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domingo, 26 de marzo de 2017

Comentario: El Doríforo de Policleto.

Comentario: El Doríforo de Policleto.

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Una reconstrucción hipotética en bronce del original.

doriforo comentario
La cabeza como modulo, un 1/7 del total, y la proporción de las partes del resto del cuerpo.

El Doríforo (“el que lleva la lanza”) de Policleto (Argos, c. 480-c. 420 aC), esculpido en bronce hacia 450-440 aC y que se supone que conocemos con bastante exactitud gracias a una copia en un camafeo antiguo, nos ha llegado en cinco copias romanas bastante completas, en especial la del Museo arqueológico de Nápoles en mármol de Luni (212 o 213,5 cm de altura, sobre un pedestal de 1,42), realizada en el siglo I dC y hallada en la palestra samnítica de Pompeya (entonces se pensaba que era de Herculano) antes de su primera publicación en L'Antichità d'Ercolano (1767). Muchas fuentes refieren numerosos errores repetidos en cascada, como que la pieza napolitana fue hallada en 1797 e incluso que se halló en la Villa Aldobrandini en Frascati (cerca de Roma) en el siglo XVI o localizan esta villa en Pompeya.
La escultura exenta o de bulto redondo, originalmente de bronce, representa a un joven de cuerpo desnudo entero y de pie, en actitud de descanso en una marcha, portando una lanza sobre el hombro izquierdo, la cabeza ligeramente ladeada hacia la derecha y un rostro de serena belleza con una sonrisa apenas insinuada y la mirada distante.

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Doríforo y Diadumenos, tambien de Policleto.

Las dos grandes aportaciones del escultor argivo, uno de los tres grandes artistas del periodo clásico del siglo V aC junto a Mirón y Fidias, son el canon de proporciones y el contraposto.
Policleto publicó el Kanon, un tratado en el que definía la belleza como equilibrio, exactidud y proporción, detallando un sistema de proporciones en el que la  cabeza es el modulo (1/7 del total de la altura del cuerpo) y que se convirtió en el canon clásico de las perfectas proporciones del cuerpo humano, siendo el Doríforo su mejor ejemplo, como explica Plinio el Viejo (XXXV, 55): “Policleto de Sición [sic]... representó también un muchacho de formas maduras, con una lanza [doríforo], al que los artistas llamaban el Canon, del que copiaban los rudimentos del arte como si se tratara de un código”.
El contraposto (contrapposto, un término italiano aparecido en el Renacimiento) es una audaz composición de manera que los ejes de los hombros y las caderas no sean paralelos. El ritmo cruzado y compensado del cuerpo descansa sobre la pierna derecha en el suelo mientras que la otra pierna flexionada insinúa el movimiento desde atrás a punto de marchar hacia delante, tocando el suelo solo con los dedos. En contraste, la parte superior cambia su función: el brazo derecho está relajado a lo largo del cuerpo, mientras que el brazo izquierdo se dobla para sostener la lanza; el torso presenta una ligera inclinación hacia el lado derecho; y la cabeza gira en ese mismo sentido inclinándose levemente.

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Policleto conjuga en el Doríforo varios principios: quietud y movimiento, belleza y fuerza. 

Mantiene del periodo arcaico características de quietud plácida como la contención del rostro (sin llegar al hieratismo), la parcial frontalidad y el severo eje vertical, compensándola empero con un innovador movimiento tenso y oscilante en forma de S, aunque controlado, gracias a la ruptura del concepto tradicional de simetría al oponer mediante el contraposto las partes del cuerpo respecto del eje. Es un equilibrio entre los efectos de carga y descarga, en la simetría libre y natural de los dos lados del cuerpo, que llena de viveza a la figura. 
El escultor realza la selección de los rasgos más bellos de un atleta viril y el estudio anatómico es todavía imperfecto, con un modelado cercano al del período arcaico en los pectorales planos y las marcadas líneas circulares de la cintura, el pliegue inguinal y la cadera, o sea la diartrosis, que así remarcan la fuerza del personaje. 
Probablemente en el original de bronce se usaron, para dar mayor sensación naturalista, pasta vítrea para los ojos y láminas de plata para los labios, mientras que en las copias de mármol se recurría a pintarlas con vivos colores.
La pieza fue identificada como una copia del Doríforo por el historiador alemán Karl Friederichs en 1863 y la mayoría de la historiografía acepta esta atribución, dudándose empero sobre si es un kouros atleta, un soldado o más probablemente un héroe, incluso Aquiles (la Iliada XVI, 140, menciona que portaba lanza). Entre las varias interpretaciones discordantes sobre la mayoritaria destaca la que sostiene Franciosi (2013) de que no es un portador de lanza, sino el héroe ateniense Teseo, un modelo para la formación civil y militar de los jóvenes griegos, que portaría en la izquierda un escudo y en la derecha una espada: la posición de los dedos de la mano izquierda, donde el índice y el meñique sobresalen respecto del mayor y anular, sugiere que sostenía el asa curva de un escudo, y no la asta cilíndrica de una lanza, mientras que el brazo derecho no está relajado sino que los bíceps y los tendones de la mano están tensos y los dedos parecen rodear un objeto cuadrangular (¿la empuñadura de una espada?). Pero esta versión pasa por alto que en el siglo XVIII se restauraron justamente el brazo derecho y la mano izquierda por lo que no son originales.
Policleto fue la cabeza de la escuela de escultores de Argos y sus dos grandes aportaciones fueron seguidas en el siglo siguiente por numerosos discípulos, como su hijo Policleto el Joven (más conocido como el genial arquitecto del teatro de Epidauro) y sobre todo Escopas y Lisipo. Cicerón cita que Lisipo explicaba que aprendió a esculpir "estudiando el Doriforo de Policleto". Su modelo se impuso como referente en la época clásica de la escultura romana, como evidencia el Augusto Prima Porta.

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Augusto Prima Porta.

Fuentes.
Richter, Gisela. El arte griego. Destino. Barcelona.1984 (1959 inglés). 431 pp. Obra en p. 120.

viernes, 24 de marzo de 2017

Cruce de caminos (2012), de Derek Cianfrance.

Cruce de caminos (2012), de Derek Cianfrance.



Cruce de caminos (2012). The Place Beyond the PinesEE UU. Género: drama. Duración: 140 minutos. Dirección: Derek Cianfrance. Intérpretes: Ryan Gosling, Eva Mendes, Bradley Cooper, Ray Liotta, Craig Van Hook. Guión: Derek Cianfrance, Ben Coccio, Darius Marder. Música: Mike Patton. Fotografía: Sean Bobbitt. Montaje: Jom Helton y Ron Patane.
Trama.
Un joven motorista que quiere estar con la mujer que ama y con su hijo y que no vacila en emplear cualquier medio para ello. Un policía que desea ascender. Un cuerpo de policía corroído por la corrupción. Unos hijos que se deslizan hacia la autodestrucción. 
Opinión.
Una historia muy elaborada en el encadenamiento de secuencias temporales, uniendo las diversas tramas en una continuidad que retrata ácidamente la sociedad americana, con un tono documental muy realista. Las interpretaciones carismáticas de Ryan Gosling y Bradley Cooper, apoyados en unos excelentes secundarios, llenan el filme de autenticidad, que solo falla en la excesiva y forzada continuidad del drama a lo largo de los años, que es difícilmente creíble. Pero ya Tolstói nos avisaba que así son las historias familiares. La escena final es impecable, un canto a la esperanza en el sueño americano de los horizontes infinitos como salida existencial.
Fuentes.
Internet.
Artículos.
Costa, Jordi. Tiempo de redención. “El País” (6-IX-2013) 42. Muy elogiosa, la presenta como un clásico.

martes, 21 de marzo de 2017

Comentario: La Casa Kaufmann o Casa de la Cascada (1934-1939), de Frank Lloyd Wright.

La Casa Kaufmann o Casa de la Cascada (1934-1939), de Frank Lloyd Wright.

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La Casa Kaufmann o Casa de la Cascada (Kaufmann House o Fallingwater House) es la vivienda más famosa de las que diseñó Frank Lloyd Wright. Desarrolló el proyecto entre 1934 y1935 y lo construyó hasta 1939 en un enclave de la Reserva Natural de Bear Run (Pensilvania), una zona montañosa y salvaje recorrida por un río con una cascada de 30 metros.
El propietario era un empresario, Edgar Kaufmann, casado y con un hijo, que quería una casa de fin de semana y tenía un notable gusto personal: había estudiado arquitectura un breve tiempo en la escuela-residencia Taliesin de Wright. Había comprado el terreno en 1920 y en principio deseaba que se situara frente a la cascada, pero Wright enseguida vio la posibilidad de situarla encima. Su estancia en Japón le había familiarizado con la arquitectura japonesa y en especial con su integración de los materiales locales, el sonido del agua o la austeridad formal, que aplicó con éxito en esta casa.
Se divide en dos partes: la casa principal se construyó en 1936-1938 y el cuarto de huéspedes se acabó en 1939.

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La chimenea es el elemento principal: se levanta en vertical en las tres plantas e incluso sobresale claramente en la terraza superior, organizando a su alrededor los espacios interiores y en especial el salón de la primera planta como lugar de reunión familiar. Los cimientos de la casa son las rocas del lugar, apenas talladas, que se asoman a la chimenea en el salón, conectado con un comedor y una cocina compacta en la misma primera planta. Hay tres dormitorios pequeños en el segundo piso, más una habitación de estudio y dormitorio para el hijo en el tercer piso.

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Todos los recintos de la casa se relacionan con el entorno: del salón incluso sale una escalinata directa hasta el río. Los techos son bajos, lo que dirige la mirada horizontal hacia afuera, y los pasillos son estrechos y oscuros, sin ventanas, para favorecer el impacto sorpresivo con la apertura exterior en las amplias terrazas en voladizo, proyectadas en ángulos rectos, que favorecen la percepción escultórica de la vivienda en contraste con el lecho ondulado de las rocas adyacentes. Las terrazas son una hazaña de ingeniería, para la que Wright contó con los ingenieros de Mendel y William Glickman Wesley Peters, que crearon una estructura de hormigón armado reforzada con acero para aumentar la resistencia a la tracción.

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La obra resultó un manifiesto espectacular de la corriente orgánica de la arquitectura moderna que encarnaba Wright, que desde hacía años redefinía la relación entre el hombre, la arquitectura y la naturaleza.
Su organicismo está cercano a la tradición barroca de Bernini y Borromini y se inspira en  las casas tradicionales americanas y japonesas, en las formas y los materiales del entorno (piedra generalmente, pero también ladrillo u hormigón), combinando estos materiales diversos de manera que se obtienen efectos de color. Se adecua a los modelos espaciales de la naturaleza, frecuentemente celular, con su estructura compositiva basada en la combinación geométrica de patrones repetitivos, a menudo pequeñas unidades geométricas insertas en el conjunto, con un juego de interacción e interpenetración de los espacios interior y exterior, entre el edificio y el jardín (o la plaza), creando con frecuencia espacios íntimos en claroscuro mediante una luz indirecta, con un lenguaje arquitectónico muy atento a lo local y lo particular. Utiliza grandes terrazas suspendidas (gracias al hormigón reforzado con acero), rodeadas a menudo de árboles, de modo que parece que las rocas y los árboles formen parte de la construcción.


El artista español Frederic Amat (1952).

El artista español Frederic Amat (1952).

Frederic Amat i Noguera (Barcelona, 15-V-1952). Pintor, grabador y escenógrafo españo. Formado en Barcelona, abandonó los estudios de arquitectura, para dedicarse al dibujo, la pintura y los nuevos medios alternativos, con acciones, escenografías de teatro y danza, y obras como Capses (1971), Acció U (1976), Vestidura de canyes (1978). En 1977-1979 vivió en Oaxaca, México y en 1979-1987 en Nueva York, hasta que regresó a Barcelona. Muy influido por el arte románico, Braque, Picasso, Tàpies y Miró. Posteriormente ha diversificado sus medios hacia los carteles, los collages, y las cerámicas con Joan Gardy Artigas (2002).

Amat tiene afinidades con Miró como la ausencia de profundidad y movimiento, el simbolismo, la materia (objetos encontrados o realizados por el propio artista), la cotidianidad o el primitivismo. Participó en la exposición de homenaje *<Miró 80> en Palma de Mallorca (1973) y también mostró su admiración en artículos.
Miró y Amat estuvieron juntos sólo en dos colectivas:
*<El papel en la pintura>. Barcelona. Galería Ciento (1983). Obras de Miró, Frederic Amat, Laurence Barker, Joaquín Chancho, Hernández Pijuan, Antoni Llena, Ràfols-Casamada, Tàpies, Patricio Vélez, Viladecans. Cat. Texto de Nicolás Neri, Notas sobre el papel y la pintura.
*<Colectiva de obra sobre papel>. Barcelona. Galeria Joan Prats (julio-septiembre 1983). Obras de Miró, Sergi Aguilar, Frederic Amat, Guinovart, Hernández Pijuan, Lam, Noland, Perejaume, Picasso, Ponç, Ràfols-Casamada, Saura, Tàpies, Zush...

Fuentes.
Internet.
Exposiciones.
<Amat. Obra realitzada a Barcelona, 1988>. Barcelona. Galeria Joan Prats (1988). Cat.
*<Spanish Art Prints in the Eighties>. Muestra itinerante (1991). Obras de Amat, Barceló, Brossa, Tàpies... Cat. Textos de Juan Carrete, Estrella de Diego. 71 pp.
<Frederic Amat>. Barcelona. Galeria Joan Prats (junio-julio 1992). Cat. Texto de Rafael Argullol.
*<Ver a Miró. La irradiación de Miró en el arte español>. Madrid. Fundació La Caixa (1993). Combalía. Miró en los años 70-80: 58, biografía en p. 194.
<Amat: cuatro paisajes de fondo 1975-1992>. Ciudad de México. Museo Rufino Tamayo (octubre 1993-enero 1994). Barcelona. FJM (febrero-abril 1994). Santa Fe, Granada. Instituto de América (abril-junio 1994). Retrospectiva de Frederic Amat. 122 obras. Comisario: Miguel Cervantes. Cat. 250 pp.
<Frederic Amat. Cartells 1970-1997>. Granada. Palacio de Daralhorra (junio-julio 1997). Barcelona. Centre d’Art Santa Mònica (otoño 1997). Cat. Texto de Enric Satué. 69 pp.
<Frederic Amat. Zoótropo>. Barcelona. La Pedrera (21 marzo-16 julio 2017). Ocho cerámicas de gran formato y otras obras. Comisario: Miquel Adrià. Cat. Reseña de Montañés, J. Á. Las crisálidas de Amat. “El País” (21-III-2017).

Artículos de Amat.
Amat, Frederic. Miró, sonàmbul. “El País”, Barcelona (31-XII-1983).
Amat, F. Miró, funàmbul. “El País” Quadern, Barcelona, 221 (21-XII-1986) 1. FPJM H-4858.
Amat, F. Els tallers de Miró“El País”, Barcelona (21-XII-1989).
Amat, F. Un puñetazo solar. “El País” (24-XII-2008) 35.

Libros.
Santos Torroella, Rafael (dir.). Enciclopèdia Vivent de la Pintura i l’Escultura Catalanes. 1985. Entrada Amat: 169-180.

sábado, 18 de marzo de 2017

El arquitecto español José Antonio Coderch (Barcelona, 1913-L’Espolia, 1984).

El arquitecto español José Antonio Coderch (Barcelona, 1913-L’Espolia, 1984).

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Arquitecto español, afincado en Barcelona, fue tal vez el más influyente arquitecto en Cataluña (y tal vez de España) después de Gaudí. Formado en la Escuela de Arquitectura de Barcelona, fue políticamente un franquista convencido, lo que no le impidió ser, durante un breve tiempo a principios de los años 50, miembro del vanguardista “Grup R”, junto a Oriol Bohigas y Josep Maria Martorell entre otros.

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Lámpara Disa o Coderch.

Desde su despacho en Barcelona, junto a Manuel Valls, fue un creador rigurosamente moderno, atento a las formas innovadoras en sus fachadas ondulantes y quebradas en pronunciados ángulos, así como a la funcionalidad más racional como en sus últimas viviendas transformables (quería que se pudieran desarrollar o compartimentar en vertical y en horizontal, convirtiéndose en dúplex o triplex incluso), y que no descuidaba el diseño de los muebles interiores (la lámpara Disa o el pomo Coderch) o la aplicación de las persianas de láminas Llambi para regular la luz y el calor o el uso de chimeneas de irradiación.

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Casa Ugalde, de Caldes d’Estrac (1951). Manuel Valls codirigió el proyecto.

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Fachada del edificio Girasol, Madrid (1966).

Entre sus obras destacan las numerosas casas de los años 50 y 60 para la burguesía catalana y unos pocos pero notables encargos institucionales: la Casa Ugalde de Caldes d’Estrac (1951), el Pabellón de la Trienal de Milán (1952), la Casa Coderch de Barcelona (1962), el Edificio Girasol de Madrid (1966), las Torres Trade de Barelona (1968), el Instituto Francés de Barcelona (1972) o el Edificio La Caixa de Barcelona (1974).

Fuentes.
Internet.


Documentales.

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Recordando Coderch (2014). Director: Poldo Pomés. Entrevistas a arquitectos que le conocieron.

Exposiciones.
<La herencia de Coderch>. Barcelona. MINIM (2014). Comisaria: Elina Vilà.

Libros.
Núñez, Pati. Recordando Coderch. Librooks. Barcelona. 2017. 240 pp. Biografía y selección de 21 testimonios sobre el arquitecto: Antonio Armesto, Oriol Bohigas, Frederic Correa, Carles Ferrater, Josep Llinàs, Rafael Moneo, Enric Sòria, Óscar Tusquets… [https://www.youtube.com/watch?v=fVAboYf5Q6E]

Artículos.
Graell, Vanessa. El legado inédito de Coderch. “El Mundo” (25-XI-2014).
Montañés, José Ángel. Revisitant Coderch. “El País” Quadern 1.672 (16-III-2017).


martes, 14 de marzo de 2017

Historiadores del arte: Hungría. Arnold Hauser (1892-1978).

Historiadores del arte: Hungría.

El historiador del arte húngaro Arnold Hauser (1892-1978).

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Arnold Hauser (1892-Budapest, 28-I-1978), historiador del arte inscrito en la corriente marxista heterodoxa, fue el historiador y sociólogo de arte más influyente en mi formación académica. Su metodología y sus hipótesis para construir una científica historia social del arte deben demasiado al materialismo dialéctico e histórico de Gyorgy Lukács que aplica el concepto de reflejo a la literatura, así como a la sociología marxista más ortodoxa, por lo que han recibido justificadas críticas, pero es imposible negar su papel de pionero y de referente cuando casi nada había publicado sobre la relación entre arte, literatura y filosofía, como construcciones intelectuales que explican conjuntamente la sociedad. Se le acusa en exceso de politizar su visión de los artistas y los movimientos, pues si la Historia del Arte ha de reivindicar para sí la categoría epistemológica de ciencia no debe ignorar las condiciones reales de la producción artística.
Libros.
Hauser, A. Historia social de la literatura y el Arte. Guadarrama. Madrid. 1969. 3 vols. 440, 412 y 308 pp. pp.
Hauser, Arnold. Teorías del Arte: tendencias y métodos de la crítica moderna. Guadarrama. Madrid. 1975. 422 pp. pp.
Hauser, Arnold. Conversaciones con Lukács. Guadarrama. Madrid. 1979. 120 pp.
Hauser, Arnold. Sociología del Arte. Guadarrama. Madrid. 1975-1982. / Labor. Barcelona. 1977-1982. 5 vols. 981 pp. 1: Fundamentos de la sociología del Arte. 1975. (1-196).­ 2: Arte y clases sociales. 1977. (197-415). 3: Dialéctica de lo estético. 1983. (423-541). 4: Sociología del público. 1977. ( 548-819). 5: )Estamos ante el fin del Arte?. 1983. (831-981).
Hauser, Arnold. Fundamentos de la sociología del Arte. Guadarrama. Madrid. 1975. 199 pp. pp.
Hauser, A. Sociología del Arte. Guadarrama. Madrid. 1975. 2 vols. ? y 565 pp.
Hauser, A. Sociología del Arte. Guadarrama. Madrid. 1977-1982. 5 vols. 981 pp. P (2,3,5).
Hauser, A. Sociología del Arte 1. Labor. Barcelona. 1977. pp. 1-196.
Hauser, A. Sociología del Arte 2: Arte y clases sociales. Labor. Barcelona. 1977. pp. 197-415.
Hauser, A. Sociología del Arte 3: Dialéctica de lo estético. Labor. Barcelona. 1983. pp. 423-541.
Hauser, A. Sociología del Arte 4: Sociología del público. Labor. Barcelona. 1977. pp. 548-819.
Hauser, A. Sociología del Arte 5: )Estamos ante el fin del Arte?. Labor. Barcelona. 1983. pp. 831-981.

Libros de otros.
Ortiz, Lourdes. Hauser y la posición del artista en la sociedad. Un intento de reconciliar lo irreconciliable. “El País” (9-V-1976). Reseña con simpatía el libro Historia social de la literatura y el Arte. Guadarrama. 12ª ed. 2 vols. También reseña, pero con dureza, el libro de Hadjinicolau, Historia del Arte y lucha de clases. Siglo XXI.

sábado, 11 de marzo de 2017

El fundador (2017), de John Lee Hancock.

El fundador (2017), de John Lee Hancock.

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Tráiler de 20'. Films

El fundador (2017). EE UU. Género: biopic. Duración: 115 minutos. Dirección: John Lee Hancock. Intérpretes: Michael Keaton, John Carol Lynch, Nick Offerman. Guión: Robert D. Siegel. Música: Carter Burwell. Fotografía: John Schartzman.

Trama.
Biopic de cómo Ray Kroc, un vendedor maduro y fracasado, alcanzó finalmente el éxito al comercializar la idea de los hermanos McDonald’s.

Fuentes.
Ayuso, R. Keaton y el ‘visionario’ que robó la idea de McDonalds. “El País” (10-III-2017). Entrevista al actor.

Costa, J. La iglesia de los arcos dorados. “El País” (10-III-2017). Muy positiva.

viernes, 10 de marzo de 2017

La ciudad de las estrellas (La La Land) (2016), de Damien Chazelle.

La ciudad de las estrellas (La La Land) (2016), de Damien Chazelle.

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Tráiler final. 2 minutos.

La ciudad de las estrellas (La La Land) (2016). EE UU. Género: musical. Duración: 128 minutos. Dirección: Damien Chazelle. Intérpretes: Ryan Gosling, Emma Stone, Rosemarie Dewitt. Guión: Damien Chazelle. Música: banda sonora y canción de Justin Hurwitz. Fotografía: Linus Sandgren. Montaje: Deborah Aquila.

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Trama.
Una pareja de jóvenes, una actriz y un pianista, se encuentra en Los Ángeles y viven una historia de amor al tiempo que luchan por lograr sus sueños en el arduo mundo del espectáculo.

Opinión.
Un musical redondo, el mejor de los últimos años sin duda, que ha rescatado este género preterido y ha levantado definitivamente la carrera de Gosling y Stone, dos intérpretes excelentes. El film alcanza su cumbre en tres aspectos: la música y la coreografía de los números musicales, y el guión de un ritmo irreprochable.

Fuentes.
Belinchón, G. Hollywood baila al son de ‘La La Land’. “El País” (10-I-2017). Siete Globos de Oro para el film de Damien Chazelle (1985).
Ayuso, R. Damien Chazelle. ‘Siempre es un buen momento para ser artista, para soñar a lo grande’. “El País” (13-I-2017).
Boyero, C. Estética brillante, lirismo creíble. “El País” (13-I-2017). Excelente.
Ayuso, R. Emma Stone. Bailando con las estrellas. “El País” Semanal 2.110 (5-III-2017).

Kong: la isla calavera (2017), de Jordan Vogt-Roberts.

Kong: la isla calavera (2017), de Jordan Vogt-Roberts.

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Tráiler oficial 2. Subtitulado en español.

Kong: la isla calavera (2017). Kong, Skull Island. EE UU. Género: aventuras. Duración: 118 minutos. Dirección: Jordan Vogt-Roberts. Intérpretes: Brie Larson, Tom Hiddleston, Samuel L. Jackson, John C. Reilly, John Goodman, Toby Kebbell. Guión: John Gatins, Max Borenstein, Derek Connolly, Dan Gilroy. Música: Henry Jackman. Fotografía: Larry Fong. Montaje: Richard Pearson, Christian Wagner.

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Trama.
Un equipo de exploradores, científicos y militares estadounidenses se adentra en 1973 en una isla perdida en la que hallan criaturas maravillosas y monstruosas (arañas, pulpos, dinosaurios y todas las especies deseosas de carne humana que quepa soñar), además de un superviviente de la Segunda Guerra Mundial refugiado en una tribu prehistórica. Su rey es un mono gigantesco, Kong. El enfrentamiento entre los hombres y el solitario primate será brutal.

Opinión.
La crítica se ha rendido a un excelente film de aventuras mezclado con fantasía y ciencia ficción, que revisita el mito con acierto en su mezcla de un guion magnífico en su ironía (múltiples referencias al cine clásico), hallazgos visuales (analogías formales muy notables), efectos especiales apabullantes, interpretaciones sólidas y un montaje genial.

FUENTES.
Casas, Kim. Apocalypse Kong. “El Periódico” (9-III-2017).
Costa, Jordi. Infierno en el Pacífico. “El País” (10-III-2017).


martes, 7 de marzo de 2017

'Solomon Kane' (2009), de Michael J. Basset.

'Solomon Kane' (2009), de Michael J. Basset.

Solomon Kane (2009).  Reino Unido. Género: fantasía épica. Duración: 104 minutos. Dirección: Michael J. Basset. Intérpretes: James Purefoy, Alice Krige, Max von Sydow, Pete Postlewhite. Guión: Michael J. Basset, sobre una historia de Robert E. Howard.
Trama.
En 1601, un guerrero, angustiado por una maldición, se enfrenta al diablo en una Inglaterra imaginaria sumida en el caos.
Opinión.
El guión (o mejor dicho la historia de Howard en la que se basa), por benévolo que uno quiera ser, es abrumadoramente absurdo y nadie podría levantarlo. El mismo John Ford hubiera fracasado. Entonces, ¿por qué verla? El actor principal, Purefoy, famoso por su papel de Marco Antonio en la serie Roma, se muestra como un actor dúctil, en un más que aceptable papel de guerrero curtido, y los tres veteranos secundarios en papeles alimenticios de contados minutos e incluso segundos (Alice Krige, Max von Sydow, Pete Postlewhite) siempre merecen un vistazo, y el director imprime un cierto ritmo a las aventuras. Nada más, pero en un entorno actual de películas chabacanas de aventuras, este filme invenciblemente tuerto merece una oportunidad en una noche fría en el sofá.

Watchmen (2009), de Zack Snyder.


Watchmen (2009), de Zack Snyder. Los superhéroes vueltos del revés.

Watchmen (2009). Género: acción y fantasía. EE UU / Gran Bretaña / Canadá. Duración: 163 minutos. Dirección: Zack Snyder. Intérpretes: Patrick Wilson, Carla Gugino, Jackie Earle Haley, Malin Akerman, Billy Crudup, Matthew Goode, Jeffrey Dean Morgan, Matt Frewer. Guión: Alex Tse, David Hayter. Música: Tyles Bates. Fotografía: Larry Fong. Montaje: William Hoy.
Trama.
En la realidad ucrónica de un EE UU de 1985 gobernado por Nixon, y bajo la amenaza inminente de que la Guerra Fría dé paso a la III Guerrra Mundial, la muerte de un superhéroe, ‘El comediante’, provoca que su amigo Rorschach, el único héroe enmascarado que queda en activo, inicie una investigación que le llevará a reencontrar a sus compañeros con la misión de salvar el mundo… o destruirlo.
Opinión.
Snyder respeta en esta adaptación la letra y el espíritu del famoso cómic del guionista Alan Moore (Northampton, Reino Unido, 1953) y el dibujante Dave Gibbons, editado en 12 números en 1986-1987. Realiza una interesantísima deconstrucción, una implacable vuelta del revés de los grandes iconos populares para mostrarnos su rostro más amargo y oscuro, y a la vez desarrolla un impecable ejercicio de estética cinematográfica, repleto de hallazgos visuales (por ejemplo el maravilloso Marte) y de un ritmo original, que se mueve entre lo nervioso y lo moroso en una cadencia hipnótica.
Fuentes.
Grau, Abel. Los secretos de ‘Watchmen’. “El País” (5-III-2009). El volumen Watching the Watchmen muestra la génesis del cómic que cambió el género superheroico. El artículo adjunta imágenes de dibujos de Gibbons, por Norma Editorial.
Grau, Abel. Los ‘fans’ vigilan a los vigilantes. “El País” (6-III-2009).
Moore, Alan (guión); Gibbons, Dave (dibujos). Watchmen. Trad. de Maurizio Curtarelli. Planeta DeAgostini. Barcelona, 2009. 464 pp. Trad. al catalán de Laura Casanovas. Columna. Barcelona, 2009. 468 pp. Reseña de Ayuso, Rocío. ‘Watchmen’ de leyenda. “El País” (7-III-2009).
Palacios, Jesús. 'Watchmen'. Hollywood rebusca en el cómic subversivo. “El Cultural” (6-III-2009).
Redacción. 'Watchmen' triunfa en taquilla, pero menos. “El País” (9-III-2009).