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Mis blogs son Altamira (Historia del Arte, Cine, Cómic, Fotografía, Moda), Heródoto (Actualidad, Ciencias Sociales y Pensamiento) y Mirador (Joan Miró, Arte y Cultura Contemporáneos).y Pensamiento, Religión y Teo

domingo, 27 de octubre de 2013

El arquitecto español Rafael Moneo (1937).

El arquitecto español Rafael Moneo (1937).

El arquitecto Rafael Moneo (Tudela, 1937) es el más prestigioso arquitecto español v[]ivo, con una ingente labor de creación de edificios y de elaboración de un pensamiento estético sobre la arquitectura y el urbanismo.
Se formó en la Facultad de Arquitectura de Madrid, donde se licenció en 1961, habiendo participado durante sus estudios como meritorio en varios protectos de su profesor Francisco Javier Sáinz de Oiza. Entre 1961 y 1962 trabajó en el estudio danés de Jorn Utzon, hasta que un proyecto para la reforma de la plaza del Obradoiro en Santiago de Compostela le hizo ganar una beca de estudios en Roma en 1962-1964, y a su vuelta a Madrid comenzó en 1965 una exitosa carrera de profesor universitario y arquitecto privado, que le llevó a ser decano en 1985-1990 de la Graduate School of Design, la facultad de arquitectura  de Harvard donde continuó la tradición funcionalista de Gropius y Sert, y a ser el único ganador español del Premio Pritzker, en 1996, o recibir el Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2012.

Museo de Arte Romano de Mérida (1985). [http://aibarchitecture.blogspot.com.es]

Fundació Joan i Pilar Miró, en Palma de Mallorca (1992). [http://www.mallorcaweb.com]

Su carrera ofrece numerosas obras de extraordinaria calidad, que se caracterizan por un funcionalismo ecléctico, a veces con brutalismo y otras con posmodernismo, moviéndose con igual soltura entre la grandilocuencia y la austeridad:
1976. Ampliación de la sede de Bankinter en Madrid, con Ramón Bescós.
1981. Ayuntamiento de Logroño.
1985. Museo de Arte Romano de Mérida.
1987. Edificio de Previsión, en Sevilla.
1988. Ampliación de la estación de Atocha, en Madrid.
1992. Fundació Joan i Pilar Miró (FJPM), en Palma de Mallorca.
1998. Moderna Museet de Estocolmo.
1998. Ayuntamiento de Murcia.
1999. Kursaal de San Sebastián.
2002. Catedral de Los Ángeles.
2007. Ampliación del Museo del Prado, en Madrid.
2010. Centro Comercial Beirut Souks, en Beirut.
2012. Iglesia de Iesu, en San Sebastián.
2013. Torre Puig en Barcelona
Su pensamiento ha sido expuesto en varios textos que recogen sus clases y en numerosas declaraciones, que muestran un hombre comprometido con su profesión y la sociedad, siempre moviéndose más entre dudas que certezas.
En lo profesional, confiesa a Zabalbeascoa (2013) que ‹‹Los arquitectos no debemos dar gato por liebre. Alguien que ha satisfecho su proyecto profesional confundiendo al usuario acaba cautivo de su propia ingenuidad››.
El dibujo ayuda a pensar la arquitectura: ‹‹el constructor gótico trabajaba sin planos. El dibujo que sirve para pensar llega con el Renacimiento y dura hasta el siglo XX, cuando el ordenador lo transforma en otra cosa›› y esto se ha abandonado hoy en gran medida, como muestra el ejemplo de Renzo Piano, que ya apenas usa el dibujo como medio de creación, sustituido por los programas de ordenador. En cambio, ‹‹[Yo] Dibujo casi todos los días››, a veces varios cuadernos, que reflejan su formación, pues en sus dibujos iniciales ‹‹puede verse abiertamente cómo al principio admiraba a Frank Lloyd Wright››.
Los edificios deben insertarse armónicamente en la ciudad, entendida como un proyecto común e histórico: ‹‹A principios del siglo XX, Le Corbusier trató de asimilar técnicas nuevas a lenguajes nuevos. Hoy la arquitectura ondulante de Zaha Hadid se ofrece como vanguardia con deliberado olvido de cómo va a construirse›› y es que ‹‹la revolución que trae consigo poder construir lo imaginado es tentadora (…) [pero] la arquitectura tiene obligaciones, los edificios adquieren importancia cuando completan algo más amplio que ellos: la ciudad››, y así la arquitectura debe constantemente buscar nuevos lenguajes pero sin olvidarse integrar sus tres grandes fundamentos, estos son la funcionalidad, la belleza y la solidez, pues la arquitectura es cultura y conocimiento. ‹‹Creo haber cumplido con la arquitectura, siempre acompañada de sus amplias obligaciones››. Y pone como ejemplo que ‹‹No veré cómo funcionan las ciudades del Golfo o cómo se reciclan las chinas, pero sospecho que no mejorarán la ciudad antigua››. Una ciudad ideal para forjar el pensamiento de un arquitecto es Roma, donde la historia de la profesión está comprimida en unas pocas horas y él cursó estudios un tiempo: ‹‹Roma está en el origen de la cultura occidental. Y en el de una cultura global››. Mientras algunos de sus compañeros ampliaban estudios en América ‹‹y regresaban convertidos en urbanistas››, él, en cambio, tras su matrimonio con Belén Feduchi, hija y hermana de arquitectos, marchó a la capital italiana: ‹‹La carrera de un profesional con ambiciones incluía ese paso. (…) De viaje de novios fuimos a Ibiza, a Palma, a Sicilia y finalmente llegamos a Roma››.
Moneo no tiene peros en criticar las obras incluso de los consagrados, a los que acusa en general de tener equipos demasiado grandes para acometer su ingente carga de trabajo, en ocasiones en decenas de proyectos a la vez, lo que redunda en una menor creatividad estética. Así, pone peros al Shard, el enorme rascacielos de Renzo Piano en Londres: ‹‹Piano tiene una carga de trabajo tan importante que debe ayudarse y al final su nuevo pináculo conecta otra vez con ese destino de la arquitectura inglesa de no poder abandonar el gótico››.
Él, en cambio, con 30 empleados en su despacho de Madrid, asegura haber trabajado personalmente en todos sus proyectos, y esto, que es motivo de orgullo, lo entiende también como un problema: ‹‹Y eso es una limitación. [Yo hubiera sido otro] si no hubiera distraído tanto el tiempo con otras ocupaciones››, estas son la reflexión, la escritura y la enseñanza. Y cita los casos contrarios de Álvaro Siza, de quien admira su radicalidad, ‹‹el arquitecto vivo de más talento (…) que tiene más volumen de trabajo que yo, liberado de la enseñanza o la escritura›› o de Rem Koolhaas ‹‹sus textos se escriben mucho más intermitentemente que los míos››.

Fuentes.
Internet.
[http://elpais.com/tag/rafael_moneo/a/] Noticias sobre Moneo.

Exposiciones.
<Rafael Moneo. Una reflexión teórica sobre la profesión>. A Coruña. Fundación Barrié (24 octubre 2013-30 marzo 2014). Retrospectiva. Comisario: Francisco González de Canales. Reseña-entrevista a Moneo de Zabalbeascoa, A. Moneo ajusta cuentas con la arquitectura. “El País” (24-X-2013) 42-43.

Libros.
Scully, Vincent (introducción); Moneo, Rafael (epílogo); Andrews, Mason (textos de proyectos). Aldo Rossi. Obras y proyectos. Gustavo Gili. Barcelona. 1986 (1985). 320 pp.

Artículos.
Moneo, Rafael. La mezquita. “FMR”, ed. española, v. 1, nº 2 (1990) 27-43. Mezquita de Córdoba.

Artículos de otros.
De la Torre, Iñaki. Arte envuelto en Arte. “Abaco” 38 (4º trimestre 2006) 61-65. Los nuevos museos en España y el mundo. Ángela García de Paredes e Ignacio Pedrosa: Museo Arqueológico de Almería (2006); Mansilla y Tuñón: Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, en León (MUSAC) (2006). Rafael Moneo: Moderna Museet de Estocolmo. Frank O. Gehry: Experience Music Museum de Seattle. Richard Gluckman: Mori Museum of Modern Art de Tokio (2003).
Zabalbeascoa, A. Los Príncipes de Asturias premian la arquitectura cautelosa de Moneo. “El País” (10-V-2012) 47.

sábado, 26 de octubre de 2013

El escultor británico Anthony Caro (1924-2013).

El escultor británico Anthony Caro (1924-2013).

Anthony Caro (New Malden, Surrey, Inglaterra, 8 de marzo de 1924-23 de octubre de 2013), falleció por un ataque al corazón, en su casa de Surrey a los 89 años. Estaba casado con la destacada pintora Sheila Girling (el IVAM le dedicó una exposición en 2006) y deja un hijo, Paul, y dos nietos. El apellido Caro es de origen español sefardí y él mantuvo siempre su religión judía.
Se formó en la Royal Academy of Arts de Londres y el Christ’s College de la Universidad de Cambridge, y pronto se convirtió en ayudante de Henry Moore, entre 1951 y 1953, de quien tomó los rudimentos de su oficio. En los años siguientes conoció la obra de los constructivistas rusos, Giacometti, Picasso y Julio González. De ellos aprendió que “Hay que entregarse al arte, tiene que convertirse en tu vida y eso significa 24 horas al día. Hay que comer arte, dormir con el arte y soñar con el arte. El arte es un duro maestro, muy exigente, pero también es algo maravilloso y gratificante.”
En una estancia de estudios en EE UU en 1959 conoció al crítico Clement Greenberg, a los pintores Morris Louis y Kenneth Noland y, sobre todo, al escultor David Smith, quien le influyó decisivamente para abandonar su figuración esquemática anterior y decantarse por un estilo basado en la abstracción (el "dibujo en el espacio" de Julio González, Picasso y David Smith) y las composiciones con cubos metálicos en los años 60, cuando se convirtió en el artista más destacado de la New Generation, aunque él rechazaba cualquier etiqueta que le vinculara a grupos o tendencias y de ninguna manera permitía ser calificado de maestro de nadie.
Desde entonces desarrolló en su estudio de Canden Tawn una escultura abstracta en la que soldaba o ensamblaba materiales metálicos prefabricados, generalmente de desecho, tubos de aluminio, elementos de hierro, planchas y vigas de acero y otras aleaciones, como el bronce, e incluso la cerámica y el papel, con una amplia diversidad de formas (al final de su vida incluso volvió esporádicamente a cierta figuración) , sobre las cuales pintaba con colores planos y muy vivos, lo que creaba la ilusión de que las esculturas estaban suspendidas en el espacio, y le permitía disponer las piezas directamente sobre el suelo, eliminando el pedestal, porque creía que las obras tenían que mirar directamente al espectador.
El crítico de arte estadounidense Clement Greenberg le consideró como la encarnación mesiánica y el prototipo del genuino escultor moderno, muy exigente consigo mismo, como el artista confiesa: “Porque puede haber mucho de moda y ocurrir que lo mejor esté fuera del mercado, a veces es difícil distinguir cuándo una obra es producto del talento de su creador o de la inteligencia mercantil del artista.” Comprometido, junto a Robert Loden creó en 1982 el Triangle , un experimento por el que anualmente y durante dos semanas 30 artistas de diferentes partes del mundo (10 escultores y, 20 pintores) se reunían en una ciudad.
Su obra El juicio final se expuso por primera vez en la Bienal de Venecia de 1999 y en el Museo de Bellas Artes de Bilbao en septiembre de 2000. Es una intimidante instalación en forma de convoy, en materiales tan diversos como madera, cerámica, carbón, hierro y hormigón, con la que el artista rompe con la exaltación de la vida que hasta entonces había sido su trabajo. “Era una reflexión sobre la conducta política y social. La historia de Europa está plagada de horrores y mi Juicio final es una respuesta a las atrocidades de nuestra época”. Ángeles García señala que fue comparado por algunos críticos al Guernica de Picasso en cuanto a intención política, pues sus 25 esculturas formaban tres pasillos que recreaban el interior de una basílica, y mediante el manejo de la luz y el retorcimiento de las piezas, Caro daba una visión apocalíptica del siglo XX, específicamente una evocación del martirio de la población en el conflicto yugoslavo, y una manifestación del sentimiento de tristeza con el que él contemplaba los sucesivos horrores perpetrados por el hombre.
Entre sus numerosas distinciones, fue nombrado Caballero del Imperio Británico (con el trato de Sir) en el 2000 por sus méritos artísticos. Ganó el V Premio Internacional Julio González, concedida por el IVAM en 2006, año en que el museo le expuso en <The Barbarians> una serie de esculturas figurativas de casi dos metros de altura, realizadas en terracota y madera con accesorios en acero y cuero, creadas entre 1999 y 2002. Su última exposición en España fue en la galería madrileña Álvaro Alcázar, en 2011, en la que mostró ocho obras realizadas con fragmentos de chatarra, maderas desechadas y recortes de alfarería unos materiales de derribo.

Fuentes.
Internet.
Libros.
Fenton, Terry. Anthony Caro. Polígrafa. Barcelona. 1986. 128 pp.
Waldman, Diane. Anthony Caro. Phaidon. Oxford. 1982. 232 pp.

Artículos.
García, Ángeles. Obituario.‘Sir’ Anthony Caro, el escultor del hierro. “El País” (25-X-2013) 50.
Císcar, Consuelo. ‘In Memoriam’. Un revolucionario del arte contemporáneo. “El País” (25-X-2013) 50.
Rodríguez, Conxa. Anthony Caro. Forjador de sensaciones. “El Mundo” (25-X-2013).
Calvo Serraller, Francisco. Anthony Caro, un artista en reinvención constante. “El País” (30-X-2013) 44.

Exposiciones individuales.
<Anthony Caro: The York Sculptures>. Boston. Museum of Fine Arts (1980). Cat. 40 pp.
<Caro>. Glasgow. Hunterian Art Gallery (27 febrero-10 abril 1982). Exposición itinerante del British Art Council (Huddersfield, Stoke-on-Trent, Hull, Rochdale, Colchester, hasta 6 marzo 1983). Cat. 32 pp.
<Anthony Caro. Sculpture 1969-1984>. Londres. Serpentine Gallery (12 abril-28 mayo 1984). Exposición itinerante (Manchester, Leeds, Copenhague, Dusseldorf, Barcelona, hasta 5 mayo 1985). Cat. 84 pp.
<Anthony Caro>. Barcelona. FJM (21 marzo-12 mayo 1985). 79 pp.
<Anthony Caro. Escultures 1971-1985>. Murcia. Iglesia de San Esteban (14 noviembre-10 diciembre 1986). Valencia. La Llotja (17 diciembre 1986-10 enero 1987). Cat. s/p.
<Anthony Caro>. París. Galerie Lelong (1990). 11 obras. Cat. en “Repères” nº 65. 21 pp.
<Anthony Caro>. Londres. Tate Gallery (26 enero-17 abril 2005). Antológica de obras (1951-2004). Cat. Textos de Paul Moorehouse (ed.) et al.
<Anthony Caro>. Madrid. Galería Álvaro Álcazar (12 marzo 2011). Reseña de Marín-Medina, José. Anthony Caro, todo es posible. “El Cultural” (4-II-2010) 28.

Exposiciones colectivas.
*<Painting and Sculpture of a Decade, 54-64>. Londres. Tate Gallery (22 abril-28 junio 1964). Obras de 160 artistas: Miró, Bacon, Calder, Caro, Chillida, Bernard Cohen, Fontana, Adrian Heath, Leon Kossof, Kenneth Noland, Picasso, Rothko, Tàpies... Cat. Textos de E. Wright, R. Fior. Organizada por Fundaçao Calouste Gulbenkian. 276 pp. 354 ilus. 20 láminas en color.
*<What is Modern Sculpture?>. Nueva York. MOMA (1969). Obras de Miró, Louise Bourgeois, Calder, Caro, Ibram Lassaw, Picasso, Tony Smith... Organizada por Robert Goldwater. Cat. 146 pp.
*<Collage>. Barcelona. Galeria Joan Prats (junio 1985). Obras de Miró ─un collage (1933)─, Sergi Aguilar, Frederic Amat, Arp, Caro, Clavé, Chillida, Christo, Max Ernst, Ferrant, Guinovart, Jiri Kolar, Conrad Marca-Relli, Motherwell, Noland, Picasso, Ràfols-Casamada, Rauschenberg, Saura, Schwitters, Tàpies, Francisco Toledo. Cat. Texto de Arnau Puig. 56 pp. El cat. no lleva la fecha de la exposición, que tomamos de Calvo Serraller. España. Medio siglo de arte de vanguardia. 1939-1985. 1985. v. II: 1346. Hay una reseña de Combalía, V. Collages. “El País” (22-VI-1985).
*<Qu'est-ce que la sculpture moderne?>. París. MNAM (3 julio-13 octubre 1986). Obras de Miró, Calder, Caro, Picasso, Tinguely... Cat. por Margit Rowell. Sel. de textos críticos e históricos de R. Krauss, B. Buchloh, Th. de Duve, B. Rose. 447 pp.
*<Nineteenth- and Twentieth-Century Master Paintings & Sculpture Spring 1990>. Nueva York. Acquavella Galleries (23 abril-25 mayo 1990). Obras de Miró, Bacon, Bonnard, Calder, Caro, Cassat, Dubuffet, Fantin-Latour, Feininger, Giacometti, Klee, Kline, Kooning, Lichtenstein, Manet, Matisse, Monet, Mondrian, Noguchi, Picasso, Renoir, Thiebaud, Vlaminck. Cat. 76 pp. 33 ilus. color.
*<Acquavella 1992>. Nueva York. Acquavella Galleries (1992). Obras de Miró, Bonnard, Boudin, Caro, Chagall, Dalí, Daumier, Degas, Delacroix, Derain, Diebenkorn, Dubuffet, Guston, Kooning, Léger, Matisse, Mitchell, Modigliani, Picasso, Rauschenberg, Redon, Riopelle, Sisley, Soutine. Cat. 79 pp. 38 ilus.
*<A Century of Sculpture: The Nasher Collection>. Nueva York. Guggenheim Museum (7 febrero-1 junio 1997). Obras de Miró, Abakanowicz, Carl Andre, Arp, Brancusi, Calder, Caro, Max Ernst, Giacometti, Hepworth, Moore, Rodin, Picasso...
*<Twentieth Century Masters>. Chicago. Richard Gray Gallery (13 julio-31 agosto 2001). Obras de escultura de Miró, Abakanowicz, Caro, Dine, Moore, Oldenburg...
*<Let us face the future / Afrontemos el futuro. arte británico 1945-1968>. Barcelona. FJM (27 noviembre 2010-20 febrero 2011). Arte británico de 1945-1968: 87 obras de 37 artistas como Bacon, Blake, Caro, Lucien Freud, Hamilton, Moore, Bridget Riley… Comisarios: Andrew Dempsey, Richard Riley. Cat. Reseñas: Serra, Catalina. Los submarinos del arte británico. “El País” Cataluña (26-XI-2010) 8. / Reseña de Molina, Ángela. Afrontar la insularidad. “El País” Babelia 1001 (29-I-2011) 18.

jueves, 24 de octubre de 2013

La marroquinería: las firmas y los diseñadores.

La marroquinería: las firmas y los diseñadores.

Fuentes.
Gonzalo Fonseca.
Fundador y diseñador de Steve Mono, firma española de accesorios de marroquinería.
Torrecillas, Toni (texto); Zamora, Pablo (fotos). Piel para caballeros como los de antes. “El País”, S Moda 103 (7-IX-2013) 20-23. Sobre Gonzalo Fonseca.

Hermès.
La firma francesa comenzó en 1837 como empresa de marroquinería, especializada en sillas de montar, y se ha extendido a otros campos, por lo que figura en la entrada de las firmas de moda. 

*<Hermès>. Madrid. Palacio de Cibeles (24 septiembre-13 octubre 2013). Exposición de objetos de cuero de la firma Hermès. García del Río, Laura. Una historia escrita en cuero. “El País” S Moda 105 (21-IX-2013) 48-49.

miércoles, 23 de octubre de 2013

Los inicios de la historia del cine.

Los inicios de la historia del cine
Una breve historia del cine mundial hasta los años 20 y su interrelación con el cine soviético, ofreciendo así un contexto cinematográfico amplio para este.
Índice:

La invención del cine.

El cine primitivo.
El cine nórdico.
El cine norteamericano.
El expresionismo alemán.
El cine soviético.
El cine francés: impresionismo y surrealismo.
El cine norteamericano de los años 20.
El cine sonoro.

            La invención del cine.
         Los hermanos Lumière.
          
          Plano del filme sobre la llegada del tren a la estación que asustó a los espectadores.
         El 28 de diciembre de 1895 se celebraba la primera proyec­ción pública para 33 personas (a un franco la entrada) del cine­matógrafo de los hermanos Lumière, en París, con un progra­ma de 11 películas, como La salida de los obreros de los talle­res Lumière, en Lyon-Mont-Plaisir. Son películas de un realismo documental que sería muy imitado por el primer cine documental ruso y, a través de este, por el sovié­tico.
            El cine primitivo.
           En 1896 se inició la carrera de Georges Méliès, el prin­cipal director del cine primitivo, que culminaría con Viaje a la luna(1902), con importantes adelantos en cuanto a efectos especiales y su especial atención al género fantástico, lo que influirá en la Aelita de Protazanov, sien­do un excelente avance respecto al cine realista y documenta­lis­ta de los Lumiè­re.

             Fantomas (1913) de Feuillade.

            De 1903 a 1907 la producción francesa e incluso mundial fue do­minada por la productora Charles Pathé, con Ferdinand Zecca como director principal. Un rival importante fueron los estu­dios de León Gaumontdesde 1905, gracias a su estimable director Louis Feuillade y sus series Fantomas (1913-14), Los vampi­ros (1915) y Judex(1916-17). De los estudios de Gaumont salió Victorin Jasset para dirigir en los estudios Éclair otra serie, Nick Carter (1908).

              El asesinato del duque de Guisa (1908), producida por los hermanos Lafitte  y dirigida por Calmettes y Le Bargy.

            La Pathéreaccionó a la competencia con iniciativas como la de los hermanos Lafitte, que inicia el Film d’Art, con El asesinato del duque de Guisa (1908), con actores famosos y un gran éxito pese a que no creó escuela. Otra filial de Pathé, la Société Cinématographique, obtuvo un gran éxito con Los misera­bles (1912), con nueve partes que duraban cinco horas. Apareció entonces el primer gran actor cómico, Max Linder.
            Fuera de Francia, durante la década inicial se extendió el nuevo arte. En Inglaterra la Escuela de Brighton, con Colin Williamson y, sobre todo, George Albert Smith, utilizó el montaje como medio expresivo. Su realismo y su técnica influi­rán sobre los primeros filmes documentales soviéticos.
               Cabiria (1913), de Pastrone.

            En Italia se sucedieron las su­per­producciones históricas con el tema ro­mano antiguo, como hizo Pastrone con la espectacu­lar Cabiria (1913), mien­tras Nino Martoglio inició con Sperduti nel buio(1914), el cine verista Emilio Ghione siguió los pasos de Feui­llade y se extendió el divismo con las famosas Francesca Bertini o Pina Meni­chelli. El género histórico italiano se relacionó con el cine de género histó­rico so­viéti­co, así como el cine verista se em­parentó con el cine docu­mental de Vertov.

            El cine nórdico.
         En el cine nórdico apareció el dramatismo con dramas munda­nos de un singular erotismo, que recogerá el cine soviético más tradicional, con August Blom en Dinamarca y Victor Sjöstrom en Suecia, con exquisito sentido de la naturaleza, en La proscrita (1917) y La carrera fantasma (1920), como Maurice Stiller en El tesoro de Arne (1919), en el que la naturaleza es un tema tan importante como los personajes, lo que influirá en ciertos fragmentos de lirismo bucólico de Eisenstein.

            El cine norteamericano.
           El na­cimiento de una nación (1915), de Griifith.

           Intolerancia (1916), de Griifith.

        Pero es en EE UU donde el cine adquirió su mayor grado de desarrollo industrial en los años 10 gracias a su poderosas productoras. Una figura emergió sobre todos los realizadores, David Wark Griffith, con El na­cimiento de una nación (1915) y Intolerancia (1916), que influ­yeron decisivamente en el lenguaje cinematográ­fico de la vanguardia soviética al usar de un modo plenamente creativo el montaje para­le­lo, el primer plano emocional, el flash-back...

            El expresionismo alemán.
           El gabinete del doctor Caliga­ri (1919), de Wiener.
        Alemania aportó al final de la I Guerra Mundial el movi­miento del expresionismo, seguido poco después por el Kammers­pielfilms, con grandes realizadores como Fritz Lang, F. W. Mur­nau y Robert Wiener, director de la obra maestra del expresio­nismo, El gabinete del doctor Caliga­ri (1919). En los años si­guientes la vanguardia la representaron Walter Rutmann y el rea­lista G.W. Pabst, situado dentro de la corriente marxista.
            El expresionismo fue rechazado por los cineastas soviéti­cos, que criticaban su excesivo formalismo experimental, su búsqueda unívoca del impacto psicológico mediante la deforma­ción de decorados y la tenebrosa luz y, sobre todo, la inter­pretación tan extremada que chocaba frontalmente con la estéti­ca soviética. Pero el expresio­nismo in­fluyó en Eisenstein, como se observa sobre todo en Iván el Terrible, cuyos interiores están inequívoca­men­te asociados con los de los maes­tros expresionistas, así como el uso de acciones en sombras chinescas en la pared.

             El cine soviético.
            El cine soviético apareció en este contexto dominado por el cine expresionista y la obra de Griffith. Los directores que descollaron fueron Sergei M. Eisenstein, un teórico eminente y creador de la obra maestra El acorazado Potem­kin (1925), Vsevold Pudovkincon La ma­dre (1926), Alexander Dovzenko con La tierra(1930) y el docu­mentalista Dziga Vertov.

            El cine francés: impresionismo y surrealismo.
            Napoleón (1925), de Abel Gance.

         Coetáneo al cine soviético en Francia aparecieron el impre­sionismoy la avant-garde, con Jean Epstein, Marcel L’Herbier, Louis De­lluc y Germaine Dullac, hasta llegar a la cumbre del movimien­to, con Abel Gancey su revolucionario Napo­león (1925). Este filme fue muy admirado por Eisenstein, que adoptó muchas de sus innovaciones y su monumentalismo. Mien­tras, el espa­ñol Luis Buñuel presentó las primeras obras del surrealismo, con Un chien an­dalou (1928) y L’âge d’or (1930), pero la influencia de este movimiento fue prácticamente nula en la URSS.

             La pasión de Juana de Arco (1928), de Dreyer.

            Un danés, Carl T. Dreyer realizó en este contexto francés una obra maestra del lenguaje, La pasión de Juana de Arco(1928), recogiendo la influencia del cine nórdico. Dreyer, con su cine intelectual y apasionado, está directamente relacionado con el mejor Eisenstein, el de los últimos filmes.

            El cine norteamericano de los años 20.
            En EE UU también se sucedieron filmes y avances de primer or­den, con grandes autores centrados en Hollywood, la meca del cine de la época por su enorme poder financiero y comercial, que atrajo entre otros a algunos de los mejores autores, sobre todo alemanes (Sttroheim, Murnau, Lang, Lubitsch o Sternberg).
          La quimera del oro (1925), de Chaplin.

           Destacaron la pareja de actores y productores Mary Pickford y Douglas Fairbanks, las histo­rias román­ticas de Ro­dolfo Valentino, los cortometrajes cómicos de Mark Sennett y sobre todo la obra extraordinaria de Charles Chaplin, con nume­rosos cortometrajes cómicos y obras mayores como la mordaz La quimera del oro (1925). Chaplin influyó mucho en varios cineas­tas soviéticos, pues era muy conocido en la URSS.
             Amanecer (1927), de Murnau.

          En esta época, ya en un segundo plano, descollaron Erich von Stroheim, con La mar­cha nup­cial (1927), F. W. Murnau, con Amanecer(1927), y otros tan excelentes y a menudo espectacu­lares como Buster Keaton, Josef von Sternberg, King Vi­dor que con El gran desfile obtendría un primer y sensacio­nal triunfo, Robert Flaherty con sus documentales exóticos, John Ford, Cecil B. de Mille, Ho­ward Hawks, Ernest Lu­bitsch o Frank Borzage, al­gunos de los cuales comienzan en los años 20 un obra muy pro­lífica, abier­ta a to­das las corrien­tes mundia­les gracias a la numerosa inmi­gración de los mejores cineastas.

El cine sonoro.
           El cantante de jazz (1927), de Alan Crossland. 

          El cine sonoro se abrió paso en EE UU en 1927 con El cantante de jazz, de Alan Crossland. La muerte rápida del cine mudo y que menudearan al principio las operetas intras­cen­dentes como El desfile del amor (1930), de Lubitsch, hicieron temer en una pérdida de vigor artístico del cine, hasta que comenzaron a aparecer obras de calidad como Aleluya(1929), de King Vidor.
            En Francia surge el movimiento del realismo poético, de gran éxito crítico en los años 30, con directores como René Clair con Bajo los techos de París (1930) y Viva la libertad (1931), Marcel Carné con Quai des brumes (1938), Jacques Feyder con La kermesse heroica (1935), Jean Grémillon, Julien Duvivier con Pépé-Le-Moko (1937), y, sobre todos, los grandes Jean Vigo (muerto con sólo 29 años) con Zéro de con­duite (1932-33) y L’Atalante(1934), y Jean Re­noir con La gran ilu­sión (1937) y La règle du jeu(1939). El impacto de este grupo en el cine soviético llegó realmente en los años 50, con la recuperación de los argumentos “poéticos”.
            En Inglaterra im­peraba el director y productor Alexander Korda, con filmes de gran éxito popular. Hitchcock y Asquith aparecían como los valores más sólidos y en la vanguardia esta­ba la famosa “Escuela documentalista”, heredera del realismo del Grupo de Brighton, con John Grierson y desde 1932 el nor­teamericano Robert Flaherty, que deslumbró con Hombres de Aran (1934) y otros documentales, cuyo impacto en el cine soviético es evidente, aunque cabe hablar de una doble dirección pues Flaherty fue un concienzudo estudioso del cine soviético.
             La dili­gencia (1938), de John Ford.

          En EE UU creció el género cómico, con los hermanos Marx, la pareja Laurel y Hardy, y W.C. Fields. Nacieron géneros de gran futuro: el terro­rífico con los directores Browning y Whale; el policíaco con directores y actores de gran aliento como Howard Hawks, Rouben Mamoulian, Humphrey Bogart, E. G. Robinson o James Cagney. Sorprendió el King-Kong de Schoedsack, encan­diló la comedia optimista de Frank Ca­pra, el género del Oeste maduró con John Ford en La dili­gencia (1938), junto a la produc­ción de filmes humanita­rios y de denun­cia so­cial, los musicales de Busby Ber­keley con Fred Astaire y Ginger Rogers, los dramas de William Wyler con Bette Davis, y la apa­ri­ción de una pléyade de grandes es­trellas como Gre­ta Garbo y Mar­lene Die­trich, Clark Gable y Gary Cooper... Con­ti­nuaba la inmi­gración de los mejores ci­neastas extranje­ros: Hitchcock desde Inglaterra, Fritz Lang desde Ale­mania (una can­tera inagotable de talentos obligados al exilio por el nazismo), Ei­sens­tein desde la URSS (una fra­ca­sada y corta aventura como anti­cipaba mucha gen­te), y otros muchos, una corriente que la cri­sis de los años 30 y la II Gue­rra Mundial convertirá en un río inmenso.
            En la URSSel retornado Eisenstein se adaptaba al cine sonoro con Alexander Nevski(1938) y se revelaban nuevos auto­res, como Mark Donskoi, con su trilogía sobre Gorki (1938-40). La II Guerra Mundial supuso un corte brutal. Ei­senstein murió en 1948 sin poder acabar su gran trilogía de Iván el Terrible iniciada en 1943, de la que la segunda parte sólo se permitió su exhibición en 1958, cuando Stalin llevaba muerto cinco años. Al mismo tiempo los restantes cineastas soviéticos de vanguardia iban envejeciendo, muriendo y autocensurándose en el periodo inicial de la Guerra Fría. La vanguardia había fenecido bajo la repre­sión esta­li­nis­ta.
            Olimpia­da (1936), de Leni Riefensthal.

            En Alemania, otro país sometido por el totalitarismo, el cine hitle­riano aporta­ba obras de un forma­lismo colosa­l, como la Olimpia­da(1936) de Leni Riefensthal, una cineasta que estudió el cine soviético, adaptándolo al otro extremo totalitario, como haría también el cine italiano fascista.
            Al mismo tiempo en los años 30, en Italia se propugnaba el cine his­tórico espec­ta­cular, igualmente propagandístico, con un “cali­grafismo” de frío for­malismo deca­dentista e inactual. Pero éste de­sembo­caría tras 1945 en su contra­rio ideológico, el neo­rrealismo, pleno de sobriedad, fuer­za y ac­tua­lidad, que tanto debe al cine soviético de los tres grandes maestros y que a su vez gozó de una gran influencia sobre el cine soviético de los años 50, pero esta es ya otra historia...
            

sábado, 12 de octubre de 2013

Arte contemporáneo: Austria. Dosier: El arte en la Viena de fin de siglo (1900).

ARTE CONTEMPORÁNEO: AUSTRIA.

Dosier: El arte en la Viena de fin de siglo (1900).
ARQUITECTURA.
ARTES PLÁSTICAS.

Dosier: El arte en la Viena de fin de siglo (1900).
Viena hacia 1900-1914 reunió un extraordinario elenco de estrellas del arte (Klimt, Schiele, Kokoschka, Gerstl), la arquitectura (Hoffmann, Loos), la literatura (Hofmansthal, Schnitzler, Musil, Broch, Kraus, Zweig), y el pensamiento (Freud, Wittgenstein).
Posteriormente se ha convertido en un mito, encarnando una sociedad multicultural, en la que se fundían armónicamente lenguas (alemán, húngaro, checo, italiano) y religiones (cristianismo y judaísmo), aunque en realidad no había tal armonía y bajo su atractiva superficie crecían los monstruos del antisemitismo y el pangermanismo que cimentaron el nazismo. 
Fuentes
Exposiciones.
<Vienna 1900: art, architecture & design>. Nueva York. Museum of Modern Art (1986). Cat. Texto de Kirk Varnedoe.
*<Vienne 1880-1938. L'apocalypse joyeuse>. París. MNAM (1986). Cat. Textos de Jean Clair (dir.). 794 pp.
*<Vienne 1900>. Basilea. Fondation Beyeler (26 septiembre 2010-16 enero 2011). 200 obras de Klimt, Schiele, Kokoschka...
Klimt 'Portrait of Amalie Zuckerkandl'

*<Facing the Modern. The Portrait in Vienna 1900> o <Frente a la modernidad: el retrato en la Viena de 1900>. Londres. National Gallery (9 octubre 2013-12 enero 2014). 80 obras que celebran la Viena de fin de siglo: Klimt, Schiele, Kokoschka, Loos, Freud, Musil, Broch, Kraus, Zweig, Wittgenstein… Comisaria: Gemma Blackshaw. Reseña de García, Ángeles. La Viena de fin de siglo se ‘retrata’ en Londres. “El País” (12-X-2013) 49.

Documentales.
Viena 1900 (60'). Dirigida por Jean Louis Fournier, arte y cultura, con obras del Centre Georges Pompidou, grabaciones; memorias de una joven, Rossner, que recuerda su vida en 1899-1939. Visual Arte.
Libros.
Schorske, Carl E. Viena Fin-de-Siècle: Política y CulturaGustavo Gili. Barcelona. 1981 (1961). 414 pp.
Schorske, Carl E.; et al. Vienne 1880-1938. “Revue d'Esthétique” 9 (1985) 190 pp.
Artículos.
Teixidor, Joan. Viena 1900 i Oskar Kokoschka“Quadern El País” 180 (9-III-1986) 6.
Teixidor, Joan. El Danubi blau. “Quadern El País” 248 (28-VI-1987) 2. Sobre la Viena de fin de siglo.
Casals, Josep. Viena contra Viena. “Quadern El País” 551 (6-V-1993) 8. Exposició *<Delicte i somni>. Barcelona. Fundació la Caixa (1993). Sobre la Viena de 1900-1930: Loos, Klimt, Olbrich, etc.

ARQUITECTURA.
Internet.
Películas.
Documentales.
Exposiciones.
*<Le arti a Vienna. Dalla Secessione alla caduta dell’Imperio Asburgico>. Venecia. Palazzo Grassi (20 mayo-16 septiembre 1984). Cat. 589 pp.
*<Vienna 1900. Art, Architecture & Design>. Nueva York. MOMA (3 julio-21 octubre 1986). Cat. Textos de Kirk Vardenoe (ed.). 264 pp.
 Libros.
Artículos. Orden cronológico.
Zabalbeascoa, A. Vértigo en Viena. “El País” El Viajero 806 (11-IV-2014) 12-13. Rascacielos vieneses, entre los que destaca el de Dominique Perrault en la Donau City.
Zabalbeascoa, A. Hans Hollein, arquitecto ecléctico y atrevido. “El País” (29-IV-2014) 44. Hans Hollein (1934-2014) ganó el Premio Pritzker en 1985.

ARQUITECTOS.

El arquitecto austriaco Dietmar Eberle (1952).
Dietmar Eberle (Hittisau, Viena, 1952).
Zabalbeascoa, Anatxu. Dietmar Eberle: “La arquitectura que hacemos en China es más sostenible que la que hacemos en Europa”. “El País”, Babelia 804 (21-IV-2007) 20.

El arquitecto racionalista austriaco Adolf Loos (1870-1933).
Anderson, Stanford; et al. Adolf Loos. Stylos. Barcelona. 1989. 195 pp.
Loos, Adolf. Escritos. El Croquis. Vol. 21. n/d.
Loos, Adolf. Dicho en el vacío 1897-1900. Librería Yerba. Murcia. 1984 (1921 alemán). 226 pp.
Zabalbeascoa, A. 83 años y tan modernas. “El País” El Viajero 782 (25-X-2013) 8. La Villa Müller en Praga, de Adolf Loos.

ARTES PLÁSTICAS.
Internet.
Películas.
Documentales.
Exposiciones.
*<Le arti a Vienna. Dalla Secessione alla caduta dell’Imperio Asburgico>. Venecia. Palazzo Grassi (20 mayo-16 septiembre 1984). Cat. 589 pp.
*<Vienne 1900. L’Age d’Or de la Peinture>. París. MNAM (13 febrero-5 mayo 1986). Cat. 66 pp.
*<Vienna 1900. Art, Architecture & Design>. Nueva York. MOMA (3 julio-21 octubre 1986). Cat. Textos de Kirk Vardenoe (ed.). 264 pp.
*<La visión austriaca. Tres generaciones de artistas>. Madrid. FLC (23 noviembre 1994-22 enero 1995). Barcelona. FLC (7 febrero-2 abril 1995). Obras de Attersee, Brandl, Muehl, Nitsch... Cat. 165 pp.
*<Accionismo vienés: Brus, Muehl, Nitsch, Schwarzkogler>. Sevilla. Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (marzo-25 mayo 2009). Reseña de Juan Bosco Díaz-Urmeneta. El otro rostro de Viena. “El País” Babelia 853 (29-III-2008) 18.

*<El elemento femenino en el Accionismo vienés>. Praga. DOX Museo de Arte Contemporáneo (2013). Obras de Rudolf Schwarzkogler, Günter Brus, Otto Mühl y Hermann Nitsch. Reseña de García, Ángeles. Arte para mayores de 18 años. “El País” (2-I-2013) 40.
 Libros.
Tarenne, Viviane; Kuhn-Régnier, Ingeborg. Les dessins austrichiens. MNAC. París. 1987. 88 pp.
Vergo, Peter. Art in Vienna 1898-1918Phaidon. Oxford. 1986 (1975). 256 pp.
Waissenberger, Robert. Vienne 1890-1920. Seuil. Friburgo. 1984. 280 pp.
Artículos. Orden cronológico.

ARTISTAS.
Listado.
Anton Raphael Mengs (1728-1779, pintura), Franz Xaver Messerschmidt (1736-1783, escultura), Adam von Bartsch (1757-1821, grabado), 
Hans Makart (1840-1884, pintura), Wilhelm Leibl (1844-1900, pintura), Gustav Klimt (1862-1918, pintura), George Minne (1866-1941, de origen belga; escultura), Alfred Kubin (1877-1959, pintura), Oskar Kokoschka (1886-1980, pintura), Robert Eigenberger (1890-1979, pintura y director de museo), Egon Schiele (1890-1918, pintura), Herbert Boeckl (1894-1966, pintura).
Otto Muehl (Grodnau, 1925-Algarve, Portugal, 2013, accionismo), Bruno Gironcoli (1936-2010, escultura), Günter Brus (1938, accionismo, body art), Hermann Nitsch (1938, accionismo, body art), Rudolf Schwarzkogler (1940-1969, accionismo, body art), Franz West (Viena, 1946-2012, escultura, vídeo, instalación),
Gerwald Rockenschaub (1952, grupo Neo Geo), Siegfried Anzinger (Weyer, 1953, pintura, grabado), Heimo Zobernig (1958), Herbert Brandl (Graz, 1959, pintura), Doris Margreiter (Viena, 1966),


El artista austriaco Herbert Boeckl (1894-1966).
<Herbert Boeckl. Corps et espaces, 1915-1931>. Hamburgo. Kunsthalle (12 enero-26 febrero 1989). París. MNAM (14 marzo-23 abril 1989). Cat. 183 pp. francés.




El artista austriaco Friedensreich Hundertwasser (1928-2000).


Friedensreich Hundertwasser, seudónimo desde 1949 de Fritz Stowasser (Viena, 15-XII-1928-alta mar, transatlántico Queen Elizabeth II, 19-II-2000). Pintor y arquitecto austriaco, de familia judía que falleció casi entera en el Holocausto. Antirracionalista, tiene como referentes el Jugendstil, Schiele, Klimt, Klee, el arte islámico (el arabesco) y oriental (la elipse), así como el compromiso con el pacifismo y el ecologismo.
Fuentes.
Internet.
Libros.
Arrechea; Soto. Gran Diccionario de la Pintura. Vol. II. Siglo XX. 2002: 174-175.
Bénézit, E. Dictionnaire des peintres, sculpteurs, désignateurs et graveurs. Gründ. París. 1976. 10 vs. Reed. Jacques Busse (dir.). 1999. 14 vs. Vol. 7, pp. 272-273.

El artista austriaco Gustav Klimt (1862-1918).

Exposiciones.
<Gustav Klimt>. Martigny. Fondation Gianadda (28 noviembre 1986-25 enero 1987). Cat. Textos de Serge Sabarsky. Ed. Mazzotta. Milán. 133 pp.
<Gustav Klimt>. Bruselas (Europalia 87 Österreich). MRBA (17 septiembre-29 noviembre 1987). Cat. Texto de Serge Sabarsky. 183 pp.
<Gustav Klimt>. Florencia. Palazzo Strozzi (30 noviembre 1991-8 marzo 1992). Cat. 231 pp.
*<Klimt, Kokoschka, Schiele. Un sueño vienés (1898-1918)>. Madrid. Fundación Juan March (7 febrero-21 mayo 1995). Cat. 125 pp.
<La destrucción creadora. Gustav Klimt, el friso de Beethoven y la lucha por la libertad del Arte>. Madrid. Fundación Juan March (28 octubre 2006-14 enero 2007). Reseña de Calvo Serraller, F. En la aurora de la modernidad. “El País”, Babelia 779 (28-X-2006) 19.
*<Primeros del Arte Moderno>. Viena. Belvedere Inferior (2012). Obras del arquitecto y diseñador Josef Hoffmann y Klimt.
<Gustav Klimt>. Viena. Kunsthistorisches Museum (14 febrero-6 mayo 2012). La obra de la etapa media.
<Gustav Klimt>. Viena. Leopold Museum (24 febrero-27 agosto 2012). La vida privada.
<Gustav Klimt. La verdad desnuda>. Viena. Museo Austríaco del Teatro (10 mayo-29 octubre 2012). Exposición del cuadro La verdad desnuda.
<150 años de Gustav Klimt>. Viena. Belvedere Superior (12 julio 2012-6 enero 2013). Luzán, Julia. Erótico Klimt. “El País” Semanal 1.865 (25-VI-2012) 60-67.
Libros.
Natter, Tobias G. Gustav Klimt. Taschen. Colonia. 2012. El libro de referencia, en alemán e inglés. Se traducirá al español en 2012.
Runfola, P. Los impresionistas y los creadores de la pintura moderna. Mucha - Klimt - Munch - Toulouse-Lautrec. Ed. Carroggio. Barcelona. 2000. 289 pp. Textos de Patricia Runfola, Eva di Stefano, Giorgio Cortenova. Mucha (5-65), Klimt (67-123), Munch (125-183), Toulouse-Lautrec (185-245).
Whitford, Frank. KlimtDestino. Barcelona. 1992 (1990 inglés; Thames & Hudson). 216 pp.
Artículos.
Huici, Germán. Klimt. El friso Beethoven. “Descubrir el Arte” año 11, nº 124 (VI-2009) 20-26.
Fernández Santos, Elsa. Los papeles eróticos de Gustav Klimt. Una exposición reúne un centenar de dibujos del pintor austriaco, la mayoría desnudos. “El País” (15-VI-2006) 54.
Celis, Bárbara. Una obra de Klimt se convierte en el cuadro más caro de la Historia. “El País” (20-VI-2006) 67.
Jiménez Burillo, Pablo. Audaz y brillante. “El País” (20-VI-2006) 67.
De Diego, Estrella. ‘Klimtmanía’ por tierra, mar y aire. “El País” (11-XI-2011) 44.
Rimblas Mira, Ana. Gustav Klimt. “Álbum Letras-Artes” 108 (2012) 74-77. Exposiciones homenaje a Klimt en Viena.
Redacción. Klimt XL en las cavernas de la luz. “El País” (8-III-2014) 37. Una muestra multimedia de Klimt en las cuevas francesas de Les-Baux-de-Provence.

El artista austriaco Oskar Kokoschka (1886-1980).
Fuentes.
Exposiciones.
<Oskar Kokoschka 1886-1980>. Nueva York. Guggenheim Museum (1986). Cat. 246 pp.
<Orbis Pictus. The Prints of Oskar Kokoschka 1906-1976>. Santa Barbara Museum of Art (1987). Cat. 104 pp.
<Oskar Kokoschka. Dipinti e disegni>. Florencia. Palazzo Medici-Riccardi (4 abril-7 junio 1987). Cat. Textos de Serge Sabarsky; et al. 147 pp.
<Oskar Kokoschka 1886-1980>. Barcelona. Museu Picasso (9 febrero-10 abril 1988). Cat. 163 pp.
<Kokoschka>. Londres. Courtauld Institute Galleries (9 septiembre-28 octubre 1992). Cat. 72 pp.
*<Klimt, Kokoschka, Schiele. Un sueño vienés (1898-1918)>. Madrid. Fundación Juan March (7 febrero-21 mayo 1995). Cat. 125 pp.
Libros.
Kokoschka, Oskar. Mi vida. Tusquets. Barcelona. 1988 (1971 alemán; 1974 inglés). 332 pp.
Schröder, K.A.; Wingler, J. (ed.). Kokoschka. Prestel. Munich. 1991.
Artículos.
Teixidor, Joan. Viena 1900 i Oskar Kokoschka“Quadern El País” 180 (9-III-1986) 6.

El artista austriaco Franz Xaver Messerschmidt (1736-1783).
Franz Xaver Messerschmidt (1736-1783), escultor austriaco, famoso por sus retratos de las distintas personalidades.

<Franz Xaver Messerschmidt>. París. Louvre (24 febrero-25 abril 2011). Reseña de Jiménez Barca, Antonio. Una mueca genial y atormentada. “El País” (24-II-2011) 44.

El artista austriaco Hermann Nitsch (1938).
<Hermann Nitsch. El teatre d’orgies i misteris>. Palma. Casal Solleric (18 diciembre 1996-18 febrero 1997). Cat. 95 pp.

El artista austriaco Arnul Rainer (1929).
Rainer, Arnulf. Arnulf Rainer. Totenmasken. Handmalerei. Galerie Thaddaeus Ropac. Salzburgo. 1986. 151 pp. Alemán/inglés.
<Arnulf Rainer>. París. MNAM (1 febrero-26 marzo 1984). Cat. 80 pp.
<Arnulf Rainer>. París. Galerie Maeght Lelong (noviembre 1985). 78 obras. Cat. en “Repères” nº 25. 35 pp.
<Arnulf Rainer. Fossilien>. París. Galerie Rudolphe Stadler (1987). Cat. Texto de Bernard Blistene. 42 pp.
<Arnulf Rainer. Masqué-Démasqué>. Bruselas (Europalia 87 Österreich). MRBA (17 septiembre-29 noviembre 1987). Cat. 143 pp.
<Arnulf Rainer>. Milán. Castillo de Rivoli (16 febrero-29 abril 1990). Cat. Textos de Rudi Fuchs, Johannes Gachnang. 138 pp.

<Arnulf Rainer>. París. Galerie Lelong (diciembre 1990). Cat. en “Repères” nº 70. 31 pp.

El artista austriaco Egon Schiele (1890-1918).
Egon Schiele (Tulln, 1890-Viena, 1918).
Exposiciones.
<Egon Schiele>. Martigny. Fondation Gianadda (28 noviembre 1986-25 enero 1987). Cat. por Serge Sabarsky. Mazzotta. Milán. 137 pp.
<Egon Schiele und seine Zeit: Österreische Malerei und Zeichnung von 1900 bis 1930 aus der Sammlung Leopold>. Zurich. Kunsthaus (1988-1989). Viena. Kunstforum Ländesbank (1989). Munich. Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung (1989-1990). Wuppertal. Von-der-Heydt Museum (1990). 295 pp. inglés.
*<Klimt, Kokoschka, Schiele. Un sueño vienés (1898-1918)>. Madrid. Fundación Juan March (7 febrero-21 mayo 1995). Cat. 125 pp.
<Egon Schiele. Die Sammlung Leopold>. Tubinga. Kunsthalle (2 septiembre-10 diciembre 1995). Dusseldorf. Kunstsammlung Nordheim-Westphalen (21 diciembre 1995-10 marzo 1996). Hamburgo. Kunsthalle (22 marzo-16 junio 1996). 335 pp.
<Egon Schiele>. Viena. Museo Belvedere (17 febrero-13 junio 2011). Antológica. Comisarios: Agnes Husslein-Arco y Jane Kallir. Reseña de Hermoso, Borja. El espejo atormentado de Schiele. “El País” (28-II-2011) 38.
<Schiele>. Bilbao. Museo Guggenheim (2 octubre 2012-6 enero 2013). Un centenar de dibujos de Egon Schiele, de la col. Museo Albertina de Viena. Reseña de Hermoso, Borja. Desolación Schiele en Bilbao. “El País” (2-X-2012) 46.
Libros.
Carmona Escalera, Carla. En la cuerda floja de lo eterno. Sobre la gramática alucinada de Egon Schiele. Acantilado. Barcelona. 2013. 146 pp. Reseña de Reguera, Isidoro. La lógica de Egon Schiele. “El País” Babelia 1.127 (29-VI-2013) 8.
Carmona Escalera, Carla. La idea pictórica de Egon Schiele. Un ensayo sobre lógica representacional. Genueve Ediciones. Santander. 2013. 323 pp. Reseña de Reguera, Isidoro. La lógica de Egon Schiele. “El País” Babelia 1.127 (29-VI-2013) 8.
Kallir, Jane. Egon Schiele. Obra completa. Harry N. Abrams. Nueva York. 1990. 687 pp. 3.075 ilus. español.
Whitford, Frank. Egon SchieleThames & Hudson. Londres. 1981. 216 pp.
Wilson, S. Egon Schiele. Phaidon. Oxford. 1980. 80 pp.