El artista hispano-estadounidense Esteban Vicente (1903-2001).

El artista hispano-estadounidense Esteban Vicente (1903-2001).

Esteban Vicente Pérez (Turégano, Segovia, 20-I-1903-Bridgehampton, Long Island, Nueva York, 11-I-2001). Pintor español, nacionalizado estadounidense. Formado en Madrid, se establece en en Barcelona (hace algún viaje a Ibiza), donde expone en la Galeria Avinyó entre otras, hasta que se instala en París desde 1929 a 1936, gracias a una beca de la Junta de Ampliación de Estudios, aunque hará breves visitas a Madrid.

En París conoce a Picasso, Dalí y Miró, y anuda su amistad con Bores, Juan Bonafé, Palencia y otros pintores españoles. Su obra es esta época reúne influencias del fauvismo de Dufy y Marquet, el cubismo de Gris, la abstracción geométrica de Torres García, el realismo personal de Bores y Juan Bonafé. Por contra, rechaza el lirismo de Klee y el surrealismo, aunque su poética tenga muchas afinidades con Miró, como el colorido y la espontaneidad o el gusto por la música y la poesía.

Aunque desea luchar en el bando republicano, su familia le convence de exiliarse y parte en 1936 a EE UU, como cónsul de la República en Filadelfia, beneficiado además porque su primera esposa, Estelle Charney, es estadounidense.

Forma parte desde finales de los años 40 de la Escuela de Nueva York, junto a sus amigos Mark Rothko, Jackson Pollock, Franz Kline, Barnett Newman y, sobre todo, Willem de Kooning (con el que es vecino de taller un tiempo) y su admirado Ad Reinhardt (con cuyo estilo es más afín), con pinturas y collages de un expresionismo abstracto relacionado con el vivo colorido mediterráneo y su gusto por la naturaleza, aunque con gran sobriedad. Cuenta con el apoyo de los críticos Harold Rosenberg, Thomas B. Hess, Meyer Schapiro y Clement Greenberg. 

Desde las muestras *<Talent 50> en la Kootz Gallery de Nueva York (1950), para la que es seleccionado por Greenberg y Schapiro, y sobre todo dede la famosa *<The Ninth Street Show (o 9th Street)> (21 mayo-10 junio 1951), expone con sus compañeros del expresionismo abstracto, aunque rechazaba su adscripción a este movimiento, alegando ser un anarquista. En los años 60 es profesor en el New York Studio, teniendo como alumnos a Chuck Close, Brice Marden...

Vivió con su segunda esposa, Harriet Godfrey, sus últimos años en Bridgehampton y promovió el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente en Segovia, inaugurado en 1997; y una donación de obras al MNCARS. Al final de su vida resumía sus raíces: “yo soy un pintor americano, pero mis raíces están en España y mis maestros son Velázquez, Zurbarán y Goya”.

Fuentes.

Internet.

[https://es.wikipedia.org/wiki/Esteban_Vicente]

Exposiciones.

<Esteban Vicente>. Madrid. Sala del Banco Exterior (24 abril-junio 1987). La primera antológica en España desde 1934.

*<Zurbarán, Gris, Esteban Vicente, una tradición española de la modernidad>. Segovia. Museo Esteban Vicente (28 enero-23 marzo 2003). 11 obras. Comisario: Antonio Bonet Correa.

<Esteban Vicente y su entorno hasta 1936. Madrid, Barcelona, París>. Segovia. Museo Esteban Vicente (10 abril-15 junio 2003). Obras de Bonafé, Bores, Dalí, Ferrant, Pedro Flores, Ramón Gaya, el polaco Wladislaw Jahl, el francés Frédèric Macé, Soledad Martínez, su hermano Eduardo Vicente... Comisario: Juan Manuel Bonet.

 <Esteban Vicente y el Expresionismo abstracto>. Segovia. Museo Esteban Vicente (otoño 2003). Obras de Vicente, De Kooning, Rothko... de las colecciones españolas.

<Esteban Vicente: gest i color>. Palma de Mallorca. Museu d’Art espanyol contemporani, Fundación Juan March (23 febrero-22 marzo 2004).

<Esteban Vicente>. Barcelona. Galeria Marc Domènech (28 septiembre-15 noviembre 2017). Retrospectiva de unas cuarenta obras.

<Esteban Vicente>. Nueva York. Miles McEnery Gallery (4 septiembre-25 octubre 2025). [https://www.milesmcenery.com/exhibitions/esteban-vicente10]

Libros.

Bénézit, E. Dictionnaire des peintres, sculpteurs, désignateurs et graveurs. Gründ. París. 1976. 10 vols. Reed. Jacques Busse (dir.). 1999. 14 vols. vol. 14, p. 207.

Bozal, Valeriano. Esteban Vicente a critical essay and catalogue of the artist’s works in the Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente. Ed. Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente, Segovia, 1998. 238 pp. Con cronología y biografía. /

Frank, Elizabeth. Esteban Vicente. Actualización de José María Parreño. Ed. Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente. Segovia. 2002. 180 pp. Con biografía, exposiciones y bibliografía.

Artículos. Orden cronológico.

AA.VV. Especial centenario de Esteban Vicente. “Descubrir el Arte”, año 4, nº 47 (I-2003) 20-43.

Yvars, J.F. Con luz no usada. “La Vanguardia” (26-I-2003), en Yvars. Los colores del hierro. Una aproximación al arte moderno. 2003: 285-289, cit. Miró 286.

Martín, Aurelio. Viaje al interior de Esteban Vicente. “El País” (30-III-2010) 42.

Martín, Aurelio. El Esteban Vicente echa el cierre. “El País” (27-VI-2012) 45. El museo cierra unos meses por la crisis económica.

El artista francés Pierre-Auguste Renoir (1841-1919).

El artista francés Pierre-Auguste Renoir (1841-1919).

Renoir. Baile en el Moulin de la Galette (1876).

Renoir. El almuerzo de los barqueros (1881). A menudo se traduce como El almuerzo de los remeros.

Pierre Auguste Renoir (Limoges, 1849-Cagnes-sur-Mer, 1923) es un pintor independiente, que representa escenas urbanas, normalmente de la alegre vida cotidiana de las clases medias y populares de París, como el Baile del Moulin de la Galette (1876), pleno de dominio de la luz, en la fiesta de de El almuerzo de los barqueros (1881), o en sus estudios de anatomía de Las bañistas (1884-1887).

Renoir. Estudio para Las bañistas (1884-1887).

En sus últimos años pintaba atándose los pinceles a las manos, activo hasta el final.

FUENTES.

Internet.

[https://es.wikipedia.org/wiki/Pierre-Auguste_Renoir]

[https://www.youtube.com/watch?v=_V62aT_K8Zw] Grabación del pintor en 1915, pintando en su taller..

El artista francés Pierre-Auguste Renoir (1841-1919).
Internet.
[https://es.wikipedia.org/wiki/Pierre-Auguste_Renoir]

Exposiciones.

<Renoir>. Londres. Hayward Gallery (30 enero-21 abril 1985). París. Galeries Nationales du Grand Palais (14 mayo-2 septiembre). Boston. Museum of Fine Arts (9 octubre 1985-5 enero 1986). Cat. 324 pp. Ediciones en francés e inglés.

<Pasión por Renoir>. Madrid. Museo del Prado (19 octubre 2010-6 febrero 2011). Reseña de Trapiello, Andrés. Todos los colores de Renoir. “El País” (19-X-2010) 37. / Martín Garzo, G. Renoir en el Museo del Prado. “El País” (28-XI-2010) 33. Un modelo de artículo-resumen sobre un artista.

Películas.

Renoir (2012). Dirección: Gilles Bourdos. La vida del pintor Pierre-Auguste Renoir en sus últimos años, junto a su hijo, el cineasta Jean Renoir, y su común admiración por la modelo Andrée.

Libros.

Bénézit, E. Dictionnaire des peintres, sculpteurs, designateurs et graveurs. Gründ. París. 1976. 10 vols. Reed. Jacques Busse (dir.). 1999. 14 vols. vol. 11, pp. 581-587.

Borgogelli, A.; et al. Los impresionistas y los creadores de la pintura moderna. Degas - Cézanne - Monet - Renoir. Ed. Carroggio. Barcelona. 2000. 283 pp. Textos de Alessandra Borgogelli, Marisa Vescovo, Gérard-Georges Lemaire, Maria Teresa Benedetti. Renoir (183-243).

Gaunt, W. Renoir. Phaidon. Oxford. 1982. 31 pp. más 96 pp. de ilus.

White, B.E. Renoir. Flammarion. Paris. 1985. 311 pp.

Artículos.

García, Ángeles. Fuego cruzado por el arte de Renoir. “El País” (5-V-2016). El artista tendrá dos exposiciones en el otoño madrileño, en el Thyssen y la Mapfre.

El historiador de arte estadounidense Kirk Varnedoe (1946-2003).

El historiador de arte estadounidense Kirk Varnedoe (1946-2003).

Kirk Varnedoe (Savannah, Georgia, 18-I-1946-Nueva York, 14-VIII-2003). Historiador de arte norteamericano. Se licenció en el Williams College y se doctoró en Stanford, bajo la dirección de Albert Elsen, experto en Rodin que le dio acceso a multitud de dibujos inéditos del escultor, lo que favoreció que Carter Brown, director de la National Gallery de Washington le asignara su primera exposición, sobre dibujos de Rodin (1971). Ganó la beca de la MacArthur Foudation en 1984. Profesor en la University of Columbia, en el Arts Institute de Nueva York, y finalmente en el Institute for Adavenced Studies de Princeton (2001-2003), hasta su fallecimiento por cáncer.  Fue profesor y amigo del historiador de arte Robert S. Lubar, uno de los grandes especialistas en Miró. Como conservador jefe de pintura y escultura en el MOMA durante 14 años, realizó importantes adquisiciones: Van Gogh, Picasso, Rosenquist, Warhol, Richard Serra, Rauschenberg, James Turrell, Cy Twombly...

Comisarió importantes exposiciones colectivas, entre las que destaca *<Modern Portraits: The Self and Others>. Nueva York. Wildenstein Gallery (20 octubre-28 noviembre 1976), con obras de Miró y otros. Con Adam Gopnik, también ex-alumno suyo, preparó *<High & Low. Modern Art and Popular Culture>. Nueva York. MOMA (7 octubre 1990-15 enero 1991), que también incluía obras de Miró, su primer gran éxito porque generó un gran debate; su tesis sobre Miró es que ejemplifica de modo ejemplar la relación entre arte moderno y cultura popular.

Comisarió también retrospectivas en el MOMA de Cy Twombly (1994), Jasper Johns (1996), Jakson Pollock (1999), junto a su ex-alumno Pepe Karmel. Fomentó las exposiciones de Artists Choice, seleccionadas por artistas como Scott Burton, Elizabeth Murray, Chuck Close, John Baldessari, Ellsworth Kelly...

Fuentes.

Internet.

[https://en.wikipedia.org/wiki/Kirk_Varnedoe]

Libros.

Varnedoe, Kirk. Pictures of Nothing. Abstract Art Since Pollock. Princeton University Press. 2007. 304 pp. Reseña de Danto, Arthur C. Reading Between the Lines. “Art News”, 106, nº 4 (IV-2007) 106 y 108.

Artículos.

Kimmelman, Michael. Necrológica. “New York Times”, reprod. “El País” (21-VIII-2003) 42. Su nombre aparece erróneamente como Vardendoe.

El artista abstracto belga Georges Vantogerloo (1886-1965).

El artista abstracto belga Georges Vantogerloo (1886-1965).

Georges Vantogerloo (Amberes, 24-XI-1886-París, 1965). Artista belga. Formado en las Academias de Amberes y Bruselas, es movilizado en 1914-1918. Comienza como pintor (puntillismo) y escultor (naturalista) en los años 10, evolucionando al final del decenio hacia el cubismo y poco después, de modo definitivo, a la abstracción, patente sobre todo en su escultura, con obras normalmente tituladas Composition, reflejando las ideas del grupo De Stijl de Van Doesburg, en el que colabora en 1917-1920.

Desde 1920 reside en Menton y a partir de 1927 en París, cada vez más interesado por el espacio, la geometría pura, el orden de las matemáticas. Sus numerosos textos de esta época aparecen en el libro L’Art et son avenir. Desde 1930 extrema la depuración matemática de sus obras, participa en el grupo “abstraction-Création” (1931). En los decenios siguientes su obra explora las cualidades místicas de la abstracción geométrica. Su relación con Miró se limita a sus contactos hacia 1930-1931 en París, y a su influjo en los experimentos abstractos del artista catalán en esta época.

Fuentes.

Internet.

[http://en.museuberardo.pt/collection/artists/588]

Exposiciones.

*<L’Art en Belgique. Flandre et Wallonie au XX siècle. Un point de vue>. París. MAMV (13 diciembre 1990-10 marzo 1991). Serge Fachereau. Les années constructivites en Belgique: 180-186, obras de Vantogerloo en 171-179, biografía en 505-506.

*<Campos de fuerza: un ensayo sobre lo cinético>. Barcelona. MACBA (18 abril-18 junio 2000). 260 obras de 41 artistas: Moholy-Nagy, Duchamp, Calder, Vantogerloo... Comisario: Guy Brett. Cat.

<Georges Vantogerloo: Un anhelo de infinito>. Madrid. MNCARS (noviembre 2009-febrero 2010). 80 obras: pinturas, esculturas, grabados. Cat. 209 pp. Texto de Georges Vantogerloo y edición de Guy Brett.

Libros.

Bénézit, E. Dictionnaire des peintres, sculpteurs, designateurs et graveurs. Gründ. París. 1976. 10 vols. Reed. Jacques Busse (dir.). 1999. 14 vols. vol. 14, p. 45.

La historiadora y crítica de arte francesa Dora Vallier (1921-1997).

La historiadora y crítica de arte francesa Dora Vallier (1921-1997).

Dora Vallier (Sofía, Bulgaria, 1921-París, 12-IX-1997), historiadora y crítica de arte de origen búlgaro y nacionalizada francesa. Se exilió en 1950 y se afincó en París, donde comenzó a colaborar con Zervos en 1953, en la revista “Cahiers d’Art”, sustituyendo a Jacques Dupin en el encargo de entrevistar a Braque. En los años siguientes conoció y entrevistó a muchos de los artistas de vanguardia. Recogió algunas de sus entrevistas más importantes en varios volúmenes. 

Fuentes.

Internet.

[https://fr.wikipedia.org/wiki/Dora_Vallier]

[https://rppublics.files.wordpress.com/2013/07/dp-hommage-c3a0-dora-vallier-musc3a9e-zervos-2013.pdf]

Libros.

Vallier, Dora. L’interieur de l’art. Entretiens avec Braque, Léger, Villon, Miró, Brancusi (1954-1960). Seuil. París. 1982. 155 pp. (Miró 125-145). El arte por dentro. Conversaciones con Braque, Léger, Villon, Miró y Brancusi. FCE. Ciudad de México. 1986. 155 pp. (Miró 125-145). Otra edición con paginación distinta: El arte por dentro. Conversaciones con Braque, Léger, Villon. Miró y Brancusi. FCE. Ciudad de México. 1987. 139 pp. (Miró 23-24, 112-131).

Vallier, Dora. L’Art abstrait. Hachette Pluriel. París, 1995. 352 pp.

Artículos.

Vallier, Dora. Avec Miró. “Cahiers d’Art”, v. 33-35 (1960) 161-174. 15 ilus., incluyendo en p. 160 tres dibujos de 1901: Le poisson (inédito), Le pot de fleurs y Le parapluie. Último nº de la revista. Reprod. Vallier, Dora. L’interieur de l’art. Entretiens avec Braque, Léger, Villon, Miró, Brancusi (1954-1960). 1982: 125-145. El arte por dentro. Conversaciones con Braque, Léger, Villon, Miró y Brancusi. 1986: 125-145.

Artículos de otros.

Dagen, Philippe. Obituario. Dora Vallier. “Le Monde” (16-IX-1997).

La arquitecta británica-iraquí Zaha Hadid (1950-2016).

La arquitecta británica-iraquí Zaha Hadid (Bagdad, 1950-Miami, 2016).

Arquitecta y diseñadora de doble nacionalidad iraquí y británica, nacida y criada en Bagdad 

Estudió Matemáticas en la Universidad Americana de Beirut. Se trasladó a estudiar Arquitectura en Londres 1972 y se graduó en 1977. Poco después comenzó su labor de profesorado, que continuó con varios cortes, el resto de su vida, y trabajó en proyectos bajo la dirección de sus profesores, los prestigiosos arquitectos Rem Koolhaas y Elia Zenghelis, hasta que en 1979 abrió su propio estudio de arquitectura en Londres, donde siguió viviendo la mayor parte de los años siguientes, presentando en los años 80 sus atrevidos proyectos, caracterizados por traspasar los límites de la lógica formal, las líneas sinuosas y su idea de convertir los edificios en paisaje. Así consiguió un prestigio que le permitió desde 1994 realizar sus ideas.

Entre sus muchas obras pueden destacarse el Museo MAXXI de Roma, el puente de la Exposición Internacional Zaragoza 2008, la Torre de Innovación en la Universidad Politécnica de Hong Kong, las estaciones del funicular Hungerburgbahn en Innsbruck, el Hotel Silken de Madrid, la estación de bomberos para la fábrica de muebles Vitra en Weil am Rheim, la Serpentine Sackler (la nueva sede de la Serpentine Gallery) de Londres (2013), o el Dongdaemun Design Plaza en Seúl (2015).

Miembro honoraria de la Academia  de las Artes y las Letras de EE UU y miembro del Instituto Americano de Arquitectura (2000), ganó el Premio Mies van der Rohe 2003 y el Premio Pritzker 2004, confirmándose como la eminente arquitecta mundial de su generación, a la altura de los grandes Foster, Gehry o Koolhaas,

Falleció en la plenitud de su carrera, de modo imprevisto, por un ataque al corazón cuando estaba ingresada por una neumonía.

Proyecto de El Cairo Expo City.

Proyecto de Sunrise Tower.

Puente de la Exposición Internacional Zaragoza 2008.

FUENTES. 

Internet.

[http://www.zaha-hadid.com/]

[https://es.wikipedia.org/wiki/Zaha_Hadid]

Artículos.

Zabalbeascoa, Anatxu. Entrevista. Zaha Hadid. “El País” (15-X-2011) 40.

Jarque, Fietta. El germen artístico de Zaha Hadid. “El País” (4-IX-2012) 36.

De Diego, Estrella. Los espacios fluidos. “El País” (4-IX-2012) 36. Los espacios interiores de Zaha Hadid.

De Diego, Estrella. Los espacios fluidos. “El País” (4-IX-2012) 36. Zaha Hadid.

Jarque, Fietta. El germen artístico de Zaha Hadid. “El País” (4-IX-2012) 36.

Zabalbeascoa, A. Zaha Hadid le habla al tiempo. “El País” (5-X-2013) 43. Firma la Serpentine Sackler, la nueva sede de la Serpentine Gallery de Londres, que desde 1972 presenta exposiciones de arte innovador. 

Mora, Tachy. Seúl, destino de diseño. “El País” Semanal 2.007 (15-III-2015) 56-61. El Dongdaemun Design Plaza, concebido por Zaha Hadid, es el nuevo Centro de Diseño.
Zabalbeascoa, A. Zaha Hadid. Mi edificio favorito: Casa das Canoas. “El País” Semanal 2.026 (26-VII-2015). La arquitecta destaca la casa privada de Niemeyer en Río de Janeiro.

Zabalbeascoa, A. Obituario. Zaha Hadid, reina de la arquitectura. La mujer que se empeñó en reinventar los edificios. “El País” (1-IV-2016) 32. Más allá de los límites de la forma (33). Fotos de cinco de sus mejores proyectos.

Zabalbeascoa, A. La estela de Zaha Hadid se prolonga. “El País” (21-IV-2016). Se inaugurarán en 2016 cuatro proyectos suyos y sus diseños han triunfado en el Salón del Mueble de Milán.

Zabalbeascoa, A. Zaha Hadid deja de obra póstuma una nube de oficinas. “El País” (26-IX-2016). El edificio reutiliza otro del siglo XVI en Amberes. Le sucede en su taller su socio, el arquitecto Patrick Schumacher. Pronto se inaugurarán varias obras que dejó inacabadas.

Zabalbeascoa, A. Zaha Hadid se asoma a Nueva York. “El País” (4-IV-2018). El primer edificio neoyorquino se inaugura póstumamente, en el 520 28th Street, junto a High Line.

De Miguel, Rafa. La batalla por el testamento de la arquitecta Zaha Hadid. “El País” (22-XI-2018). Conflicto entre los cuatro albaceas.

Dosier: Fernando Checa. Francisco de Goya, pintor cortesano frente a la crisis del Antiguo Régimen.

FRANCISCO DE GOYA, PINTOR CORTESANO FRENTE A LA CRISIS DEL ANTIGUO RÉGIMEN.

Parte del Curso en la UIMP de Santander (29 julio-2 agosto de 1996), por Fernando Checa: La imagen del poder en la Europa de la Edad Moderna: de Tiziano a Goya.

Hay una creencia general de que Velázquez y Goya son genios nacidos dentro de una España que era un desierto cultural y artístico. La tesis de Checa, en cambio, es que vivieron en un ambiente cultural muy inspirador, basándose en los aportes de Nigel Glendinning, el estudioso más celebrado sobre el ámbito cultural de Goya, un pintor de notables conocimientos que leía en francés y conocía muy bien la historia de la pintura.

Goya pudo contemplar las magníficas colecciones reales, gracias a lo cual pudor hacer una revisión crítica de la obra de Velázquez. Otra fuente de inspiración goyesca fueron los retratos de la familia imperial austriaca pintados por Mengs.

Goya en su convencional retrato de Floridablanca, muestra su aprendizaje de estos antecedentes.

Arcimboldo. El emperador Maximiliano II y la emperatriz María con sus hijos (1553). [http://www.friendsofjade.org/current-article/2006/9/2/jade-at-the-court-of-emperor-rudolf-ii-in-prague.html]

Era una práctica común en las obras cortesanas. Por ejemplo, en el retrato de familia, el fresco renacentista pintado por Mantegna en la Cambra dei Sposi en Mantua, influye en el retrato por Arcimboldo del emperador Maximiliano II y la emperatriz María. Y esa tradición llega a Velázquez, y a través de este a Goya, como se advierte en el muy velazqueño retrato de la familia de los duques de Osuna, un retrato de aparato, de gran tamaño, en los que adoptan una pose natural, con los niños enfrascados en sus juegos.

Van Loo. La familia de Felipe V (1743). Fragmento.

Goya. La familia del Infante Don Luis (1783).

Un acusado contraste se advierte entre el retrato de La familia de Felipe V (1743) de Van Loo, caracterizado por el gran tamaño, la teatralidad y el lujo, y el retrato que realiza Goya en La familia del Infante Don Luis (1783), feliz en su pequeña corte de Arenas de San Pedro, junto a su esposa María Teresa Vallabriga y otros familiares, y en el que Goya se autorretrata en plena tarea, aunque de espaldas.

Goya. La familia de Carlos IV (1800).

La familia de Carlos IV es una obra maestra, en la que Goya se pinta ahora de frente, mucho más seguro de su status profesional. Carlos IV, un monarca culto y sensible, aunque mal político y peor tratado por la Historia, se nos muestra campechano, cercano, lo que encaja en la estética de un tiempo revolucionario, herencia de las ideas ilustradas. No hay adulación en el cuadro, sino una crítica mordaz aunque involuntaria. El absolutismo se retira, y con él su manera barroca de representación icónica, en la que el rey era sagrado. La tradición se mantiene empero en algunos aspectos: la presentación en friso es una alegoría de la familia dinástica, así como el protagonismo central del rey y la reina, aunque destacando el papel del heredero, el futuro Fernando VII, que está en el primer plano cerca de su padre. Pero hay también ruptura con la tradición: la perspectiva y el espacio son nuevos. Goya hace como Velázquez, pero lo contrario: se pone a sí mismo en el mismo lugar que Velázquez en Las Meninas, pero recluido en un espacio más pequeño, en el que compone los personajes con habilidad en varios grupos. Estudia la luz y las sombras con admirable perfección. Es una pintura plana, bidimensional, moderna por ello, superando la pintura aérea y profunda de Velázquez, que era la culminación del Renacimiento y el Barroco.

Goya. Carlos III.

Algunos retratos nos brindan ejemplos del retrato de aparato: Carlos III, Carlos IV, La reina María Luisa, adornados con los atributos del poder. La mayoría eran del taller de Goya, que entonces sólo ejercía una supervisión, escasa en el imperfecto Carlos III. Pero en cambio destacan los retratos ecuestres del rey y de la reina.

En el caso de Cabarrús, el más avanzado de los ilustrados españoles, Goya realiza un retrato naturalista, antisimbólico, y son muy convincentes los retratos de personajes no cortesanos, como el general Urrutia o Jovellanos.

Goya. Jovellanos.

Goya. Alegoría de la Villa de Madrid (1809).

Las alegorías son escasas. Alegoría de la Villa de Madrid (1809) (a veces se ha titulado El dos de mayo) representa un tema ambiguo por sus varios cambios acerca de a quien se dedicaba: primero fue una alegoría del poder de José I, luego de Fernando VII, más tarde de la Constitución, y finalmente del 2 de mayo; lo único que no cambió fue a quién homenajeaba, la ciudad de Madrid. 

Goya. Alegoría de la Constitución de 1812.

Otro cuadro muy controvertido por su amplia variedad de títulos, como Alegoría de España, Alegoría de la Constitución de 1812, España, El tiempo o Las Viejas (Museo de Estocolmo), nos muestra a Cronos preservando a España (y/o) a la Constitución, mientras la Historia escribe sus hechos. 

Goya. El Coloso. La alegoría del terror, de la guerra, es patente en esta obra. En 2008 su atribución a Goya fue negada por Manuela Mena, pero Glindenning, Vega y Foradada la mantienen, con acierto.