También conocida como Inmaculada de Soult o Inmaculada de los Venerables.

En su temática destacan las numerosas Inmaculadas (en la España contrarreformista estaba de moda el tema la concepción de María sin pecado original, y gozaba de una gran demanda) y sus cuadros costumbristas, en los que refleja una cierta crítica social de la miseria, la enfermedad y la infancia desvalida en la calle. hizo que pasara por diferentes manos, pudiéndose recuperar en parte para el Museo de la ciudad y el Prado, desapareciendo otras obras, hoy en manos de particulares o expuestas en los mejores museos del mundo.

Resultado de imagen de Murillo blogspot
Las santas Justa y Rufina con la Giralda (1665).

Resultado de imagen de Murillo blogspot

Niños contando dinero (1670).

En el siglo XIX llegó a ser considerado el más importante pintor barroco del mundo, siendo especialmente valorado entonces por su dominio del color y la serenidad y gracia de sus personajes, y sus obras fueron rapiñadas por las tropas francesas del general Soult en 1810 y más tarde en la desamortización de los conventos de San Francisco y los Capuchinos. Tal vez su cima llegó hacia 1830, pero su fama declinó más tarde sustituido por Goya y otros pintores más modernos, hasta ser finalmente recuperado a finales del siglo XX.

FUENTES.
Internet.
[https://cicus.us.es/congresomurillo/] Congreso internacional ‘Murillo ante su centenario’. Sevilla.

Exposiciones.
<El joven Murillo>. Bilbao. Museo de Bellas Artes (2009). Reseñas de Eva Larrauri. Murillo antes de Murillo. F. Calvo Serraller. El nacimiento de un genio. “El País” (20-X-2009) 39.
<Murillo y Justino de Neve. El Arte de la amistad>. Madrid. Museo del Prado (19 junio-30 septiembre 2012). 17 obras (1665-1682) de Murillo (1625-1685) para el mecenas Justino de Neve (1617-1682), canónigo de la catedral de Sevilla. Comisario: Gabrfiele Finaldi. Reseña de Seisdedos, Iker. Últimas amistades de Murillo. “El País” (23-VI-2012) 39.
*<Velázquez. Murillo. Sevilla>. Sevilla. Hospital de los Venerables (8 noviembre 2016-28 febrero 2017). 19 obras de origen sevillano de ambos pintores de col. privadas y públicas. Comisario: Gabriele Finaldi. Reseña de García, Ángeles. Velázquez y Murillo, aire familiar. “El País” (8-XI-2016). / De la Villa, Rocío. Relato magistral. “El Cultural” (25-XI-2016).
*<Murillo y su estela>. Sevilla (6 diciembre 2017-8 abril 2018). Comisario: Benito Navarrete.
<Murillo: The Self-Portraits>. Nueva York. The Frick Collection (1 noviembre 2017-4 febrero 2018). Londres. National Gallery (desde febrero 2018).
<Murillo. IV centenario>. Sevilla. Museo de Bellas Artes (29 noviembre 2018-17 marzo 2019). 55 obras (20 no exhibidas antes en España). Comisarios: Ignacio Cano y Valme Muñoz. [http://www.museosdeandalucia.es/] Reseña de Molina, Margot. El Murillo más europeo. “El País” (30-XI-2018).

Libros.
Ayala Mallory, Nina. Bartolomé Esteban Murillo. Alianza Forma. Madrid. 1983. 158 pp.
Navarrete, Benito. Murillo y las metáforas de la imagen. Cátedra. 2017. 346 pp.
Valdivieso, Enrique. Murillo. Col. Alianza Cien. Madrid. 1994. 64 pp. más ilus.
Valdivieso, E. Murillo. Catálogo razonado de pinturas.
Valdivieso, E. Murillo: sombras de la tierra, luces del cielo. Biografía.

Entrevistas.
García, Ángeles. Benito Navarrete / Historiador del arte. ‘Murillo fue lo que hoy consideraríamos un tiburón financiero’. “El País” (20-XI-2017).

Artículos.
De las Heras, Rut. Manuel Mena cierra el círculo del Murillo dibujante. “El País” (11-XII-2015) 31. La Fundación Botín publica el catálogo razonado de sus 115 bocetos, confeccionado por Mena.
Molina, Margot. Sevilla y los colores de Murillo. Por los dominios de un maestro. “El País” El Viajero 961 (31-III-2017). Un resumen de las exposiciones en el cuarto centenario de su nacimiento.
Agencias. Descubierto en Gales un ‘murillo’ perdido. “El País” (21-XI-2017). Navarrete autentifica un retrato pintado por Murillo.
Díaz Pérez, Eva. Murillo, el artista total del Barroco. “El País” (28-XI-2017). Programa del cuarto centenario en Sevilla.
Limón, Raúl. El alquimista del Barroco. “El País” (12-IV-2018). Análisis físicos y químicos de dos obras de Murillo.

Díaz Pérez, Eva. Sevilla descubre al Murillo más contemporáneo. “El País” (10-XII-2018). Cinco exposiciones en Sevilla en torno a Murillo y su influencia contemporánea: *<Aplicación Murillo. Materialismo, Charitas, Populismo>. Instituto de la Cultura y las Artes (hasta 3 marzo 2019).

 Hernando, S. La Agencia Tributaria saca a subasta un controvertido ‘murillo’ por 900.000 euros. “El País” (26-VII-2020).

Molina, Margot. Una temprana Inmaculada de Murillo enfrenta a los expertos. “El País” (15-XII-2020). Enrique Valdivieso niega la autoría de Murillo a una Inmaculada (h. 1640) que le atribuyen Ignacio Cano y Antonio Romero. Se guarda en la iglesia mudéjar del siglo XIV de San Vicente Mártir. 


domingo, 2 de diciembre de 2018

Arte mudéjar

ARTE MUDÉJAR.
Introducción.
El arte mudéjar combina elementos islámicos y cristianos en la zona de dominio cristiana de la Península ibérica durante los siglos XI a XVI. La mayoría de sus obras son arquitectónicas, realizadas por albañiles y maestros de obras musulmanes o por cristianos fuertemente influidos por las técnicas de Al-Andalus, por lo que se ha discutido su entronque con el estilo mozárabe.

El término.
El término “arte mudéjar” lo acuñó Amador de los Ríos, en 1859, cuando pronunció su discurso de ingreso en la Academia de Bellas Artes de San Fernando sobre “El estilo mudéjar, en arquitectura”.

Las influencias en el estilo mudéjar.
Es un estilo artístico propio que se desarrolla en los reinos cristianos de la península ibérica, en las complejas condiciones de convivencia existente de la España medieval, pues se trata de un fenómeno exclusivamente hispánico que tiene lugar entre los siglos XII y XVI. Mezcla las corrientes artísticas cristianas, sucesivamente románicas, góticas y renacentistas, con las influencias de elementos y materiales del estilo islámico de Al.-Andalus, gracias a las aportaciones de los artistas musulmanes de la época, por lo que sirve de eslabón entre las culturas cristianas y el islam.
Para unos historiadores se trata de un epígono del arte islámico y para otros se trata de un periodo del arte cristiano en el que aparece la decoración islámica, ya que lo practicaban los mudéjares, como se llamada a las gentes de religión musulmana y cultura árabe que permanecían en los reinos cristianos tras la conquista de su territorio y, a cambio de un impuesto, conservaban su religión y un estatus jurídico propio; pero también lo practicaban moriscos y cristianos que aprendieron las técnicas propias del arte musulmán.

Las corrientes en el estilo mudéjar.
El arte mudéjar es el más particular de España en la época medieval, debido a su carácter fronterizo entre el norte cristiano y los musulmanes, pero no es un estilo artístico unitario, sino que posee características peculiares en cada región, entre las que destacan el mudéjar aragonés, el toledano, el castellano-leonés y el andaluz. También se extendió brevemente a las colonias españolas del continente americano.

El neomudéjar del siglo XIX.
En el siglo XIX, junto con otros estilos revival apareció el neomudéjar, con el uso del ladrillo ‘visto’ y los típicos elementos decorativos mudéjares, como veremos sobre todo en algunos edificios de Gaudí y otros arquitectos modernistas, ya a finales del siglo. 

Características generales del estilo mudéjar.
Son fundamentales los materiales constructivos de ladrillo y madera, así como el uso de la cerámica esmaltada como decoración.
Los edificios mudéjares copian a los cristianos en su desarrollo de la planta y en altura, pero al emplear ladrillo en el interior se pierde la columna y se utiliza el pilar. Otra característica es el cimborrio calado, que transmite sensación de ligereza y cuyos vanos son mayores para aligerar el peso y conseguir altura. 

El mudéjar aragonés.
Uno de los focos más interesantes es el del mudéjar aragonés, que se prolonga desde el Románico al Gótico con una continuidad de características propias, entre otras la profusión de elementos ornamentales de cerámica vidriada (esmaltada). Se extiende por el valle medio del Ebro, el del Jalón y el del Jiloca en las provincias de Zaragoza y Teruel.
Destacan la románica Colegiata de Santa María de Calatayud, las iglesias góticas de Santa Tecla de Cervera de la Cañada y de Santa María de Tobed y los elementos mudéjares de la iglesia románica de San Pablo, de la Aljafería de Zaragoza, de las catedrales góticas de Zaragoza y Tarazona, y las torres góticas de planta cuadrada u octogonal, con decoración cerámica en San Martín y San Salvador de Teruel.

Evolución del estilo mudéjar.
La evolución del estilo mudéjar a lo largo de cinco siglos fue el resultado de su confluencia con los sucesivos estilos románico, gótico y renacentista.
A medida que avanzaba la llamada "Reconquista" hacia el sur, en épocas distintas, también variará el estilo.
Así, la ocupación de los territorios en el valle del Duero, de Castilla y León, en los siglos XI y XII, se relaciona con el estilo románico.
La ocupación de Extremadura, Andalucía y Murcia, ya en el siglo XIII, se corresponde ya con el estilo gótico.
Finalmente, la conquista de Granada y la unificación dinástica de Castilla y Aragón en el reinado de los Reyes Católicos, coincide con un mudéjar estrechamente relacionado con la decoración renacentista, hacia finales del siglo XV y primeros decenios del XVI.

La arquitectura románico-mudéjar.

Resultado de imagen de Santa María la Blanca
Sinagoga de Santa María la Blanca, en Toledo.

Decoración de la Sinagoga de Nuestra Señora del Tránsito, en Toledo.

El mayor centro románico-mudéjar es Toledo, correspondiente a Castilla, en las sinagogas (templos judíos) de Santa María la Blanca (siglo XIII) y Nuestra Señora del Tránsito (siglo XIV), que aunque son tardíos siguen todavía el estilo románico, con elementos decorativos y materiales mudéjares.
 
En el reino de León destaca la iglesia de San Tirso de Sahagún, un ejemplo del llamado "románico de ladrillo", acabada en 1189, con aspecto sólido y macizo, el cimborrio se eleva sobre el crucero y adelanta algunas características del románico como la utilización de arquerías y las dos filas de arcos ciegos que aparecen en los ábsides circulares con función tectónica, forma el esqueleto del edificio. Conforma un soporte y empuje que sostiene el muro.


La iglesia de San Martín de Arévalo en Ávila tiene dos torres realizadas en ladrillo, sustentadas y decoradas por arquerías ciegas que se convierten en vanos en la parte superior. Se utiliza ladrillo y también mampostería.


La iglesia de San Andrés de Cuéllar cuenta con una fachada principal de ladrillo muy característica y de las pocas que se conservan; su planta fue calificada por Vicente Lampérez y Romea como la mejor del estilo.

La arquitectura gótico-mudéjar.
El gótico-mudéjar, ya en los siglos XIII-XVI, se encuentra en todo el sur y Aragón.

En Extremadura destaca el monasterio de Guadalupe.

En Aragón, donde subsistía una importante comunidad musulmana, hay numerosos edificios, como las catedrales de Zaragoza y Tarazona y Teruel, la Colegiata de Calatayud, y las torres de planta cuadrada u octogonal, con decoración de cerámica esmaltada, en las iglesias de San Martín y San Salvador de Teruel.

Catedral de Zaragoza, conocida como La Seo.

Catedral de Santa María de Teruel.

Colegiata de Calatayud.

Resultado de imagen de arte mudejar
Torre de San Salvador de Teruel.


En Madrid sólo hay la ermita de Santa María la Antigua, del siglo XIII y sita en Carabanchel. Es la iglesia más antigua de la capital y destacan la cubierta por sus frescos y la portada por su alfiz.


Torre de la iglesia de San Marcos en Sevilla.

Jardín de los Reales Alcázares de Sevilla, con el Palacio de Pedro I.

En Andalucía hay ejemplos en Córdoba (muros sobre todo), la iglesia de San Marcos en Sevilla con el uso de ladrillo, o los Reales Alcázares de Sevilla, donde sobresalen el Palacio de Pedro I y el Salón de Embajadores. Hay numerosos elementos  decorativos en Granada que muestran la reciente influencia nazarí, pero que pronto quedan marginados por el influjo renacentista.



Parte del claustro del Monasterio de San Jerónimo de Cotalba de Alfauir en Valencia. La característica mudéjar más evidente es la bicromía en las dovelas de ladrillo de muchos de los arcos ogivales en un edificio claramente gótico. 

En la región valenciana tenemos ejemplos en el claustro del monasterio de San Jerónimo de Cotalba de Alfauir (Valencia) o los Baños del Almirante en Valencia, y la torre (la única que queda en la región) de la Alcudia en Jérica (Castellón).

FUENTES.
Internet.
Documentales / Vídeos.

                                    El arte mudéjar. ArteHistoria. 10 minutos.

                                   Arte mudéjar. 4 minutos.

                                    Arte mudéjar. Arteguías. 4 minutos.

         Arte mudéjar: Sinagoga de Santa María la Blanca, Toledo. Arteguías. 3 minutos.

Exposiciones.
*<Mudéjar. El legado andalusí en la cultura española>. Zaragoza. Paraninfo de Universidad (5 octubre-8 diciembre 2010). 150 piezas decorativas de siglos XI-XIII. Comisario: Gonzalo Borrás. [http://www.elperiodicodearagon.com/noticias/escenarios/decoracion-arte-mudejar-camina-todos-soportes_615010.html]

Libros.
Yarza, Joaquín. Arte y arquitectura en España 500/1250. Cátedra. Madrid. 1990. 385 pp. 

Artículos. Orden cronológico.
Pérez Colomé, Jordi. La sinagoga de la discordia. “El País” (19-II-2017). La comunidad judía pide al arzobispado de Toledo que le devuelva la sinagoga de Santa María la Blanca, construida hacia 1300 y confiscada por los cristianos en 1411.

La ermita de Santa María La Antigua, en el distrito de Carabanchel.

Medina, Miguel Ángel. Una joya del siglo XIII oculta en un descampado. “El País” (29-IX-2018). La ermita de Santa María la Antigua, en Carabanchel, sufre vandalismo, necesita una rehabilitación y carece de indicaciones a pesar de ser Bien de Interés Cultural. [https://elpais.com/ccaa]
Duva, Jesús. La joya mudéjar oculta en el palacio de ‘Ciudadano Kane’. “El País” (2-II-2020). Localizado en Estados Unidos el artesonado de un convento de Valladolid comprado por el magnate Hearst.