La artista francesa Laure Prouvost (1978).

La artista francesa Laure Prouvost (1978).

Laure Prouvost nació en Justelieu (Lille, Francia) en 1961. Se estableció en Londres donde estudió en Central Saint Martins College y luego en el Goldsmith College. 

Vive hoy entre Londres, Amberes y una caravana en el desierto croata.

Artista de inspiración dadaísta y surrealista, sus instalaciones descubren un mundo escondido al otro lado del espejo y exploran con ironía cuestiones trascendentales como el cambio climático o la condición femenina. Sus obras semejan contar  historias independientes que se superponen y responden entre sí, donde la ficción se mezcla con la realidad. 

Sus instalaciones invitan a escapar a través de medios diversos: películas, esculturas, pinturas, tapices, performances o fragmentos de historias, a veces dirigidas directamente al visitante. Humorístico, su trabajo examina las relaciones entre el lenguaje, la imagen y la percepción, colocando al visitante en situaciones de duda e incomprensión, pero también de asombro, tanto intelectual como sensorial.

Con numerosas exposiciones individuales en el extranjero, incluidas recientes en Haus der Kunst de Múnich (2015), Fahrenheit de Los Ángeles (2016), Pirelli Hangar Bicocca de Milán, 2016), Centro de Arte Walker (Minneapolis, 2017), así como en Francia en el museo Rochechouart (2015) o el Consorcio de Dijon (2016) y. exposiciones colectivas recientes como *<Hybridize or Disappear (Hibridar o desaparecer)> en el Museo Nacional de Arte Contemporáneo - Museu do Chiado de Lisboa (2015), *<Practising Habits of the Day> en el ICA de Singapur (2016), *<Speak> en la Serpentine Gallery de Londres (2017) o la 13ª Bienal Báltica de Vilnius (2018).

Prouvost está representada por las galerías Nathalie Obadia en París y  Bruselas, la carlier / gebauer en Berlín y la Lisson Gallery en Londres y Nueva York.

Ganadora del Premio Max Mara de Arte en 2011 y del Premio Turner en 2013, fue elegida para representar a Francia en la 50ª Bienal de Venecia 2019, en la que abordó el tema de la nacionalidad, y aunque no ganó medallas sí se consolidó como artista fundamental del presente.

FUENTES.

Internet.

[http://www.laureprouvost.com/]

[https://www.tate.org.uk/context-comment/video/tateshots-turner-prize-2013-nominee-laure-prouvost]

Exposiciones.

<Laure Prouvost: Ring, Sing and Drink for Trespassing>. París. Palais de Tokyo (22 junio-9 septiembre 2018). Comisaria: Daria de Beauvais. [http://www.palaisdetokyo.com/en/event/laure-prouvost] Entrevista de Vicente, Álex. Laure Prouvost. ‘Vivimos una nueva historia del arte’. “El País” Babelia 1.389 (7-VII-2018). [https://elpais.com/cultura/2018/07/02/babelia]

Prouvost en la Bienal de Venecia (2019). 1:39. [https://www.youtube.com/watch?v=j_xMR8Xlbsk]

Exposición Prevost en La Casa Encendida (2022). 8:34. [https://www.youtube.com/watch?v=DZhbS8zsIGw]

<Laure Prouvost: En la profundidade el calor se fuga>. Madrid. La Casa Encendida (7 octubre 2022-8 enero 2023). Comisario: Joao Laia Castellano. [https://www.lacasaencendida.es/exposiciones/laure-prouvost-profundidad-calor-fuga-13982] Reseña de Vicente, Álex. Una dislexia política. “El País” Babelia 1.612 (15-X-2022).

El artista español Antonio María Esquivel (1806-1857).

El artista español Antonio María Esquivel (1806-1857).

El pintor Antonio María Esquivel (Sevilla, 1806-Madrid, 1857) fue uno de los más destacados pintores románticos de su generación. De familia noble pero él mismo de ideología liberal, se asentó en Madrid en 1831 y consiguió el éxito superando contratiempos como una ceguera que le afectó entre 1839 y 1841, de modo que en 1843 alcanzó el cargo de pintor de cámara de la reina Isabel II.

Su formación sevillana se manifiesta en el influjo de Murillo y en general de la gran pintura barroca andaluza, así como en su gusto por la pintura religiosa. En cambio, sus retratos y sus pinturas históricas son de una progenie claramente romántica y denotan su estudio de Goya y sus contemporáneos.

FUENTES.

Internet.

[https://es.wikipedia.org/wiki/Antonio_María_Esquivel]

Exposiciones.

*<El siglo XIX en el Prado>. Madrid. Museo del Prado (31 octubre 2007-20 abril 2008). Obras de Goya, Juan Antonio de Ribera, José de Madrazo, Vicente López, Federico de Madrazo, Eugenio de Lucas, Antonio María Esquivel, Mariano Fortuny, Luis Rosales, Carlos Haes, Francisco Pradilla, Joaquín Sorolla… Reseña de Luzán, Julia. Juana la Loca resucita en el Prado. “El País” Semanal 1622 (28-X-2007) 90-100.

<Antonio María Esquivel. Pinturas religiosas>. Madrid. Museo del Prado (9 julio 2018-20 enero 2019). Tres obras recién restauradas: El Salvador, La caída de Luzbel, y La Virgen María, el niño Jesús y el Espíritu Santo. [https://www.museodelprado.es/actualidad/exposicion/antonio-maria-esquivel] Reseña de Mascia, Carla. Resucita la obra religiosa del pintor romántico Esquivel. “El País” (10-VII-2018).

El artista británico J. M. W. Turner (1775-1851).

El artista británico J. M. W. Turner (1775-1851).

Autorretrato.

Joseph Mallord William Turner (Londres, 1775-Chelsea, 1851), pintor y dibujante paisajista de extrema calidad, sobre todo en su faceta de acuarelista que en pocos momentos plasmaba el temperamento de la naturaleza. Alcanzó una suprema madurez a los 60 años, hacia 1835, cuando reveló un espíritu abstracto en su captación de la luz.

Comentario: Turner y Lluvia, vapor y velocidad.

[https://arte.laguia2000.com/pintura/lluvia-vapor-y-velocidad-turner]

[http://temasycomentariosartepaeg.blogspot.com/p/blog-page_759.html]

FUENTES.

Internet.

[https://es.wikipedia.org/wiki/Joseph_Mallord_William_Turner]

Películas.

Tráiler en español. Dos minutos.

Mr. Turner (2014). Dirección: Mike Leigh. Intérprete: Timothy Spall. Duración: 144 minutos. Biografía de los últimos 25 años del pintor. Reseña de Boyero, Carlos. Admirable retrato del artista de la luz. “El País” (19-XII-2014) 46-47. Belinchón, Gregorio. Mike Leigh. “El País” (19-XII-2014) 46-47. / Reviriego, Carlos. Timothy Spall. ‘Turner sacrificó su felicidad por su pintura’. “El Cultural” (19-XII-2014) 44-45. / Muñoz Molina, A. El pintor en el cine. “El País” Babelia 1.206 (3-I-2015) 5. Un resumen biográfico.

Exposiciones.

<Turner y el mar>. Madrid. Fundación Juan March (20 septiembre 2002-19 enero 2003). Procede de Baltimore y pasará a la Fundaçao Gulbenkian de Lisboa. 70 obras (dos óleos, nueve grabados y 59 acuarelas) sobre el mar (seleccionadas entre 1795 y 1851). Cat. Textos de José Jiménez y Ian Warrell (comisario). J. M. W. Turner (Londres, 1775-1851), un pintor del color y la luz que preludia en estas obras el impresionismo; su enorme producción, de 20.000 obras, se alberga en gran parte en la Tate Gallery, a cuyos fondos pertenecen estas obras.

*<Turner y los maestros>. Londres. Tate Britain (2010). París. Grand Palais (2010). Madrid. Museo del Prado (22 junio-19 septiembre 2010). 80 obras de Turner (42), Tiziano, Veronés, Claudio de Lorena, Rubens, Rembrandt…, Comisarios: David Solkin, Javier Barón. Cat. Turner – Ses maîtres et ses héritiers. Beaux Arts éditions. 144 pp. Reseña de Muñoz Molina, A. Turner en su tiempo. “El País” (19-VI-2010) 49. Verdú, Vicente. Turner o la impostura. “El País” (8-VII-2010) 31. Ataque a Turner, presentado como un copista, sólo excelente como dibujante y acuarelista.

*<Turner inspired: in the light of Claude>. Londres. National Gallery (14 marzo-5 junio 2012). Comisarios: Ian Warren, Susan Foister. Reseña de Jarque, Fietta. Y Turner mató al padre Claudio de Lorena.... “El País” (19-III-2012) 38.

<Late Turner. Painting set free>. Londres. Tate Britain (desde 10 septiembre 2014). Comisarios: Sam Smiles, David Blayney Brown y Amy Concannon. Reseña de García, Ángeles. El grito abstracto del último Turner. “El País” (9-IX-2014) 36.

Libros.

Gage, John. Turner. Citadelles & Mazenod. París. 2010. 400 pp.

Hill, David. Turner’s Birds. Phaidon. Oxford. 1988.

Ogée, Frédéric. J. M. W. Turner. Hazan. París. 2010. 416 pp.

Stainton, Lindsay. Turner à Venise. Flammarion.

Wat, Pierre. Turner. Hazan. París. 2010. 152 pp.

Wilton, Andrew. Turner en voyage. Flammarion. Paris. 1983.

Wilton, A. Turner aquarelles. Biro. Paris. 1987.

Wilton, A. Turner et son temps. Denoël. Paris. 1987.

La escultora española Luisa Roldán (1652-1706).

La escultora española Luisa Roldán (1652-1706).

Luisa Ignacia Roldán (Sevilla, 1652-Madrid, 1706), conocida como ‘La Roldana’ fue tal vez la mejor escultora barroca, no solo de España (es la primera conocida en nuestro país). Hija de otro gran escultor, Pedro Roldán, consiguió el aprecio de importantes mecenas, con su obra religiosa (destacan sus belenes) en madera o terracota, de notable perfección técnica y un dramatismo contenido, muy clasicizante, al modo de la corriente andaluza, pero que era también capaz de un dramatismo exaltado cuando se le encargaban pasos de Semana Santa. El más famoso historiador de arte coetáneo, Antonio Palomino, la puso al mismo nivel que a su padre. 

Su marido desde 1671, el pintor (poco conocido) Luis Antonio de los Arcos, la apoyó siempre. En 1686 dejaron Sevilla y se instalaron en Cádiz hasta su definitiva marcha a Madrid en 1688, y pronto ganó fama en la Corte española, ascendiendo a escultora de cámara de Carlos II y después de Felipe V, pero su posición oficial fue escasamente remunerada. Sufrió la pobreza pero se mantuvo independiente hasta el final.

Margot Molina resume en La Roldana, una ‘alhaja’ de escultora [“El País” (16-IV-2017)] su recuperación actual:

‹‹A pesar de que fue la primera mujer nombrada escultora de cámara en España y sirvió a los reyes Carlos II y Felipe V; de que el célebre Antonio Palomino reconoció sobradamente su talento y la incluyó en su tratado de la pintura y la escultura de principios del XVIII, y de la popularidad que alcanzaron sus obras en las tres ciudades en las que trabajó (Sevilla, Cádiz y Madrid), su nombre cayó en el olvido. La resurrección de La Roldana en su país se está produciendo empujada por el mercado internacional, donde algunas de sus terracotas policromadas han salido a la venta por tres millones de euros, aunque se desconoce el precio que han pagado por ellas museos como el Metropolitan, que el año pasado compró a la casa de antigüedades Coll & Cortés El entierro de Cristo, un conjunto de barro cocido fechado hacia 1700. (…)

Estos pequeños conjuntos que modeló durante los años que vivió en Madrid (desde 1688 hasta su fallecimiento, en 1706) y que policromó su cuñado Tomás de los Arcos, no eran más que una forma de ganarse la vida mientras esperaba los grandes encargos reales. “Estas ‘alhajas de escultura’, como ella misma definió a sus terracotas en la carta en la que solicitaba a Felipe V que validara su nombramiento de escultora de cámara, son las que le han aportado su creciente fama internacional; pues el resto de su producción no está en el mercado. Especialmente las obras en madera a tamaño natural como el soberbio San Miguel del Monasterio de El Escorial o el famoso Padre Jesús Nazareno del convento de las Franciscanas de Sisante (Cuenca)”, explicó la pasada semana en el Prado Patrick Lenaghan, conservador y especialista en escultura de la Hispanic Society.

Formada en el taller su padre, de donde salió en 1671 para casarse con el también escultor Luis Antonio de los Arcos en contra de la voluntad paterna, Luisa Roldán conoció y trabajó junto a grandes como Murillo o Valdés Leal. La creadora demostró pronto una sensibilidad especial para la escultura y una firme determinación en conseguir grandes encargos donde poder mostrar su valía; algo poco frecuente para una mujer de su época.

“Está entre los mejores escultores del siglo XVII. Tiene una sutileza, una elegancia y una gracia que hace que todo parezca absolutamente natural”, añade Lenaghan, quien recuerda las palabras que escribió sobre ella Antonio Palomino: “Su modestia era grande; su pericia, superior, y su virtud, extraordinaria”.››

Fuentes.

Internet.

[https://es.wikipedia.org/wiki/Luisa_Roldán] 

[http://www.mujeresenlahistoria.com/2011/05/la-escultora-luisa-roldan-1652-1704.html]

Documentales.

La Roldana: la primera escultora española. 40 minutos.

Artículos.

Molina, Margot. La Roldana, una ‘alhaja’ de escultora. “El País” (16-IV-2017). La recuperación de la escultora barroca.

Cañas, Jesús A. Dos particulares devuelven las tallas de La Roldana desaparecidas. “El País” (3-VII-2018). Dos personas cercanas a la catedral de Cádiz que dijeron haberlas recibido en 2000 porque, tras una limpieza, las iban a tirar. También han devuelto tres piezas de otros artistas barrocos.

Cañas, Jesús A. ‘Ne sabía que los ángeles eran La Roldana ni que procedían de la catedral’. “El País” (7-VII-2018). El hombre que los tuvo 12 años explica su versión.

La artista francesa Annette Messager (1943).

La artista francesa Annette Messager (1943).

Annette Messager (Berck, 1943), artista polifacética tiene cuatro estudios, cada uno para el dibujo, la costura, el ordenador de sus proyectos y, por último, el mayor para las instalaciones y esculturas. Admiradora de Joseph Beuys y sobre todo de Bruce Nauman, al que destaca como “el mayor artista del siglo XX junto a Picasso”. Rechaza ser una artista feminista, aunque sus primeras obras trataban sobre la condición de la mujer.

Pareja del artista Christian Boltanski desde los años 70, reside en el suburbio parisino de Malakoff, con vecinos como Sophie Calle o Antoni Taulé. Ganadora del Premio Julio González 2018.

FUENTES.

Internet.

[https://es.wikipedia.org/wiki/Annette_Messager]

Exposiciones.

<Annette Messager. La procesión va por dentro>. Madrid. MNCARS-Palacio de Velázquez (9 febrero-29 abril 1999). Retrospectiva. Comisarias: Annette Messager y Alicia Chillida. [http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/annette-messager-procesion-va-dentro]

<Annette Messager, Púdico-Público>. Valencia. IVAM (5 julio-4 noviembre 2018). Retrospectiva de sus últimos dos decenios. Comisario: José Miguel G. Cortés. [https://www.ivam.es/es/exposiciones/annette-messager/] Reseña-entrevista de Vicente, Álex.  Annette Messager. ‘Hacer exposiciones de mujeres es meterlas en un nuevo gueto’.  “El País” Babelia 1.388 (30-VI-2018). / De la Villa, Rocío. Estallido de emoción, humor y denuncia en femenino. “El Cultural” (20-VII-2018).

Arte prerrománico: Fuentes.

ARTE PRERROMÁNICO: FUENTES.

Exposiciones.

*<Les Francs, précurseurs de l'Europe>. París. Petit Palais (23 abril-22 junio 1997). Cat. 144 pp. 150 ilus. (80 en color).

*<Trésors mérovingiens de l'Île de France>. Saint-Germain-in-Laye. Musée des Antiquités nationales (hasta 29 junio 1997).

*<Vikingos: arte y leyenda>. Londres. British Museum (6 marzo-22 junio 2014). Obras de col. British Museu, Museo Nacional de Dinamarca, Museos Estatales de Berlín… Tubella, Patricia. Desembarco vikingo en el Támesis. “El País” (5-III-2014) 36. EL British Museum inaugura su nueva zona de exposiciones  David Mackenzie Wilson (1931), ex director del British Museum, es un gran especialista en la época vikinga.

*<Los bárbaros. Nacimiento de un nuevo mundo>. Venecia. Palazzo Grassi (26 enero-20 julio 2008). 1.700 obras. Comisario: Jean Jacques Aillagou. Reseñas de Martí, Octavi. Las invasiones bárbaras toman Venecia. “El País” (27-XII-2007) 42. / Storch de Gracia, José Jacobo. Roma y los bárbaros. “Descubrir el Arte”, año X, nº 109 (III-2008) 19-25.

Libros.

Braunfels. Wolfgang. La arquitectura monacal en Occidente. Barral. Barcelona. 1975. 350 pp.

Conant, Kenneth John. Arquitectura Carolingia y Románica 800/1200. Cátedra. Madrid. 1987 (1954). 556 pp.

Dodwell, C.R. Artes pictóricas en Occidente: 800-1200. Cátedra. Madrid. 1995.

Duby, Georges; et al. La escultura. El testimonio de la Edad Media desde el siglo V al XV. Col. Las artes. Skira. Ginebra. 1989.

Heitz, Carol. L’arquitecture religieuse carolingienne. Picard. París. 1980. 288 pp.

Hubert, Jean. El imperio carolingio. Col. Universo de las Formas. Aguilar. Madrid. 1968. 379 pp.

Hubert, Jean; Porcher, Jean; Volbach, W. F. La Europa de las invasiones. Col. Universo de las Formas. Aguilar. Madrid. 1968. 394 pp.

Lasko, Peter. Arte sacro. 800-1200. Cátedra. Madrid. 1999. 520 pp. 367 ilus. Libro de referencia sobre las artes menores.

Mentré, Mireille. La Peinture mozarabe. Desclée de Brouwer. París. 1995. 320 pp. 86 ilus. color y otras b/n.

Pijoan, Josep. Arte bárbaro y prerrománico desde el siglo IV hasta el 1000. Summa Artis, Vol. 8. Madrid. 2004.

Schapiro, Meyer. The frescoes of Castelseprio. George Braziller. Nueva York. 1979. 16 más 414 pp. Una obra magna del arte lombardo tardío, del siglo VIII.

Yarza, Joaquín. Arte y arquitectura en España 500/1250. Cátedra. Madrid. 1990. 385 pp. Referencias a la catedral de Santiago: 178-188, y Pórtico de la Gloria: 270-277.

Artículos.

Adama van Scheltema, F. La trouvaille d’Oseberg. “Documents”, 3 (1929) 121-129. Arte vikingo.

Morales, Manuel. Luces para el arte visigodo. “El País” (9-XI-2014) 46. Se instala una iluminación especial en la iglesia de San Pedro de la Nave (El Campillo, Zamora).

La artista británico-palestina Mona Hatoum (Beirut, 1952).

La artista británico-palestina Mona Hatoum (Beirut, 1952).

Mona Hatoum (1952) estaba estudiando en Londres cuando estalló en 1975 la guerra civil en su tierra natal, Líbano. Se quedó en el Reino Unido y se convirtió en una de las creadoras más relevantes del arte contemporáneo británico e internacional, con presencia en los mejores museos como en los mejores museos, como el MOMA, la Tate Modern o el Georges Pompidou. Pero no olvidó sus orígenes palestinos pues, como señala Ferran Bono (2018), muchas de sus obras, sean performances, vídeos o instalaciones, remiten a una situación de confinamiento, de opresión, mediante rejas, jaulas o alambres de espinos, e incluso sus objetos domésticos están electrificados, sus cunas, descarnadas; sus mapas son efímeros y sus globos terráqueos trazan un mundo en continuo conflicto. En suma, los objetos de Hatoum aterrorizan, aunque también provocan una sonrisa por su sentido surrealista o absurdo. Sin embargo, Hatoum (2018) le explica a Bono: ‹‹Mi obra no tiene relación directa con Palestina. Prefiero quedarme en una zona de connotaciones, de significados. Quiero ser universal. No me gusta hablar de esa situación, que es muy íntima y emocional para mí. A través de mi obra, que cada uno piense lo que significa.›› [Bono. Mona Hatoum / Artista. ‘La literatura está por encima de las artes visuales’. “El País” (3-VI-2018).]

The Space in Between.

Hatoum empezó con la performance, expresión artística que fue abandonando tras sus inicios: ‹‹Como estudiante, tenía impaciencia por usar las formas de rebeldía contra el establishment. Quería hacer obras que fuesen como una protesta directa, visual, y la performance tenía esos elementos. Pero después sentí que era una persona marginal, con un lenguaje marginal, y entré en un estudio que me permitió trabajar con los materiales. En la performance tenía cada vez mayor importancia el elemento teatral, mientras que a mí me tiraba más la improvisación.››

Muy independiente, se dio a conocer cuando fue finalista del Premio Turner en 1995 y fue incluida en la polémica exposición *<Sensation>, organizada por el magnate de la publicidad y galerista Charles Saatchi con artistas como Damien Hirst o Tracey Emin, pero ella afirma que ‹‹No me identifico con Sensation. No soy parte de los YBAs (Young British Artists).›› Independiencia y rebeldía: ‹‹Cuando leo a Camus me acuerdo de mi juventud rebelde, fue una gran influencia. Me identifico con su filosofía del absurdo y su idea de rebelión. Me gusta su pesimismo soleado. La gente me dice que mi obra es oscura, pero creo que hay luz, hay contacto entre lo serio y lo que es humor. Siempre hay una tensión entre las connotaciones pesadas por los materiales y la forma abstracta reproductiva. Algo hermoso y a la vez peligroso, amenazante y atractivo.››

Trasciende las fronteras de las artes audiovisuales, fusionando la imagen con la idea aunque sin palabras: ‹‹soy artista y nunca he considerado que la literatura y el arte estén en el mismo nivel. Jerárquicamente, la literatura está por encima de las artes visuales, que no tienen palabras, y por tanto, es todo interpretación.›› y es que el dadaísmo de Duchamp fue uno de sus referentes iniciales: ‹‹El hecho de que Duchamp utilizara el pensamiento, no algo que le guste al ojo, me impresionó. Me interesó el arte conceptual y el minimalismo. Disfruto mucho con los títulos con doble significado y es algo que descubrí con Duchamp y su gimnasia mental.››

Fuentes.

Internet.

[https://es.wikipedia.org/wiki/Mona_Hatoum]

Exposiciones.

<Mona Hatoum>. Valencia. IVAM (16 abril- 12 septiembre 2021). Entrevista de Espino, Luisa. Mona Hatoum. ‘Aunque mi obra puede parecer apocalíptica, la belleza ejerce de contrapunto’. “El Cultural” (9-IV-2021).

Entrevistas.

Bono, Ferran. Mona Hatoum / Artista. ‘La literatura está por encima de las artes visuales’. “El País” (3-VI-2018).

Artículos.

Agencia EFE. La artista Mona Hatoum, premio Albert Camus. “El País” (29-IV-2018).

El artista español Julio Vaquero (1958).

El artista español Julio Vaquero (1958).

Julio Vaquero i Serraima (Barcelona, 1958), un pintor realista que no mimetiza sino que interpreta la realidad.

Fuentes.

Internet.

[http://www.juliovaquero.com/]

[http://www.gelonchviladegut.com/es/autor/julio-vaquero/]

Exposiciones.

<Julio Vaquero: Museo robado>. Barcelona. Galería Marlborough (14 mayo-23 junio 2018). Pinturas de gran formato creadas con cretas y aguadas sobre papel, casi monocromas. Cat.  [http://www.galeriamarlborough.com/exposicion/julio-vaquero-museo-robado-marlborough-barcelona-2018] Reseña de Montañés, J. Á. Museos decadentes y saqueados. “El País” (29-V-2018). [https://elpais.com/ccaa/2018/05/28]

Manuel Blanco y Laurent Kronental: El presente de algunos grandes proyectos arquitectónicos de la periferia de París de los años 70.

Manuel Blanco y Laurent Kronental: El presente de algunos grandes proyectos arquitectónicos de la periferia de París de los años 70.

El presente de los grandes proyectos arquitectónicos de la periferia de París en los últimos decenios: las Torres Nuage de Émile Aillaud (hoy parecen detritus urbanos), las Arcades du Lac y Les Espaces d’Abraxas de Ricardo Bofill (un monumento de neoclasicismo), Les Damiers de Jacques Binoux y Michel Folliasson (un complejo de piezas superpuestas que pronto será derribado para erigir un rascacielos) o Les Orgues de Flandre de Martin van Treeck. Propuestas que fracasaron en solucionar los problemas de la vivienda y que hoy parecen obsoletos. [Blanco, Manuel (texto); Kronental, Laurent (fotos). Un bello fracaso. “El País” Icon Design 3 (IV-2018).]

Torres Nuage de Émile Aillaud, en Nanterre (París).

Arcades du Lac y Les Espaces d’Abraxas de Ricardo Bofill.

Les Damiers de Jacques Binoux y Michel Folliasson.

Les Orgues de Flandre de Martin van Treeck. 

Stephen Bayley: una selección de errores arquitectónicos.

Stephen Bayley: una selección de errores arquitectónicos.

Bayley, Stephen. Chapuzas a domicilio. “El País” Icon Design 3 (IV-2018). Los errores de famosos arquitectos: Wright (las goteras de la Casa de la Cascada), Le Corbusier (las brutales propuestas de demolición o la aversión extrema a los motivos decorativos), Richard Rogers (la disfuncionalidad del Centre Pompidou, sin espacios expositivos y con problema de limpieza y mantenimiento), Zaha (sic, Zada en el artículo) Hadid (la imposible construcción de la piscina de las Olimpiadas de Londres de 2012 o la forma vaginal del Qatar Stadium), Frank Gehry (el disfuncional Centro Ray y Maria Stata del MIT o el excesivo calor por reflejo de la luz en el exterior del Walt Disney Concert Hall de Los Ángeles), I. M. Pei (los cristales que se caían de su Torre John Hancock en Boston), Calatrava (goteras e inestabilidad estructural)…

Wright: las constantes goteras de la Casa de la Cascada. 

Le Corbusier: las brutales propuestas de demolición o la aversión extrema a los motivos decorativos.

Richard Rogers: la disfuncionalidad del Centre Pompidou, sin espacios expositivos y con problema de limpieza y mantenimiento.

Zaha Hadid. Londres Aquatic Center

Qatar Stadium el proyecto y una broma.

Zaha Hadid: la imposible construcción de la piscina de las Olimpiadas de Londres de 2012 o la forma vaginal del Qatar Stadium.

Gehry. Centro Ray y Maria Stata, MIT.

Gehry, Walt Disney Concert Hall, Los Ángeles.

Frank Gehry: el disfuncional Centro Ray y Maria Stata del MIT o el excesivo calor por reflejo de la luz en el exterior del Walt Disney Concert Hall de Los Ángeles.

I. M. Pei: los cristales que se caían de su Torre John Hancock en Boston.

Calatrava: goteras e inestabilidad estructural, como en el puente de Venecia.