Altamira. Blog de Historia del Arte, por Antonio Boix.

Historia del Arte Contemporáneo. España. Arquitectura. Noticias y exposiciones (2011-2012).

2012-02-12T15:20:00.001-08:00

Historia del Arte Contemporáneo. España. Arquitectura. Noticias y exposiciones (2011-2012).

Fuentes.

Bosco, Roberta. Arquitectura de cine para impulsar el Raval barcelonés. “El País” (13-I-2012) 37. La nueva Filmoteca de Cataluña retrasa su apertura debido a unas filtraciones y al pavimentado de la vecina plaza de Salvador Seguí. El edificio, obra de Josep Lluís Mateo, destaca por su funcionalismo de líneas puras y ligeras, con amplios ventanales.

Torrecillas, Toni. ¿Sobrevivirá la arquitectura en España? “El País”, S Moda 17 (15-I-2012) 67-69. El subsector de la Arquitectura parece sobredimensionado en España, con 55.000 arquitectos colegiados y 33.000 estudiantes en 18 Escuelas. La crisis económica ha suspendido o atrasado numerosos proyectos, y obligado a repensar la utilidad y el coste de obras recién finalizadas y de gran calidad, como la Capilla de Villacerón (Ciudad Real) del estudio S-MAO, la Escuela de Artes Escénicas de Tenerife del estudio GPY Arquitectos, el Museo de la Memoria de Andalucía (MMA) en Granada del arquitecto Alberto Campo Baeza, la escuela infantil El Chaparral en Albolote (Granada) del arquitecto Alejandro Muñoz Miranda. Entre las obras suspendidas figuran la sede de Euskotren en Durango de la arquitecta Zaha Hadid y el Espacio Goya de Zaragoza de los arquitectos Herzog & De Meuron.

Zabalbeascoa, Anatxu (texto); Baan, Iwan (fotos). B. Una puerta abierta a la arquitectura del futuro. “El País” Semanal 1.842 (15-I-2012) 54-59. El nuevo Auditorio de Cartagena, El Batel, ‘El B’, de los arquitectos Lucía Cano y José Selgas, un prodigio innovador en la gramática de los volúmenes, materiales y colores.

Rincón, Reyes. Sainete en torno a un rascacielos. “El País” (29-I-2012) 41. El Ayuntamiento de Sevilla quiere parar la torre de César Pelli a petición de un órgano asesor de la UNESCO.

Zabalbeascoa, Anatxu. Hasta que pase la tormenta, es tiempo de reparar. “El País” (29-I-2012) 44. La reforma, frente a la nueva planta, se impone en lo privado y en lo público, como muestran los proyectos de restauración de Bet Capdeferro y Ramon Bosch para una masía en Olot (Girona), y de Julia González y Miguel Bretones para el Teatro

Historia del Arte Contemporáneo. España. Noticias y exposiciones (2011-2012).

2012-02-12T15:17:00.000-08:00

Arte 5. Historia del Arte Contemporáneo. España. Noticias y exposiciones (2011-2012).

Fuentes.

Exposiciones.

<Torres-García en sus encrucijadas>. Barcelona. MNAC (18 mayo-17 septiembre 2011). Comisario: Tomàs Llorens. Reseña de Martí Font, J. M. Torres-García = clasicismo-vanguardia. “El País” (18-V-2011) 39. Vidal Oliveras, Jaume. Torres-García, gabinete inédito. “El Cultural” (10-VI-2011) 30.

<Pablo Palazuelo>. Madrid. Galería Fernández-Braso (hasta 18 febrero 2012). Reseña de Maderuelo, Javier. Ejercicios de serenidad. “El País” Babelia 1.052 (21-I-2012) 19.

<Antonio López>. Madrid. Museo Thyssen-Bornemisza (28 junio-25 septiembre 2011). García, Ángeles. Antonio López / Artista. “El País” (17-VI-2011) 37. Achiaga, Paula. Antonio López. “El Cultural” (24-VI-2011) 24-27. Caballero Bonald, J. M. La realidad exasperada (29).

Artículos.

Vallés, M. Elena. Reseña y entrevista. El ‘retiro’ artístico de Joan Soler. “Diario de Mallorca” (6-II-2012) 32. Joan Soler (Sóller, 1965).

Espinosa, Guillermo (texto); Zamora, Pablo (fotos); Barandica, Inma (estilismo). Arte parece, moda es. “El País”, S Moda 21 (11-II-2012) 42-50. Reportaje sobre moda femenina de artistas, galeristas, comisarias y gestoras culturales como Juana de Aizpuru o Helga de Alvear.

Obituarios.

Martín, Aurelio. Obituario. José María García Moro, escultura en libertad. “El País” (29-I-2012) 46. José María García Moro (Madrid, 1933-Segovia, 2012, escultura).

Historia del Arte Contemporáneo. Mundo. Arquitectura. Niticias y exposiciones (2011-2012).

2012-02-12T15:15:00.000-08:00

Historia del Arte Contemporáneo. Mundo. Arquitectura. Niticias y exposiciones (2011-2012).

Fuentes.

Exposiciones.

*<Museos del siglo XXI: conceptos / proyectos / edificios>. Huesca. CDAN (27 mayo-25 septiembre 2011). 27 proyectos de museos de Jun Aoki, Shigeru Ban, Mario Botta, David Chipperfield, Frank Gehry, Zaha Hadid, Coop Himmelblau, Fumihiko Maki, Jean Nouvel... Reseña de García-Abril, Antón. Contenedores con firma propia. El museo del siglo XXI se debate entre el icono y la esencia. “El Cultural” (13-V-2011) 30-31.

Artículos.

Teruel, Ana. Un velo islámico flota en el Museo del Louvre. “El País” (5-I-2012) 40. El Museo reforma su departamento de arte islámico con un proyecto de los arquitectos Mario Bellini y Ruddy Ricciotti, una enorme cubierta de cristal ondulado.

Zabalbeascoa, Anatxu. El campo reconquista la ciudad. “El País” Babelia 1.052 (21-I-2012) 18. La tendencia a que la ciudad recupere terrenos de cultivo, en el centro y la periferia, en Nueva York, Londres, Madrid…

Zabalbeascoa, Anatxu. Edificios que curan. “El País” Semanal 1.845 (5-II-2012) 18-21. Las mejores obras hospitalarias de los maestros de la arquitectura: Alvar Aalto, Joao Filgueiras Lima ‘Lelé’…

Obituarios.

Adrià, Miquel. Obituario. Ricardo Legorreta, arquitecto contra los tópicos. “El País” (8-I-2012) 38. Ricardo Legorreta (México, 1931-2011).

Historia del Arte Contemporáneo. Mundo. Noticias y exposiciones (2011-2012).

2012-02-12T15:04:00.000-08:00

Historia del Arte Contemporáneo. Mundo. Noticias y exposiciones (2011-2012).

Fuentes.

Exposiciones.

*<Bienal>. Venecia. Giardini y Arsenale (29 agosto-21 noviembre 2011). Obras de 83 artistas. Reseñas de Hontoria, Javier. Pólvora mojada en Venecia. “El Cultural” (10-VI-2011) 29-31. / Rodríguez Marcos, Javier. La cara B de la Bienal de Venecia. “El País” (6-V-2011) 44. La artista española Dora García comenta su obra ‘Lo inadecuado’ en el pabellón español de la Bienal de Venecia.

<Anish Kapoor>. Bilbao. Museo Guggenheim (12 abril-11 septiembre 2011). Ribal, Pilar. Entrevista. Anish Kapoor. ‘Soy un artista abstracto y gracias a la abstracción llego al origen de las cosas’. “El Cultural” (12-III-2011) 24-26. Kapoor prepara su exposición en el Museo Guggenheim de Bilbao. Mora, Miguel. El espacio imposible de Anish Kapoor. “El País” (13-VI-2011) 38.

<Berthe Morisot. La pintora impresionista>. Madrid. Museo Thysen-Bornemisza (15 noviembre 2011-12 febrero 2012). Comisaria: Paloma Alarcó. Reseña de Pozuelo, Abel H. El impresionismo de Berthe Morisot. “El Cultural” (25-XI-2011) 29.

<Pedro Cabrita Reis. Los Rojos>. Madrid. IvoryPress (25 noviembre 2011-21 enero 2012). Reseña/entrevista de Espejo, Bea. Pedro Cabrita Reis. ‘El arte expande la inteligencia’. “El Cultural” (25-XI-2011) 26-29. Pedro Cabrita Reis (Lisboa, 1956, pintura, dibujo, escultura, fotografía).

<Martin Creed: Things>. Madrid. Sala Alcalá31 (14 diciembre 2011-26 febrero 2012). Reseña/entrevista de Espejo, Bea. Martin Creed. ‘Sin presión emocional, ya sea interna o externa, es difícil crear nada’. “El Cultural” (9-XII-2011) 28-30. La mayor muestra individual en España del artista británico Martin Creed (Wakefield, 1968, pintura, escultura, música).

*<Homenaje a Leo Castelli. 9 obras de 9 artistas>. Palma de Mallorca. Fundación Juan March (27 diciembre 2011-4 febrero 2012). Portfolio con nueve grabados de Jasper Johns, Ellsworth Kelly, Joseph Kosuth, Roy Lichtenstein, Bruce Nauman, Robert Rauschenberg, James Rosenquist, Edward Ruscha y Richard Serra. Leo Castelli, nacido Leo Krausz (Trieste, 1907-Nueva York, 1999, de origen judío, galerista), apoyado por su equipo y por su primera y segunda esposas, Ileana Shapira (1914-2007) y, desde 1963, Antoinette Castelli (1929-1987), revolucionó el mercado del arte neoyorquino al promocionar a Dan Flavin, Jasper Johns, Donald Judd, Ellsworth Kelly, Robert Morris, Bruce Nauman, Claes Oldenburg, Robert Rauschenberg, James Rosenquist, Richard Serra, Frank Stella, Cy Twombly, Andy Warhol... Influido por Alfred H. Barr Jr., y el crítico Clement Greenberg, mantuvo siempre un gran rigor teórico: “La figura clave de mi galería es alguien cuya obra no he expuesto jamás. Los pintores que no han sido influidos por él no tienen cabida aquí”. Lectura relacionada: Cohen-Solal, Annie. Leo Castelli y su círculo. Turner. Madrid. 2011. 264 pp. Reseña de Lago, Eduardo. El galerista que inventó Nueva York. “El País” (30-XII-2011) 38.

<David Hockney>. Londres. National Gallery (21 enero-9 abril 2012). 50 paisajes de Yorkshire. Reseña de Oppenheimer, Walter. El iPad pinta en la Royal Academy. “El País” (18-I-2012) 40.

<David Shrigley>. Londres. Hayward Gallery (2012). Se prepara una exposición en la Hayward Gallery de David Shrigley (Macclesfield, 1968, dibujo, fotografía). Noticia de Fernández-Santos, Elsa. Un cazador de garabatos. “El País” (31-XII-2011) 45.

<Menchu Gal. Un espíritu libre>. Valencia. IVAM (9 febrero-20 mayo 2012).

<Damien Hirst>. Londres. Tate Modern (4 abril-9 septiembre 2012). Reseña de Tubella, Patricia. Damien Hirst renace de sus cenizas. “El País” (20-XII-2011) 42.

<Damien Hirst>. Londres, Nueva York y otras sedes de Gagosian Gallery (desde 12 enero 2012). Reseña de Tubella, Patricia. Damien Hirst renace de sus cenizas. “El País” (20-XII-2011) 42.

Artículos.

Celis, Bárbara. Christo acaricia su sueño maldito. “El País” (27-XII-2011) 39. El gobierno estadounidense concede al artista Christo permiso para cubrir 60 kilómetros del río Arkansas con su Land Art intervencionista.

Schultz, Sandra (“Der Spiegel”). Entrevista. Ai Weiwei. ‘Em van empresonar perquè en vaig ficar en política’. “El Temps” 1.436 (20-XII-2011) 36-39.

Jarque, Fietta. Memorias del arte latinoamericano. “El País” (26-I-2012) 40. Nace [icaadocs.mfah.org] el mayor archivo digital de las corrientes del siglo XX en Latinoamérica, con 10.000 documentos, llamado Archivo Digital de Arte Latinoamericano y Latino (de EE UU), publicado en inglés y español por el Museo de Bellas Artes de Houston (MFAH) y el Centro Internacional para las Artes del Continente (ICAA). Los dirige Mari Carmen Rodríguez.

Tubella, Patricia. Lucian Freud, y la carne se hizo pintura. “El País” (9-II-2012) 38.

Obituarios.

De Diego, Estrella. Obituario. Dorothea Tanning, más allá del surrealismo. “El País” (7-II-2012) 44. Fallece la artista y poeta, viuda de Max Ernst, a los 101 años.

Historia del Arte de la Edad Moderna. Noticias y exposiciones (2012).

2012-02-12T15:01:00.000-08:00

Historia del Arte de la Edad Moderna. Noticias y exposiciones (2012).

Fuentes.

Exposiciones.

*<La Orden del Toisón de Oro y sus soberanos>. Madrid. Fundación Carlos de Amberes (1 diciembre 2011-26 febrero 2012). Cat. Textos de Fernando Checa, Joaquín Martínez-Correcher y Víctor Mínguez. Reseña de Azúa, Félix de. Caballería de chispa y pedernal. “El País” (22-XII-2011) 46.

Artículos.

García, Ángeles. Entrevista a Jonathan Brown. ‘Con Velázquez nunca lo has descubierto todo’. “El País” (9-I-2012) 34.

Historia del Arte Medieval. Noticias y exposiciones (2012).

2012-02-12T15:00:00.000-08:00

Historia del Arte Medieval. Noticias y exposiciones (2012).

Fuentes.

Exposiciones.

*<Catalunya 1400>. Barcelona. MNAC (30 marzo-15 julio 2012). Obras de pintura, escultura, orfebrería y bordado del Gótico Internacional catalán de Lluís Borrassà, Jaume Ferrer, Bernat Martorell (Retaule de Sant Jordi, col. Louvre), Joan Mates (Retaule de Sant Miquel)... Esta futura exposición de arte gótico catalán será una de las estrellas culturales de 2012 en Barcelona.

Artículos.

Cortés, Valme. El agua vuelve a sonar en el Patio de los Leones de la Alhambra. “El País” (15-I-2012) 40. Se inaugura la restauración de la famosa fuente, cuyos 12 leones sustentan la gran pila de forma dodecagonal en cuyo borde el poeta Ibn Zamrak esculpió un poema. Se ha usado piedra de Macael (Almería), la misma que se usó en el siglo XIV cuando se esculpió la obra por mandato del sultán Muhammad V.

Constenla, Tereixa. El románico ya tiene ‘biblia’ virtual. “El País” (18-I-2012) 37. Arranca el mayor portal en la web sobre el arte románico, una base de datos de la Fundación Santa María de la Real, presidida por Peridis, que reunirá hasta 330.000 fotos de 9.000 monumentos de España y Portugal.

Historia del Arte Antiguo. Noticias (2012).

2012-02-12T14:50:00.000-08:00

Historia del Arte Antiguo. Noticias (2012).

Fuentes.

Libros.

Hawass, Zahi; Ferrero, Giorgio; Luca, Araldo de. El arte de los faraones. Blume. Barcelona. 2011. 176 pp. Los retratos y monumentos de los faraones del Egipto Antiguo.

Historia del Arte de la Prehistoria. Noticias (2012).

2012-02-12T14:37:00.000-08:00

Historia del Arte de la Prehistoria. Noticias (2012).

Se difunde en febrero la noticia de que seis pinturas rupestres de la Cueva de Nerja, que representan a varias focas, pueden tener al menos 42.000 años, y en tal caso podrían ser obra de los neandertales.

Fuentes.

Redacción. Descubierta en Málaga la que podría ser la primera obra de arte de la humanidad. “La Vanguardia” (7-II-2012).

Pérez, F. J. Conjetura sin fin en torno a las pinturas de Nerja. “El País” (10-II-2012) 38.

Selección de filmes. ‘Los intocables de Eliot Ness’ (1987), de Brian de Palma.

2012-02-11T15:03:00.000-08:00

Selección de filmes. ‘Los intocables de Eliot Ness’ (1987), de Brian de Palma.

‘Los intocables de Eliot Ness’ (1987). The Untouchables. EE UU. Género: drama policíaco. Duración: 119 minutos. Dirección: Brian de Palma. Intérpretes: Kevin Costner, Sean Connery, Andy García, Robert de Niro, Charles Martin Smith. Guión: David Mamet. Música: Ennio Morricone. Fotografía: Stephen H. Burum. Montaje: Brian de Palma.

Trama.

Un grupo de agentes persiguen a Al Capone en el violento Chicago de los años 30. Pagarán un alto precio por mantener su dignidad.

Opinión.

Fernández Santos (1934-2004) era famoso como crítico duro y exigente, pero vio en este filme tal vez lo mejor de Brian de Palma después de su extraordinaria Fascinación. Contaba que Connery nunca estuvo mejor que en este filme (apreciación discutible porque desmerece otros filmes de este inmenso actor como por ejemplo El hombre que pudo reinar de Huston) y rindió merecida reverencia a la excelsa versión, situada en la estación del tren de Chicago, en la que se respetan los encuadres e incluso los segundos de duración de la famosa escena de la escalera de Acorazado Potemkin de Eisenstein:
‹‹en Los intocables no hay indicios de mediocridad y menos aún de falta de gracia. El filme trepida de principio a fin sobre un desbordante sentido del ritmo y, cuando llega el momento del gran plagio, su autor hace un juego de prestidigitación tenso e inesperado, pues en la secuencia de la estación calca casi plano a plano la legendaria secuencia de las escalinatas de Odessa en El acorazado Potemkin de Eisenstein y saca de ella, con todos los trucos habidos y por haber, un delirante buen partido.

¿Circo o cine? También una mezcla. Pero en cualquier caso una mezcla divertida, como lo es todo en esta falsaria película, en la que no hay nada creíble y, no obstante, entra por los ojos sin fatigarlos y dejándoles -como ocurre con el personaje Malone, la mejor creación de Sean Connery en su larga carrera- ese sabor a poco que es seguro indicio de que la pantalla funciona.››

Fuentes.

[www.filmaffinity.com/es/film520318.html]

AA.VV. Wikipedia.

Fernández Santos, Ángel. El plagio como originalidad. “El País” (4-X-1987). Reprod. con el título A la caza de Al Capone, el gánster más peligroso. “El País” (11-II-2012) 39.

'Tan fuerte, tan cerca' (2012), de Stephen Daldry.

2012-02-11T14:47:00.000-08:00

'Tan fuerte, tan cerca' (2012), de Stephen Daldry.

Tan fuerte, tan cerca (2012). Extremely loud and incredibly close. EE UU. Género: drama. Dirección: Stephen Daldry. Intérpretes: Thomas Horn, Sandra Bullock, Tom Hanks, James Gandolfini, John Goodman, Viola Davis, Max von Sydow. Guión: Eric Roth, basado en la novela de Jonathan Safran Foer. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Crhis Menges. Montaje: Claire Simpson.

Trama.

Un niño se queda huérfano en los atentados del 11-S.

Opinión.

La crítica se ha dividido sobre este filme, en EE UU hay quienes le consideran una excelente película sobre el tema de la infancia y su desamparo ante el horror de la muerte, y, en cambio, sin llegar a denigrarlo, otros lo consideran un filme fallido. Se estrena el 17 de febrero en España.

Fuentes.

[peliculas.labutaca.net/extremely-loud-and-incredibly-close] Incluye tráiler.

Boyero, Carlos. La alucinada orfandad de un niño en el 11-S. “El País” (11-II-2012) 38. Crítica del filme en la 62ª Berlinale, con un balance sólo regular.

Selección de filmes. ‘Señales’ (2002), de M. Night Shyamalan.

2012-02-10T15:56:00.000-08:00

Selección de filmes. ‘Señales’ (2002), de M. Night Shyamalan.

Señales (2002). Signs. Género: ciencia-ficción. Duración: 108 minutos. Dirección: M. Night Shyamalan. Intérpretes: Mel Gibson, Joaquin Phoenix, Rory Culkin, Abigail Breslin. Guión: M. Night Shyamalan. Música: James Newton Howard. Fotografía: Tak Fujimoto. Montaje: Barbara Tulliver.

Trama.

Una familia del Medio Oeste norteamericano descubre unas gigantescas marcas concéntricas en sus campos y comienza a sospechar la presencia de unos seres enigmáticos… y tal vez peligrosos.

Opinión.

La tercera película de Shyamalan defraudó un tanto las grandes expectativas comerciales, pero es una obra notable, aunque a ratos pierda credibilidad por la forzada y un tanto impostada aparición de los extraterrestres. Como a menudo se ha dicho, en el cine da más miedo lo oculto, y en los tres primeros cuartos del filme el director es fiel a esta máxima que todos debieran respetar, y nos presenta la gradual inmersión en el miedo de esta familia normal, que asiste atónita a la destrucción de sus seguridades.

Fuentes.

AA.VV. Wikipedia.

Redacción. ‘Las películas’. “El País” (9-II-2012) 54.

'Silencio en la nieve' (2011), de Gerardo Herrero.

2012-02-10T15:48:00.001-08:00

'Silencio en la nieve' (2011), de Gerardo Herrero.

Silencio en la nieve (2011). España. Género: thriller. Duración: 114 minutos. Dirección: Gerardo Herrero. Intérpretes: Juan Diego Botto, Carmelo Gómez, Andrés Gertrúdix, Víctor Clavijo, Jorge de Juan, Francesc Orellá. Guión: Nicolás Saad, basada en la novela El tiempo de los emperadores, de Ignacio del Valle. Música: Lucio Godoy. Fotografía: Alfredo Mayo. Dirección artística: Eduardo Hidalgo. Montaje: Cristina Pastor.

Trama.

Frente de Rusia, invierno de 1943. Un batallón de la División Azul se topa con una serie de cabezas de caballos esparcidas sobre la superficie congelada de un lago. Los cuerpos están sumergidos bajo el hielo. Junto a uno de los caballos, el cadáver de un soldado español. Un tajo le atraviesa el cuello de lado a lado, y en el pecho tiene una inscripción grabada a cuchillo: “Mira que te mira Dios”. Los mandos encargan la investigación al soldado Arturo Andrade (Juan Diego Botto), exinspector de la policía, que asume la tarea con rigor y profesionalidad, ayudado por el sargento Espinosa (Carmelo Gómez).

Ambos pronto descubren que detrás de este asesinato se oculta una perversa venganza, que se remonta a agravios acontecidos en el pasado, y que no parece que se vaya a detener en un único cadáver. Nadie está libre de sospecha ni nadie puede sentirse seguro. Y así, en medio de la cruel contienda, se inicia la caza del asesino, una búsqueda donde hasta el final no descubriremos quién es el cazador y quién el cazado.

Opinión.

Jordi Costa, en Misterio en la División Azul, “El País” (20-I-2012), emite una crítica cargada de matices ‹‹Un lago helado del que emergen los cuerpos de un grupo de caballos cuyo movimiento se ha suspendido en el tiempo proporciona la poderosa imagen de partida a Silencio en la nieve, adaptación cinematográfica de la novela El tiempo de los emperadores extraños, de Ignacio del Valle, obra que ya se levantaba sobre una premisa excéntrica, llamativa e inusual: la investigación de unos asesinatos en serie en el seno de la División Azul. Hacía mucho tiempo que Gerardo Herrero no afrontaba un proyecto tan aparatoso, pero el resultado -discutible e imperfecto- es lo más estimulante que ha dado su carrera en muchos años: la película no se mantiene a la altura de la fuerza onírica y enigmática de esa imagen de apertura, pero supone una encomiable aproximación a un territorio inédito en el imaginario del pasado histórico, con el firme propósito de poner en cuarentena inercias de representación y arquetipos gastados por el uso. (…) En otras secuencias de Silencio en la nieve, en las que se habla de la fotografía en relación con cierta conciencia de la posteridad, apunta otra de esas películas posibles que Herrero parece tantear para desestimar al instante. Es una lástima, porque lo mejor de Silencio en la nieve acaba estando en sus márgenes, y sus apuestas por la convencionalidad -la trama romántica, la identificación del verdadero villano- acaban asumiendo la función de disonancias en un proyecto que -ahí está el plano final de Juan Diego Botto para demostrarlo- delata su autoconciencia de poder haber sido más de lo que es.››

Fuentes.

[www.altafilms.com/site/sinopsis/silencio_en_la_nieve]

Costa, Jordi. Misterio en la División Azul. “El País” (20-I-2012) 46.

Estrada, Javier. Entrevista. Gerardo Herrero. ‘El mundo es un lugar para trabajar y encontrar historias que rodar’. “El Mundo” La Luna de Metrópoli nº 403 (20-I-2012) 3.

‘Los descendientes’ (2011), de Alexander Payne.

2012-02-10T15:32:00.000-08:00

‘Los descendientes’ (2011), de Alexander Payne.

‘Los descendientes’ (2011). The Descendants. EE UU. Género: drama. Duración: 115 minutos. Dirección: Alexander Payne. Intérpretes: George Clooney, Shailene Woodley, Amara Miller, Nick Krause, Beau Bridges, Robert Forster. Guión: Alexander Payne, Jim Rash y Nat Faxon, basado en la novela homónima de Kaui Hart Hemming. Música: Dondi Bastone. Música: Dondi Bastone. Fotografía: Pheson Papamichael. Montaje: Kevin Tent.

Trama.

Un hombre maduro, casado y con dos hijas insoportables a las que apenas dedica tiempo, deberá replantearse el sentido de su vida cuando su esposa sufra una grave accidente.

Opinión.

Javier Ocaña, en Las eternas contradicciones de familia, “El País” (20-I-2012), comenta con fina ironía y respeto a una película notable:

‹‹Los vínculos de afinidad y consanguinidad definen a la familia, pero hay ocasiones en las que, a fuerza de estiramientos, los lazos que la unen son tan ligeros que lo natural se vuelve artificial. Y sin embargo, aun en esos momentos, nos aferramos a la estirpe. ¿Por necesidad, por educación, por religión, o simplemente porque hay algo interior, que lo demanda? Los descendientes, nuevo trabajo del siempre interesante Alexander Payne, autor de Election, A propósito de Schmidt y Entre copas, se arma a partir de una de esas tesituras que obligan al protagonista y, por ende, también al espectador, a un conflicto moral, uno de esos cúmulos de circunstancias que hubiesen hecho las delicias del Kieslowski del Decálogo. En apenas unos días un hombre se ve sepultado por una doble losa: su mujer entra en coma tras un accidente y se entera de que esta le estaba siendo infiel. ¿Y ahora qué? (…)

Payne opta, además de por el conflicto moral, por una valiente doble vía: primero, hurgar en los orígenes de la institución familiar casi como algo atávico; y segundo, otorgarle un tono de comedia, entre lo negro y lo dramático, que encienda el interés de las situaciones no solo por el dolor intrínseco sino también por el componente ridículo extrínseco que contienen, lo que convierte a la película en algo tan fresco como trascendente. (…) su escritura siempre es afilada, tanto por su humor como por su amor.

Los personajes se hacen venerables más por sus defectos que por sus virtudes, quizá porque sus deficiencias son también las nuestras. Lejos del maniqueísmo de buenos y malos, es la imperfección de todos y cada una de las criaturas de la película la que hace de ellas seres humanos. Y, al igual que en la iraní Nader y Simin, una separación, lo mejor de Los descendientes es que todos encuentran sus razones. Aunque sea para cagarla.››

Fuentes.

[www.cineyteatro.es/portal/detalle.asp?id=8557&bus=LOS%20DESCENDIENTES%20(2011)]

AA.VV. Wikipedia.

Cuenca, José Ignacio. Entrevista. “El Mundo” La Luna de Metrópoli nº 403 (20-I-2012) 2.

Ocaña, Javier. Las eternas contradicciones de familia. “El País” (20-I-2012) 44.

Fernández-Santos, Elsa. Entrevista. Alexander Payne / Director. ‘Las estrellas no me interesan, pero George Clooney es diferente’. “El País” (20-I-2012) 44.

'J. Hoover' (2011), de Clint Eastwood.

2012-02-10T15:17:00.001-08:00

'J. Hoover' (2011), de Clint Eastwood.

J. Hoover (2011). EE UU. Género: drama. Duración: 137 minutos. Dirección: Clint Eastwood. Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Armie Hammer, Naomi Watts, Judi Dench, Geoff Pierson. Guión: Dustin Lance Black. Música: Clint Eastwood. Fotografía: Tom Stern. Montaje: Joel Cox, Gary Roach.

Trama.

Hoover fue el primer y más longevo director del FBI y aquí se muestra una selección de momentos de su vida, entreverando los grandes momentos históricos con su relaciones personales.

Opinión.

Javier Ocaña, en Cuestión de maquillaje, “El País” (27-I-2012), comenta muy equilibradamente los puntos fuertes y débiles del filme:

‹‹Leonardo DiCaprio, Armie Hammer y Naomi Watts interpretan tres personajes que en unas secuencias son veinteañeros y en otras ancianos, así que al grano: en películas como J. Edgar, que abarca cincuenta años de vida, una decisión inicial esencial es si se opta por el maquillaje o por la duplicidad interpretativa. Qué es más grande: ¿el poder de la narrativa o el de la cosmética? ¿Importa más la credibilidad física o la intensidad emocional? Triple respuesta: depende del tiempo que tengan que estar en pantalla, de lo buenos que sean los actores y el maquillaje, y de la historia que se esté contando. Así, estas transformaciones suelen funcionar cuando se trata de apenas una secuencia, normalmente un epílogo. No es el caso: el metraje donde son viejos rondará el tercio. Además, la interpretación debe ir más allá del tono de voz; debe incluir un estado corporal, incluso un tipo de mirada. DiCaprio y Watts lo resuelven con talento, pero cada aparición del Hammer viejo enciende las alarmas: por la calidad del maquillaje y por su actuación. En cuanto al tipo de historia, los momentos de ancianidad no son baladíes, estamos ante una gran historia de amor homosexual; reprimida, pero historia de amor. Y ahí el cambio de intérpretes hubiese encendido la emoción.

Por lo demás, J. Edgar, excelente en casi todo, es puro Clint Eastwood. Ahí están la luz tenue y sus matices pictóricos, su cadencia, delicadeza y el apasionante retrato de un hombre contradictorio. (…)››

Fuentes.

AA.VV. Wikipedia.

Ayuso, Rocío. Entrevista. Leonardo DiCaprio / Actor. ‘La manera de Hoover de sentirse querido era el abuso de poder’. “El País” (27-I-2012) 40.

Ocaña, Javier. Cuestión de maquillaje. “El País” (27-I-2012) 40.

'El invitado' (2011), de Daniel Espinosa.

2012-02-10T15:02:00.000-08:00

'El invitado' (2011), de Daniel Espinosa.

El invitado (2011). Safe House. EE UU. Género: thriller de espionaje. Duración: 115 minutos. Dirección: Daniel Espinosa. Intérpretes: Denzel Washington, Ryan Reynolds, Vera Farmiga, Brendan Gleeson, Sam Shepard, Ruben Blades, Robert Patrick,Tim McGraw, Joel Kinnaman, Liam Cunningham. Guión: David Guggenheim. Música: RaminDjawadi. Fotografía: Oliver Wood. Montaje: Richard Pearson.

Trama.

Tobin Frost, un antiguo agente de la CIA, hoy agente libre, ve peligrar su vida en medio de una operación de alto riesgo y pide asilo en la embajada de Estados Unidos en Ciudad del Cabo, en Sudáfrica. Será trasladado para su interrogatorio a un lugar aparentemente seguro, a cargo de un novato, el agente Matt Weston. Pero el refugio es asaltado, y Weston ha de huir con el prisionero mientras espera que sus superiores le ayuden a salvar sus vidas...

Opinión.

Javier Ocaña, en El poder de la información, “El País” (10-II-2012) califica al filme como interesante, pero no exento de fallos:

‹‹(…) Denzel Washington, que ejerce de productor y protagonista, enorme en carisma, recursos y capacidad para la pausa o el despliegue gestual, según las necesidades de la secuencia, Espinosa ha compuesto otro thriller global, esta vez cambiando las mafias por el espionaje, en el que la historia viene a poner al día la máxima de otro habitante de la cartelera cinematográfica, J. Edgar Hoover, exdirector del FBI: “La información es poder”. Estamos ante el chantaje y sus consecuencias en la era de Wikileaks.

El invitado es una película inequívocamente contemporánea. Aparente, pero, en el fondo, más superficial de lo que debiera. Así, aunque el viejo macguffin del microchip parece seguir vigente tropecientos años después de su invención narrativa, lo que más inquieta del relato es el retrato de los llamados “cuidadores profesionales”, espías al servicio de sus países, en estado prácticamente latente durante meses o años, y habitantes de pisos francos en las principales ciudades del mundo, adonde se lleva a ciertos detenidos, de forma ilegal, para sonsacar información privilegiada previa tortura. Puro siglo XXI.

Rodada con brío y elegancia, con una hermosa fotografía de textura con grano y colores muy saturados, El invitado se queda, sin embargo, a medio camino entre el puro entretenimiento y la denuncia política (una persecución y/o pelea de menos, y una conversación trascendente de más, hubiesen venido genial), lo que puede llevar a que no encuentre con facilidad a un público concreto. (…)››
Mi impresión es mucho más positiva. Para empezar, la reacción del público de la sala que me rodeaba fue muy transparente: la gente estaba atónita. A mi lado incluso lloraban de emoción a cada rato e incluso en algún momento gritaban ¡Sálvalo, no le dejes!, señales de una empatía con los personajes que han logrado pocas películas en los últimos tiempos.
El filme va creciendo con un ritmo implacable de las imágenes y el estupor por unas interpretaciones de rango superior, de un actor en un momento genial de su carrera, el excelso Wenzel Washington, y un Ryan Reynolds que mejora a cada filme, y que se quedan con todo el peso de la función.
Anida en este guión una crítica feroz a la razón de Estado que consume y aplasta a los individuos. Nos desgrana la miseria de los servicios secretos, el malestar existencial de sus servidores, la putrefacción de sus cloacas. Todo se nos muestra sin piedad, y nos sentimos involucrados con estos seres conscientes de que sólo les espera un destino trágico, aunque el director se apiade al final, demasiado abierto, tal vez preparando una segunda entrega. Y es que la película bebe con toda evidencia de la saga Bourne, que Espinosa ha estudiado, digerido y reintrepretado al modo en que Brian de Palma absorbía los filmes de Hitchcock. En resumen, El invitado es un filme trepidante y emotivo, lleno de sentido crítico, muy cuidado formalmente. Una obra mayor de su género.

Fuentes.

[www.decine21.com/Peliculas/El-invitado-22445]

AA.VV. Wikipedia.

Belinchón, Gregorio. El día en que Denzel Washington dijo ‘no’ a Davidi Fincher en ‘Seven’. “El País” (1-II-2012) 38.

Belinchón, Gregorio. Un sueco en la corte de Hollywood. “El País” (1-II-2012) 38. La aventura norteamericana del director sueco Daniel Espinosa (Santiago de Chile, 1977).

Ocaña, Javier. El poder de la información. “El País” (10-II-2012) 44.

‘Caballo de batalla’ (War Horse) (2011), de Steven Spielberg.

2012-02-10T14:45:00.001-08:00

‘Caballo de batalla’ (War Horse) (2011), de Steven Spielberg.

‘Caballo de batalla’ (2011). War Horse. EE UU. Género: drama bélico. Duración: 146 minutos. Dirección: Steven Spielberg. Intérpretes: Jeremy Irvine, Peter Mullan, Emily Watson, David Thewlis, Benedict Cumberbatch, Niels Arestrup, Toby Kebbell, Tom Hiddleston. Guión: Lee Hall y Richard Curtis. Música: John Williams. Fotografía: Janusz Kaminski. Montaje: Michael Kahn.

Trama.

Las aventuras de un caballo reclutado para servir en la I Guerra Mundial y de quienes le rodean.

Opinión.

Jordi Costa, en Trotar en tiempos de guerra, “El País” (10-II-2012), hace una sólida alabanza ‘fordiana’ de esta obra:

‹‹(…) Adaptación de la novela juvenil de Michael Morpurgo que Nick Stafford convirtió en celebrado montaje escénico en el National Theatre de Londres, War horse es una historia de solidaridades (no solo humanas) sobre el telón de fondo del horror —encarnado en la Primera Guerra Mundial—, que convierte al caballo del título en el nexo de unión entre una serie de personajes que, por lo general, darán lo mejor de sí mismos en el peor de los momentos posibles. Es un material delicado —propenso a un exceso sentimental que Spielberg no evita—, pero que acaba cristalizando en una película extraordinaria, sobrecargada de fuerza y energía, donde el cineasta revela pleno dominio de su elocuencia expresiva.

War horse puntúa su recorrido con contundentes hallazgos formales: las aspas del molino sincronizadas con una ética de la mirada, la elegante elipsis que marca la desaparición de un importante personaje durante una carga de caballería o la trayectoria de ese obús que une, entre trincheras, a las dos figuras principales del drama son solo algunos vistosos ejemplos de esa tensión formal que el cineasta coloca, en todo momento, al servicio del relato.

El genio de Spielberg es exhibicionista, pirotécnico y expansivo: está hecho de otra madera que el genio sutil, orgánico y natural que parecía exhalar John Ford sin aparente esfuerzo, pero es genio al fin y al cabo. En War horse la búsqueda de la excelencia está marcada por una intensidad agotadora, pero también hay lugar para momentos tan frágiles como el que ilustra un silencioso diálogo entre caballos en la encrucijada de su supervivencia.››

Fuentes.

[peliculas.labutaca.net/war-horse]

AA.VV. Wikipedia.

Ruiz Mantilla, Jesús. Entrevista. Spielberg cabalga la I Guerra. “El País” Semanal 1.841 (8-I-2012) 40-47.

Costa, Jordi. Trotar en tiempos de guerra. “El País” (10-II-2012) 42.

'Moneyball: rompiendo las reglas' (2011), de Benneth Miller.

2012-02-10T14:30:00.001-08:00

'Moneyball: rompiendo las reglas' (2011), de Benneth Miller.

'Moneyball: rompiendo las reglas' (2011). Moneyball. EE UU. Género: drama deportivo. Duración: 133 minutos. Dirección: Benneth Miller. Intérpretes: Brad Pitt, Jonah Hill, Philip Seymour Hoffman, Robin Wright, Chris Pratt. Guión: Steven Zaillian y Aaron Sorkin. Música: Michael Danna. Fotografía: Wally Pfister. Montaje: Christopher Tellefsen.

Trama.

Basada en hechos reales: Billy Beane, un exjugador de béisbol metido a entrenador, cambia los modos usuales de selección de jugadores para el equipo de Oakland, y comienza una senda de éxito al tiempo que madurará como persona.

Opinión.

Javier Ocaña, en El ala Oeste del deporte, “El País” (3-II-2012), la comenta muy favorablemente: ‹‹¿Una película sobre deporte? No solo eso: una película sobre los pioneros, sobre los que más sangran porque son los primeros que se dan contra el muro; sobre el modo de experimentar el aliento del triunfo y del fracaso; sobre la constancia, la nobleza y la profesionalidad; sobre la vida, porque todo es extrapolable a ella. Una obra extraordinaria que sin ser solo una película deportiva es una de las mejores películas sobre deporte de la historia. Y, atención, sin secuencias de partidos; apenas uno, y entrecortado.

Quizá todo tenga una explicación. Dos nombres: Steven Zaillian y Aaron Sorkin, reputadísimos guionistas. El primero creó en 1993 otra de las grandes películas de deporte (pero no solo de deporte): En busca de Bobby Fischer. El segundo, que comenzó su carrera en televisión con una serie sobre periodismo deportivo, Sports night, es el hombre de las historias de equipo, de los valores conjuntos, del esfuerzo, de la brillantez, de la gloria, de la tumba; ¿qué son, si no, El ala Oeste de la Casa Blanca, Studio 60 y La red social?

Ambos, con la excelente complicidad formal de Benneth Miller, han creado un libreto para Moneyball que trasciende el deporte. Donde una reunión de trabajo puede ser una clase de economía para la crisis; donde una compra-venta de jugadores por teléfono, más emocionante que la Bolsa; donde detalles, casi beckettianos, como ese protagonista que vive para los partidos pero luego no los ve, se dan la mano con enseñanzas de gran psicología: “No podemos fichar a ese, tiene una novia fea”; “¿Y eso qué tiene que ver?”; “Eso revela inseguridad”.››

Fuentes.

[www.cinemanet.info/2012/02/moneyball-rompiendo-las-reglas/]

AA.VV. Wikipedia.

Ocaña, Javier. El ala Oeste del deporte. “El País” (3-II-2012) 38.

Selección de filmes. “El Sur” (1983), de Víctor Erice.

2012-02-10T14:29:00.000-08:00

Selección de filmes. “El Sur” (1983), de Víctor Erice.

El Sur (1983). España. Género: drama. Duración: 90 minutos. Dirección: Vícor Erice. Intérpretes: Omero Antonutti, Lola Cardona, Rafaela Aparicio, Icíar Bollaín. Guión: Víctor Erice (basado en un relato de Adelaida García Morales). Música: Granados, Ravel y Schubert. Fotografía: José Luis Alcaine. Montaje: Pablo G. del Amo. Producción: Elías Querejeta.

Trama.

En el otoño de 1957, en una casa del norte de España, llamada La Gaviota, transcurre la vida aparentemente feliz de una niña, Estrella, y de sus padres, Agustín y Julia. Pero él esconde un secreto y la niña va intuyendo que es otra mujer.

Opinión.

Después de filmar la excelente El espíritu de la colmena Erice estuvo 10 años sin estrenar nuevamente, y entonces alumbró un filme aun superior a aquél en libertad y radicalidad, con imágenes que son “simulacros de vida tan emotivos como estremecedores”. Esta obra restó formalmente inacabada porque no se pudo continuar con la parte final del guión, pero ciertamente la película no se resiente sino que permanece incólume como una obra maestra, sostenida por el vigor narrativo del director con sus virtuosos movimientos de cámara, la enjundia del argumento y de su adaptación con cuidadosas y acertadas elipsis, y la calidad del reparto que encaja como un milagro en sus papeles.

Fuentes.

AA.VV. Wikipedia.

Díaz, José Felipe. [www.unmundodecine.com/2009/01/el-sur-victor-erice-1983.html]

Redacción. ‘Las películas’. El Sur. “El País” (7-II-2012) 54.

'Declaración de guerra' (2011), de Valérie Donzelli.

2012-02-10T14:05:00.000-08:00

'Declaración de guerra' (2011), de Valérie Donzelli.

Declaración de guerra (2011). La guerre est declarée. Francia. Género: drama. Duración: 100 minutos. Dirección: Valérie Donzelli. Intérpretes: Valérie Donzelli, Jérémie Elkaïm, Brigitte Sy, Michèle Moretti, Elina Löwensohn, Philippe Laudenbach, Bastien Bouillon, Béatrice de Staël, Anne Le Ny, Frédéric Pierrot. Guión: Jérémie Elkaïm, Valérie Donzelli. Música: Pascal Mayer (selección de Vivaldi, electrónica...). Fotografía: Sébastien Buchmann. Montaje: Pauline Gaillard.

Trama.

Una joven pareja se enfrenta a la grave enfermedad de su hijo, un tumor cerebral, con esperanza y dolor, voluntad de lucha y miedo.

Opinión.

El crítico Carlos Loureda la alaba sobremanera en "Fotogramas":

‹‹Hace falta mucho valor para realizar este film y, más talento e inspiración todavía, para obtener una obra tan bien acabada, sin tropezar en el melodrama fácil, extremo o sus infinitos derivados. La película que abría la Semana de la Crítica de Cannes 2011 contiene varios de los elementos que más rápidamente hacen huir al más aguerrido de los espectadores. Film con niño, mal asunto como bien dijo Hitchcock, y por si fuera poco, enfermo de un tumor cerebral, supongo que a estas alturas la mitad de los lectores deciden no seguir leyendo.

Pues bien, este film es uno de los últimos trabajos que más energía positiva, sonrisas, e incluso risas nada contenidas, y el subidón de optimismo más elevado que me ha provocado el cine en mucho tiempo. (…) la directora ha creado una bomba de relojería perfectamente montada.

Un ritmo incesante, un distanciamiento necesario, unos personajes de una fuerza extraordinaria, decorados y personajes reales como el hospital o varios miembros del personal sanitario, y la utilización de una cámara de fotos ligera que rueda en HD (excepto los últimos planos a cámara lenta del final en 35 mm) aportan una frescura inhabitual para un tema tan grave.››

Javier Ocaña, en Una tortura maravillosa, “El País” (10-II-2012), se maravilla y opina de esta película que fue una revelación en el Festival de Cannes:

‹‹Las palabras tumor cerebral y bebé nunca deberían ir unidas en una misma frase. Y, sin embargo, a veces ocurre. En la vida. En el cine. En el cine que es vida. Declaración de guerra, al mismo tiempo insólita, portentosa, compleja, vivaz, dolorosa, refrescante y terrible película de Válerie Donzelli y Jérémie Elkaïm, pareja (¿o ex pareja?) en la vida real, más que una bocanada de aire fresco, es una tormenta de amor y dolor por la vida. Ella firma como directora y coguionista, además de protagonista femenina, él, como coguionista y actor; ambos han conseguido triunfar con una de las apuestas más arriesgadas del cine reciente. Y, además, con estilo.

Declaración de guerra, de corte autobiográfico, es, como su título indica, una película bélica donde el escenario no es sino la existencia. La de una joven pareja que no está preparada para la batalla (¿alguien lo está?) de enfrentarse al cáncer de su hijo. Durante semanas, meses, años. Minuciosa física y mentalmente en la descripción del dolor de padres e hijo, en las conversaciones con los médicos, en las esperas en los hospitales, en el desgarro de la soledad, en la congoja de lo que aún queda por venir, en las dudas sobre la conveniencia de unas u otras acciones, la película no ahorra nada, es la destrucción. Pero, cuidado, también hablamos de una oda a la vida, de una luminosa apuesta por la fuerza de la naturaleza que a veces es el ser humano. Donzelli lo consigue a través de constantes juegos de sonido e imagen, algún homenaje a la Nouvelle Vague (la carrerilla de Jules y Jim, siempre en la memoria), una banda sonora de impacto donde igual cabe la música barroca que la electrónica, y siempre en contraste con la secuencia, enfrentando los tonos en lugar de subrayarlos. Junto a todo ello, un doble narrador omnisciente, algo poco habitual en el cine contemporáneo, que otorga cierta distancia al relato. Aunque lo que quizá pueda concentrar mejor la magia de esta obra de arte es la magia del montaje; la demostración de que un único plano, inserto en una secuencia de horror, puede desbaratar al espectador y conducirlo hacia el camino de la esperanza.

Donzelli, además, tiene la fuerza moral para no contaminar al espectador con el trago que pudiera suponer crear tensión con la curación (o no) del bebé: desde el principio de la película se sabe gran parte del desenlace. Una historia que levanta ampollas, que acongoja y, perdón, ante la que no se puede apartar la vista, repleta de lágrimas. Es una tortura. Es una maravilla. Dos palabras que tampoco salen normalmente en una misma frase. Y, sin embargo, a veces ocurre: Declaración de guerra.››

Fuentes.

[www.filmaffinity.com/es/film112903.html]

AA.VV. Wikipedia.

Loureda, Carlos. [cine-invisible.blogs.fotogramas.es/2011/09/07/declaracion-guerra-la-guerre-est-declaree-francia-2011/]

Ocaña, Javier. Una tortura maravillosa. “El País” (10-II-2012) 42.

El arquitecto Luis Fernández-Galiano, nuevo académico de Bellas Artes.

2012-02-10T12:32:00.000-08:00

El arquitecto Luis Fernández-Galiano, nuevo académico de Bellas Artes.

El pensador, arquitecto y urbanista Luis Fernández-Galiano Ruiz ha ingresado el 22 de enero de 2012 en la Academia de Bellas Artes.

He seguido con atención desde hace muchos años la extensa producción teórica de Fernández-Galiano, muy bien reproducida en muchos lugares por lo que aquí destaco sólo tres artículos que me impresionaron por la extraordinaria concisión y claridad al iluminar sus temas, de un modo que me entusiasmó hasta el punto de querer produndizar más, lo que tal vez es el máximo logro de un crítico auténtico: Terragni en punto de fuga. “El País”, Babelia 647 (17-IV-2004) 20. Sobre el gran arquitecto italiano. Construcciones de película. “El País”, Babelia 778 (27-X-2006) 21. Sobre unos documentales de arquitectura acerca de Frank Gehry y Norman Foster. El tigre celta. “El País”, Babelia 791 (20-I-2007) 20. Sore la nueva arquitectura en Eire.

Fuentes.

Verdú, Vicente. Hacer menos pero mejor. “El País” (9-II-2012) 29. Repasa la trayectoria intelectual de Fernández-Galiano.

Selección de filmes. 'Mayor Dundee' (1964), de Sam Peckinpah.

2012-02-10T11:38:00.000-08:00

Selección de filmes. 'Mayor Dundee' (1964), de Sam Peckinpah.

Mayor Dundee (1964). Major Dundee. EE UU. Género: Western. Duración: 124 minutos. Dirección: Sam Peckinpah. Intérpretes: Charlton Heston, Richard Harris, Jim Hutton, James Coburn, Warren Oates, Ben Johnson, Slim Pickens, Michael Anderson Jr., Mario Adorf, Brock Peters, Senta Berger. Guión: Harry Julian Fink, Oscar Saul, Sam Peckinpah. Música: Daniele Amfitheatrof. Fotografía: Sam Leavitt. Montaje: de los estudios Columbia, sin el director. Producción: Jerry Bressler.

Trama.

Durante la Guerra Civil americana (1861-1865), el mayor Amos Dundee es el jefe de una prisión militar federal, el Fuerte Benlin, en Nuevo México, y sufre un nuevo ataque de la banda de Sierra Charriba, un apache rebelde que se lleva como rehenes a tres niños a su refugio en México. Pero esta vez el mayor Dundee (Charlton Heston), desobedeciendo las órdenes de sus superiores, recluta delincuentes, negros y prisioneros confederados para incluirlos en un destacamento con la misión de perseguir a los indios y rescatar a los niños; pero en México se interponen en su camino no solo los indios sino también las tropas francesas que ocupan el país...

Opinión.

Pronto la película nos deja claros que la caza de Charriba es en realidad un cruel viaje al fondo de las almas de estos hombres destrozados por un destino fatal. Los productores lo vieron de inmediato y la tercera película del gran maestro Peckinpah fue cortada y recortada sin piedad y solo la salvó, en parte, el poder que Heston tenía en Hollywood, lo que es todo un homenaje a la fuerza entonces del star system. Si aun así es una obra genial, ¿qué hubiera sido de fructificar todas las ideas y poderosas imágenes del director?

En todo caso, nos ha legado un western en cierto modo ‘falso’, porque no nos habla del mítico y lejano Oeste de nuestros sueños sino que nos ahoga en él (unos años más y Peckinpah completará la inmersión con la inmensa Grupo Salvaje), nos inunda la pantalla con la contemplación de los abismos de miseria y las cimas de heroísmo que pueden alcanzar los seres humanos. Drama psicológico oscuro, de difícil digestión, de hombres encerrados en sus almas, expuestas a su ineluctable hado en unos paisajes infinitos y tan estériles como sus vidas.

Fuentes.

[www.youtube.com/watch?v=azBQQpcI-Hk]Tráiler (inglés)

[www.youtube.com/watch?v=URKgG2U6dJ0&feature=related] Vídeo de los títulos de crédito.

[www.c1n3.org/p/peckinpah01s/Images/44.html] Fotos y carteles de la filmación en nº 21-47. Destacan las de la bella Berger, muy admirada por todo el equipo.

[www.filmaffinity.com/es/film354440.html] Ficha de la película.

AA.VV. Wikipedia.

Redacción. ‘Las películas’. Mayor Dundee. “El País” (5-II-2012) 58.

Cine: noticias (2012).

2012-02-10T11:35:00.000-08:00

Cine: noticias (2012).

Exposiciones.

*<Pantalla global>. Barcelona. CCCB (24 enero-28 mayo 2012). San Sebastián. Museo de San Telmo (2 julio-30 septiembre 2012). Reseña de Martí Font, J. M. El mundo es una pantalla. “El País” Cataluña (25-I-2012) 5.

Noticias de cine.

Belinchón, Gregorio. ‘The Artist’… y luego los demás. “El País” (24-I-2012) 40. Considera The Artist como la película favorita a las nominaciones de los Oscar.

Noticias de cine y televisión.

Ayuso, Rocío. La televisión, ese retiro dorado. “El País” (6-II-2012) 61. Se pasan a la televisión actores consagrados como Glenn Close, Sally Fields, Dustin Hoffman, Anjelica Huston, Jessica Lange, Shirley MacLaine, Nick Nolte, Susan Sarandon, Maggie Smith…

Selección de filmes. 'El guateque' (1968), de Blake Edwards.

2012-02-05T04:07:00.000-08:00

Selección de filmes. 'El guateque' (1968), de Blake Edwards.

El guateque (1968). The Party. EE UU. Género: comedia. Duración: 113 minutos. Dirección: Blake Edwards. Intérpretes: Peter Sellers, Claudine Longet, Christopher Plummer, Marge Champion, J. Edward McKinley, Fay McKenzie. Guión: Blake Edwards, Tom Waldman, Frank Waldman. Música: Henry Mancini. Fotografía: Lucien Ballard. Montaje: Ralph E. Winters.

Trama.

Un extra patoso e inútil, el indio Hrundi V. Bakshi, destruye un carísimo decorado de película y al querer el estudio ponerle en la lista ‘negra’ resulta incluido en la lista ‘A’, con una invitación a la mayor fiesta de Hollywood, la más cara, la mejor… hasta que llega él.

Opinión.

Es una comedia genial pero no es una comedia amable al uso: es tan irónica, tan humana, que en la risa anida una desazón existencial. ¿Puede ese hombre, arquetipo del destructor-autodestructor, ser tan absolutamente estúpido y egoísta? ¿Cuál es la causa de su capacidad para arrasar todo lo que está a su alcance, su estupidez o su egoísmo? ¿Se alimentan mutuamente? ¿Y qué hay de nosotros? Y de pregunta en pregunta el espectador acaba por autoanalizarse y analizar esta sociedad que no ha cambiado tanto desde los años 60. No es una comedia amable, sino que es dura, ácida y transgresora, y justamente por eso nunca podremos olvidarla y será el fermento de toda comedia que aspire a perdurar. ¿Acaso su protagonista, tan contenidamente interpretado por el usualmente exagerado Peter Sellers, no es un antecedente directo de ‘Mr. Bean’?

Fuentes.

AA.VV. Wikipedia.

Belinchón, Gregorio. El inútil más famoso de la historia del cine. “El País” (4-II-2012) 39. “El espectador asiste al descontrol con más vergüenza ajena que risa”.

Arquitectura. El ‘Metropol Parasol’ (2005-2011), de Jürgen Mayer.

2012-02-05T02:07:00.000-08:00

Arquitectura. El ‘Metropol Parasol’ (2005-2011), de Jürgen Mayer.

El ‘Metropol Parasol’ de Jürgen Mayer, la monumental cubierta para el Mercado de la Encarnación en Sevilla, sigue asombrando a los visitantes.

Iniciado en 2005 e inaugurado el 27 de marzo de 2011, consta de seis parasoles con forma de níscalo, por lo que los sevillanos le dieron pronto el nombre de Las setas de la Encarnación.

Se divide en cinco niveles: el nivel inferior del sótano alberga el Antiquarium con los restos romanos de la ciudad de Hispalis; el nivel del suelo es para el mercado, cubierto con una plaza elevada; más arriba, en el interior de las sombrillas centrales, unos restaurantes; y en la cúspide una plaza mirador.

El proyecto es de una calidad excepcional por sus formas curvilíneas tomadas de la naturaleza mediterránea (un referente indudable es Antoni Gaudí), las amplias aperturas visuales al cielo y al entorno urbano, el uso de elementos clásicos (el techo casetonado) y la misma idea clásica de la monumentalización posmoderna de la plaza latina como lugar de reunión y vida.

Fuentes.

Torrecillas, Toni. A cubierto. Setas para alucinar. “El País”, S Moda 20 (4-II-2012) 76.

Imágenes copyright de Jürgen Mayer.

Selección de filmes. 'Desayuno con diamantes' ('Breakfast at Tiffany’s') (1961), de Blake Edwards.

2012-02-04T13:49:00.000-08:00

Selección de filmes. 'Desayuno con diamantes' ('Breakfast at Tiffany’s') (1961), de Blake Edwards.

Desayuno con diamantes (1961). Breakfast at Tiffany’s. EE UU. Género: comedia. Duración: 115 minutos. Dirección: Blake Edwards. Intérpretes: Audrey Hepburn, George Peppard, Patricia Neal, Martin Balsam, Buddy Ebsen, Mickey Rooney, José Luis de Villalonga. Guión: George Axelrod, basado en la novela homónima de Truman Capote. Música: Henry Mancini. Fotografía: Franz Planer. Montaje: Howard A. Smith. Obtuvo dos oscars, a la mejor música (Mancini) y la mejor canción (Moon River, con letra de Johnny Mercer).

Trama.

Un joven escritor, mantenido por una dama casada, se muda a un edificio de apartamentos, en el cual conocerá a una vecina, la joven y alocada Holly Golightly, aspirante a actriz, cuya mayor felicidad es soñar que un día podrá comprar en la tienda de diamantes Tiffany’s.

Opinión.

La historia de Capote pasaba de mano en mano a principios de los años 60 y en un momento dado el director era John Frankenheimer (un maestro de la acción clásica) y los protagonistas iban a ser Marilyn Monroe y Steve MacQueen. Pero el destino puso el filme en manos de Edwards, Hepburn y Peppard, los que iban a lograr casi inesperadamente, pues al inicio no tenían la plena confianza de los productores, un milagro que se ha asociado desde entonces al mito neoyorquino: cuando paseamos por las calles de Manhattan los tenderetes de postales siempre tienen un lugar preferente para el bellísimo rostro de ella (asociada siempre a una belleza espiritual con muchos matices), y cuando las mujeres pasan por primera vez ante la tienda de Tiffany’s de la Quinta Avenida es difícil que no se paren a hacerse una foto. El cine tiene este poder maravilloso de encarnar los sueños de la gente y Desayuno con diamantes es uno de sus mejores ejemplos. Esa escena bajo la lluvia en la que el amor vence...

Fuentes.

AA.VV. Wikipedia.

Belinchón, Gregorio. La canción más tierna del mundo. “El País” (20-I-2012). En la web del diario incluye un hermoso vídeo de fotos fijas, con la inolvidable canción.

Selección de filmes. 'Platoon' (1987), de Oliver Stone.

2012-02-04T13:02:00.000-08:00

             Selección de filmes. 'Platoon' (1987), de Oliver Stone.

Platoon (1987). EE UU y Reino Unido. Género: drama bélico. Duración: 120 minutos. Dirección y guión: Oliver Stone. Intérpretes: Tom Berenger, Willem Dafoe, Johnny Depp, Kevin Dillon, John Mcginley, Francesco Quinn, Charlie Sheen, Tony Todd, Forest Whitaker. Música: Georges Delarue. Fotografía: Robert Richardson. Montaje: Claire Simpson.

Trama.

Guerra del Vietnam: un soldado experimenta los horrores de la lucha en primera línea, quebrado entre la solidaridad entre camaradas y el ansia por sobrevivir.

Opinión.

La película ganó cuatro oscars y el Oso de Plata al mejor director del Festival de Cine de Berlín, y cosechó un gran éxito de taquilla. Razones no le faltaron: un director en estado de gracia que entonces sabía sacrificar su ego para equilibrar los recursos del cine comprometido de los grandes clásicos; un guión de esos llamados ‘de hierro’, sin lagunas en el ritmo, que nos lleva a un creciente pero creíble malestar y un contagioso rechazo de la violencia; y la presencia en interpretaciones contenidas de algunos de los mejores actores del cine estadounidense (Berenger, Dafoe, Depp, Sheen y Whitaker entre ellos, aunque sus carreras hayan cogido derroteros tan diferentes) que entonces comenzaban a despuntar y en los años siguientes alcanzarían merecida fama. Pero su éxito se debe también a que fue la mejor heredera de Apocalypse Now; sin este precedente no se explica que la escueta y cruel sinceridad de Platoon conectase tan bien con el público.

Fuentes.

AA.VV. Wikipedia.

Caravaggio. Noticias de exposiciones y hallazgos.

2012-02-04T09:25:00.000-08:00

Caravaggio. Noticias de exposiciones y hallazgos.

Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610) cuenta sólo con 40 pinturas en su catálogo razonado por lo que cualquier noticia de nuevos descubrimientos o de que obras poco vistas van a ser expuestas despierta un interés inmediato.

Exposiciones.

*<Caravaggio i la pintura realista europea>. Barcelona. MNAC (10 octubre 2005-15 enero 2006). 85 obras. Comisario: José Milicua. Cat. 443 pp. en español e inglés. Reseña de Sureda, Joan. Esculpir la oscuridad. “ABC” (15-X-2005) 32-33.

*<Fábulas de Velázquez. Mitología e historia sagrada del Siglo de Oro>. Madrid. Museo del Prado (19 noviembre 2007-24 febrero 2008). 28 obras de Velázquez y 24 de otros 17 artistas (Caravaggio, Tiziano…). Comisario: Javier Portús. Reseñas de García, Ángeles. La leyenda de la Venus desnuda. “El País” (10-XI-2007) 40. Redacción. El gran fabulador y su mundo (41). Calvo Serraller, F. Pintarse a sí mismo (41). García, Ángeles. Fábula, mitología, Velázquez. “El País” (20-XI-2007) 51. Calvo Serraller, F. Entre lo divino y lo humano (51).

<Caravaggio>. Roma. Caballerizas del Quirinal (20 febrero-13 junio 2010). 23 pinturas. Comisarios: Rossella Vodret, Francesco Buranelli. Reseña de Miguel Mira. Fervor romano por Caravaggio. “El País” (23-II-2010) 40.

Libros.

Longhi, Roberto. Il Caravaggio. Aldo Martelli. Milán. 1952. 50 pp. y 50 pp. de obras.

Zuffi, Stefano. Caravaggio. Electa. Milán. 1993. 34 pp.

Schütze, Sebastian. Caravaggio. Obra completa. Taschen. Colonia. 2009. 306 pp.

Graham-Dixon, Andrew. Caravaggio. Una vida sagrada y profana. Taurus. Madrid. 2011. 584 pp. Reseña de Spurling, Hilary. “El Cultural” (22-XII-2011) 8-9.

Artículos.

Gómez, Lourdes. La casa real británica descubre dos `caravaggios’ en su colección. “El País” (16-XI-2006) 56. La llamada de los santos Pedro y Andrés (1603-1606) y Niño pelando fruta.

Muñoz Molina, Antonio. Caravaggio en Madrid. “El País” Babelia 1.047 (17-XII-2011) 8.

Leonardo da Vinci. Noticias de exposiciones y hallazgos.

2012-02-04T08:33:00.000-08:00

Leonardo da Vinci. Noticias de exposiciones y hallazgos.

*<La edad de oro de Polonia>. Madrid. Palacio Real (3 junio-4 septiembre 2011). García, Ángeles. La primera dama del Renacimiento. “El País” (25-V-2011) 43. El retrato de Leonardo La dama del armiño se muestra excepcionalmente en la exposición.

<Leonardo da Vinci. Pintor en la Corte de Milán>. Londres. National Gallery (9 noviembre 2011-5 febrero 2012). García, Ángeles. ‘Leonardo’ o no, una obra maestra. “El País” (29-IV-2011) 40. Las dudas sobre la autoría por Leonardo Da Vinci de ‘El Salvador adolescente’ del Museo Lázaro Galdiano. De Diego, Estrella. Permanente misterio. “El País” (29-IV-2011) 40.

Bambach, Carmen C. Leonardo and drapery studies on ‘tela sottilissina di lino’. “Apollo”, v. 159, n1 503 (I-2004) 44-55.

Austen, Ian. Mona Lisa desvela su secreto.”El País” (28-IX-2006) 47. Se ha descubierto que un velo, propio de parturienta reciente, cubre la figura de la Gioconda de Leonardo.

Lucchini, Laura. Leonardo necesita un buen lavado. “El País” Domingo (20-II-2008) 9. Restauración del Código Atlántico de dibujos.

Esterow, Milton. Rediscovering a Leonardo. “Artnews”, v. 110, nº 8 (IX-2011) 100-105. Varios expertos autentifican la pintura Salvator Mundi.

Mora, Miguel. Crisis en el Louvre por la agresiva restauración de un ‘leonardo’. “El País” (8-I-2012) 35. Se debate sobre los límites de la restauración, en este caso en la pintura ‘La Virgen, el niño Jesús y Santa Ana’, de Leonardo da Vinci. Los especialistas Ségolène Bergeon Langle y Jean-Pierre Cuzin se oponen a una restauración excesiva.

Comparación de fragmentos de las dos obras. La copia a la derecha.

Hermoso, Borja. ‘La Gioconda’ renace en el Prado. “El País” (2-II-2012) 36-37. Se restaura e identifica una copia de La Gioconda que pintó un discípulo, tal vez el italino Francesco Melzi o el español Yáñez de la Almedina, mientras el maestro pintaba el original.

Calvo Serraller, F. Obras que, a la vista, no se ‘ven’. “El País” (2-II-2012) 37. En relación con la copia de La Gioconda.

“E. P.”. Una investigadora sostiene que la Gioconda del Prado es de Yáñez de la Almedina. “Levante-EMV” (3-II-2012). La hipótesis es de Dolores García.

De Diego, Estrella. Las vidas de Leonardo da Vinci. “El País” (3-II-2012) 36.

Noticias de Historiografía y Bibliografía de Arte (2012).

2012-02-03T13:22:00.000-08:00

Noticias de Historiografía y Bibliografía de Arte (2012).

Roma, Valentín. Rostros. Periférica. Cáceres. 2011. 204 pp. Entrevista/reseña de Sancho, Xavi. De ‘zapping’ por la historia del arte. “El País” (27-XII-2011) 43. Valentín Roma (Barcelona, 1970, profesor de Estética, comisario de exposiciones), ensaya una irreverente historia del arte del siglo XX.

Ilustraciones de Ching, de algunas de las más de 500 obras que figuran. [ggili.com]

Ching, Francis D. K.; Jarzombek, Mark M.; Prakasch, Vikramaditya. Una historia universal de la arquitectura. Gustavo Gili. Barcelona. 2012. 466 pp. Reseña de Zabalbeascoa, Anatxu. Otra visión de la arquitectura es posible. “El País” (30-I-2012) 34. Un revolucionario ensayo, editado en dos tomos, plantea una historia verdaderamente universal de la arquitectura y cuestiona el peso relativo de la tradición occidental. Por ejemplo, apuntan que apenas conocemos la arquitectura precolombina y que el origen del arco apuntado es muy probable que estuviera en el Oriente Medio islámico y nos llegara a través de Bulla Regia (Túnez) y la mezquita de Córdoba.

Ching (Honolulú, Hawai, 1943), tal vez el más eminente dibujante arquitectónico, es autor de otros cuatro libros traducidos al español:

Ching, Francis D. K. Diccionario visual de la arquitectura. Gustavo Gili. Barcelona. 1996. 360 pp.

Ching, Francis D. K. Arquitectura. Forma, espacio y orden. Gustavo Gili. Barcelona. 1998. 430 pp.

Ching, Francis. D. K; Juroszek, S. P. Dibujo y proyecto. Gustavo Gili. Barcelona. 1999. 346 pp.

Ching, Francis D. K.; Binggeli, C. Diseño de interiores. Gustavo Gili. Barcelona. 2011. 344 pp.

Noticias de museos y colecciones (2012).

2012-02-03T12:35:00.000-08:00

Noticias de museos y colecciones (2012).

Los museos y colecciones públicas están sufriendo en la mayoría de los países por las grandes restricciones presupuestarias a la cultura, por lo que reaccionan buscando nuevos ingresos y realizando actividades más baratas, sobre todo recuperando (y restaurando) sus propias colecciones para acometer exposiciones de fondos antes preteridos.

Fuentes.

Exposiciones.

*<Pinturas de la Rubell Family Collection>. Madrid. Fundación Banco Santander (11 febrero-17 junio 2012). Reseña de Jarque, Fietta. La trastienda de las 5.000 joyas de los Rubell. “El País” Semanal 1.845 (5-II-2012) 12-15. Don y Mera Rubell han amasado una de las mejores colecciones privadas de arte contemporáneo.

Artículos.

Espejo, Bea. ¿Popular es sinónimo de éxito? “El Cultural” (29-IV-2011) 26-29. Diálogo sobre el papel del público actual, en medio de la crisis, con seis directores de museos españoles: Miguel Zugaza (Prado), Guillermo Solana (Thyssen-Bornemisza), Manuel Borja-Villel (MNCARS), Bartomeu Marí (MACBA), Daniel Castillejo (Artium) e Iñaki Martínez (MARCO).

Marcos, Ana. Encuentro con Rueda en Oporto. “El País” (15-XII-2011) 41. Inauguración del museo Centro de Arte Moderna Gerardo Rueda en Matosinhos, Portugal. Muestra gran parte de la colección privada del artista Gerardo Rueda, con obras de Miró, Chirino, Feito, García-Sevilla, Gordillo, Sempere, Saura, Torner, Zóbel... De Miró hay una carpeta de litografías sobre la que pintó unas acuarelas en homenaje a Picasso.

Fernández Santos, Elsa. Un paseo por el lado salvaje del Reina. “El País” (23-XII-2011) 52-53. Recorrido con los artistas Luis Gordillo y Alberto Corazón por el tercer tramo de la última reordenación de la colección permanente del MNCARS, De la revuelta a la posmodernidad, referente al periodo 1962-1982. Sobre el mismo tema véase De la Villa, Rocío. La Transición en el siglo XXI. “El Cultural” (2-XII-2011) 32-33.

García, Ángeles. Una visita a los banqueros del arte. “El País” (13-I-2012) 36. Las colecciones de los grandes bancos españoles, forjadas sobre todo desde los años 1980, sufren grandes cambios durante el proceso de consolidación financiera de los últimos decenios y en estos años de crisis económica se avanza hacia una mayor concentración. Destacan las colecciones de Fundación Santander, Fundación BBVA y Fundación La Caixa.

García, Ángeles; Jarque, Fietta. El triunfo frente a la adversidad. “El País” (22-I-2012) 40-41. Diálogo con los directores de los museos del Prado (Miguel Zugaza), MNCARS (Manuel Borja-Villel) y Thyssen-Bornemisza (Guillermo Solana), que han aumentado espectacularmente sus visitantes pese a la crisis.

Bosco, Roberta. Entrevista. Andreu Rodríguez / Empresari i col·leccionista. ‘La tecnología és l’ànima de l’art actual’. “El País” Quadern 1.431 (9-II-2012) 8.

Noticias de restauración de obras de arte (2012).

2012-02-03T12:29:00.000-08:00

Noticias de restauración de obras de arte (2012).

Los años 2011 y 2012 están siendo pródigos en España y Europa en importantes restauraciones de obras de arte y arquitectura, la mayoría emprendidas antes de los grandes recortes culturales.

Fuentes.

Mandiá, Diana. Santiago vuelve a acariciar la Gloria. “El País” (29-XII-2011) 37. Se aprueba la restauración del Pórtico de la Gloria.

Hermoso, Borja. ‘La Gioconda’ renace en el Prado. “El País” (2-II-2012) 36-37. Se restaura e identifica una copia de La Gioconda que pintó un discípulo mientras el maestro pintaba el original.

Calvo Serraller, F. Obras que, a la vista, no se ‘ven’. “El País” (2-II-2012) 37. En relación con la copia de La Gioconda.

Seisdedos, Iker. Atribuciones, desatribuciones y otras polémicas del arte antiguo. “El País” (2-II-2012) 38. Los casos de Brueghel, Goya, Velázquez…

Montañés, José Ángel. Los colores de la Creación. “El País” Cataluña (4-II-2012) 5. Se restaura el tapiz de la Creación (358 x 450) de la catedral de Girona, del siglo XI, y salen a la luz los tonos originales ocultos en el reverso y se corrigen algunos datos erróneos.

Fernández-Santos, Elsa. El robot que destripa el ‘Guernica’. “El País” (8-II-2012) 38-39.

Arquitectura. Eduardo Souto de Moura: Premio Pritzker 2011.

2012-02-03T12:06:00.000-08:00

Arquitectura. Eduardo Souto de Moura: Premio Pritzker 2011.
Biografía.

Eduardo Souto de Moura (Oporto, 15-VII-1952) es un famoso arquitecto portugués. Se licenció en arquitectura en la Escola Superior de Belas Artes, hoy llamada Faup (Escuela Superior de Bellas Artes) de Oporto en 1980, donde fue alumno de los famosos arquitectos portugueses Fernando Távora (Oporto, 1923-2005) y Álvaro Siza (Oporto, 1933). Mientras, trabajó durante cinco años (1974-1979) en el estudio de Siza, con quien colaboró después en varios proyectos.

Fue profesor de la Faup en 1981-1991 y ha sido profesor invitado en las universidades de París-Belleville (1988), Harvard (1989), Dublín, Navarra, Zúrich (1990-1991) y Lausana (1994). Actualmente da clases en Oporto y Lausana. Estableció su propio despacho profesional en Oporto en 1980. Ha obtenido numerosos premios de arquitectura, hasta lograr en 2011 el más prestigioso, el Pritzker. Álvaro Siza, el primer ganador de este premio (1992), ha dicho: ‹‹El premio hace justicia y para mí, supone una gran alegría. Su trabajo es de un gran rigor, de una gran exigencia. No conozco ninguna obra de su firma que sea descuidada. En todas sus labores, hay siempre una gran atención a la inserción. No son piezas aisladas, sino que forman parte de un tejido. Es una arquitectura que tiene pasado y visos de futuro››.

Estilo.

Se le considera un representante del regionalismo crítico (o arquitectura vernacular crítica), un concepto acuñado por el historiador de la arquitectura Kenneth Frampton, que procede de la fusión a partir de 1945 de las dos grandes tendencias de la arquitectura del siglo XX, la orgánica y la funcionalista, una senda ecléctica recorrida por Alvar Aalto, Eero Saarinen, Utzon y muchos de los mejores arquitectos modernos. Los principales rasgos de la arquitectura de Souto de Moura son:

· El rigor y la precisión en las formas, guiado por un minimalismo geométrico (en su juventud conoció en Zúrich al artista estadounidense Donald Judd), lo que no disminuye la monumentalidad de sus proyectos, dotados a menudo de grandes muros. Le cuenta a Virginia López: ‹‹Busco la tradición adaptada a la realidad, no soy un romántico ni un conservador, simplemente me gusta dar continuidad a las cosas simples.››

· La sensibilidad hacia el contexto. Al igual que Siza, Souto de Moura se preocupa por el lugar, por el entorno físico ya sea urbano o rural, de sus obras. Le explica a Virginia López: ‹‹Me gusta la naturalidad… Pero hay veces en que se puede ser natural y monumental al mismo tiempo. (…) [En el estadio de Braga] se me ocurrió que la mejor manera de diseñar el estadio era aprovechando la pedrera natural››.

· El cuidado de los detalles y la selección de los materiales locales, conjugando el hormigón, piedra, madera, aluminio y vidrio para integrarlos armónicamente en los muros.

· La voluntad de facilitar la vida de las personas que habitan o trabajan en sus obras. Dice a Virginia López: ‹‹No me interesa tanto poner mi firma a las obras, sino que estas tengan los atributos necesarios para mejorar la vida de las personas.››

· Su tipo de construcción favorita es la vivienda unifamiliar de una o dos plantas diáfanas, con patios interiores, al igual que proponía Mies van der Rohe para el ámbito mediterráneo. Souto de Moura cree que lo que cambian son los materiales, los medios y los sistemas de construcción, pero que la idea de una casa es un concepto universal que apenas ha evolucionado a lo largo de la historia.

· También ha realizado numerosos edificios públicos, planificados para abrirse hacia el exterior, sea a la gente de la calle o la plaza si es un espacio urbano, o a la luz, el color y la naturaleza si es un espacio rural. Ya en su primer gran proyecto, el mercado municipal de Braga (1980), creó un organismo lineal apoyado en imponentes muros, con un espacio cubierto por una gran losa soportada por pilares de hormigón.

Obras.

Mercado municipal de barrio de Carandá, Braga (1980-1984); sigue el café del mercado (1982-1994) y la remodelación del mercado (1997-2001).

‘Casa das Artes’ del Centro Cultural S.E.C., rua Antonio Cardoso de Oporto (1981-1991).

Vivienda 1 en rua do Padrão, Nevogilde, Oporto (1982-1985).

Vivienda 2 en rua de Nevogilde-avenida da Boavista, Nevogilde, Oporto (1983-1988).

Vivienda para tres familias, Quinta do Lago, Almancil, Algarve (1984-1989).

Puente dell’Accademia, Bienal de Venecia (1985).

Ampliación de vivienda en Rua da Vilarinha, Oporto (1986-1988).

Villa en Alcanena, Torres Novas (1987-1992).

Rehabilitación de posada del Monasterio de Santa María do Bouro, Amares en Braga (1989-1997), galardonada con 1r Premio de la I Bienal Ibero-Americana de Arquitectura (1998).

Vivienda en Moledo, Caminha (1991-1998).

Biblioteca Infantil y Auditorio de la Librería Municipal de Oporto (1992-2001).

Reconversión de la Alfândega Nova (Nuevas Aduanas) en el Museo de Transporte y Comunicaciones de Oporto (1993).

Viviendas rurales en Matosinhos (1993-1999 y 2000), siendo finalista de la III Bienal Ibero-Americana de Arquitectura (2002).

Remodelación del Museo Grao Vasco de Viseu (1993-2004).

Facultad de Geociencias de la Universidad de Aveiro (1994).

Vivienda en Cascais (1994-2002).

Museo Casa das Historias Paula Rego o Casa de los Cuentos en Cascais (2006).

Vivienda en Serra da Arrábida (1994-2002).

Bloque de tres apartamentos en Praça Liége de Oporto (1994-2001).

Plan de detalle para el Nuevo Centro Administrativo de ciudad de Maia (1995).

Plan de reconversión de la línea costera de Matosinhos Sur (1995).

Proyecto de Pabellón de Portugal en Exposición de Lisboa de 1998 (1995-1998).

Bloque de viviendas en Rua do Teatro, Oporto (1996).

Metro de Oporto y Estación de Casa do Música (1997-2004).

Proyecto de interior de Santa María do Bouro, Amares, Braga (1996-1997).

Proyecto de interior de Armázens (Almácenes) do Criado, Lisboa (1997-1999).

Centro Portugués de Fotografía, Cadeia da Relaçao del Edificio del Puerto, Oporto (1997-2001).

Bloque de viviendas de ciudad de Maia (1997-2001).

Estadio Municipal de Braga (1997-2004).

Galería Silo en Centro Comercial de Matosinhos (1998-2001).

Centro de Cinema Manoel de Oliveira en Oporto (1998-2003).

Pabellón de Pabellón de Portugal en la Exposición Universal de Hannover (1999-2000), en colaboración con Álvaro Siza.

Vivienda del futbolista Cristiano Ronaldo en Santo Estevao, Benavente (2006).

Torre de pisos en Burgos (2007).

Centro Cultural Miguel Torga, en Oporto (en construcción).

Proyecto de Pabellón Multiusos, Viana do Castelo (en construcción).

Proyecto de Centro de Arte Contemporáneo, Braganza (en construcción).

Fuentes:

AA.VV. Wikipedia.

AA.VV. Eduardo Souto de Moura: Obra reciente. “2 G” nº 5, Ed. Gustavo Gili, Barcelona (1998). 144 pp.

Angelillo, António; Pais, Paulo. Eduardo Souto de Moura. Colección ‘Monografías Blau’ nº 2. Editorial Blau. Lisboa. 1994. 216 pp.

Celis, Barbara. El premio Pritzker regresa a Portugal. “El País” (29-III-2011) 40.

Leoni, Giovanni; Esposito, António. Eduardo Souto de Moura. Gustavo Gili. Barcelona. 2003. 447 pp.

López, Virginia. Entrevista. Eduardo Souto de Moura. ‘El gran desafio está en África’. “El Mundo” (30-III-2011) 70.

Nufrio, Anna (ed.). Eduardo Souto de Moura. Conversaciones con estudiantes. Gustavo Gili. Barcelona. 2008. 96 pp. Conferencias y conversaciones en Universidad de Milán.

Relea, Francesc. Entrevista. Eduardo Souto de Moura. ‘Quisiera trabajar más en Portugal. Pero no hay nada’. “El País” (30-III-2011) 42.

Tuñón, Emilio. Del rigor a la poesía. “El País” (29-III-2011) 40.

Zabalbeascoa, Anatxu. Eduardo Souto de Moura. “La buena arquitectura lleva implícito el ser sostenible”. “El País” Babelia 814 (30-VI-2007) 20.

Antonio Boix Pons, en Palma de Mallorca (30-III-2011).

Este texto es una versión para blog del artículo de Boix Pons, Antonio. Eduardo Souto de Moura: Premio Pritzker 2011. “Octopus” RDCS, nº 4 (IV-2011) 30-35.
Se advierte que en principio todas las obras reproducidas tienen derechos de copyright del arquitecto y los fotógrafos. En el caso de las dos primeras fotos del Estadio de Braga, se especifica el © de Luis Ferreira Alves.

'Drive' (2011), de Nicholas Winding Refn.

2012-02-03T11:47:00.000-08:00

'Drive' (2011), de Nicholas Winding Refn.

Drive (2011). EE UU. Género: thriller. Duración: 100 minutos. Director: Nicolas Winding Refn. Intérpretes: Ryan Gosling, Carey Mulligan, Ron Perlman, Albert Brooks, Bryan Cranston, Christina Hendricks, Oscar Isaac. Guion: Hossein Amini. Fotografía: Newton Thomas Sigel. Música: Cliff Martinez. Montaje: Matthew Newman.

Trailer: [www.youtube.com/watch?v=--XQKuqUrMo]

Trama.
La historia de un mecánico que sueña con ser conductor de carreras y mientrastanto busca una emoción en su vida anodina actuando como conductor de atracos. El naciente amor por una joven le llevará a un enfrentamiento brutal con una banda.
Opinión.
La crítica concuerda en la excelencia de esta película del danés Nicolas Winding Refn (Copenhague, 1970), que adapta una novela negra de un autor principal del género, James Sallis (Nueva Orleans, 1944). Mi opinión después de ver la V.O.S. (las voces originales son fundamentales en esta película) es que es una obra de extraordinaria calidad, beneficiada de que el joven Ryan Reynolds demuestra ser un actor relevante, que matiza con un cuidado de orfebre su personaje aparentemente casi autista, pero que esconde dentro de sí una fiera, un escorpión (el motivo de su chaqueta) que no puede huir de su destino aunque le arrastre a la muerte. Una mención especial para el gran Albert Brooks, que borda su papel de malvado encantador. El duelo final entre los dos protagonistas nos hace dudar de quién es la rana y quién el escorpión. Y solo una nota de duda: el final demasiado abierto.
Fuentes.
Reviriego, Carlos. La naturaleza del escorpión. “El Cultural” (22-XII-2011) 35.
Boyero, Carlos. El corazón del samurái. “El País” (28-XII-2011) 40.
García, Toni. Entrevista. James Sallis / Autor del libro que inspiró ‘Drive’. “El País” (30-XII-2011) 42.
Redacción. Metafísica, milagros y cabaret. “El Cultural” (30-XII-2011) 36-37. Los críticos de la revista la eligen la tercera mejor película extranjera de 2011.

Lectura relacionada.
James Sallis. Drive. Trad. de Juanjo Estrella. RBA. Barcelona, 2009. 156 pp. Reseña de Mora, Rosa. A trallazos. “El País” Babelia (21-II-2009). Mora escribe con la prosa directa del género negro:

‹‹James Sallis dedica Drive a Ed McBain, Donald Westlake y a Lawrence Block, "tres grandes escritores norteamericanos". Él también lo es y ésta es una excelente novela. Breve, de 156 páginas, y de una enorme intensidad.

Driver vio, durante la cena, cómo su madre mataba a su padre. Él siguió comiendo. Acabó en una familia de acogida. A los 16 años se largó para ir a Los Ángeles para trabajar en el cine, pero no como actor sino como conductor especialista en escenas de doblaje. Conducir es lo que mejor sabe hacer. Pronto se corre la voz de que es el mejor y trabajo no le falta, pero le surge otro en el que ni siquiera pensaba: conducir para delincuentes. Driver lo deja muy claro: "Yo conduzco, no hago nada más. Yo no participo, no conozco a nadie, no llevo armas. Yo sólo conduzco". Todo va bien hasta que topa con Nino, un capo mafioso, que organiza un falso atraco para cargarse a varios de los suyos.

Se han roto las reglas que impuso Driver. Quiere devolver el cuarto de millón de dólares que quedó en sus manos, pero el capo no para de mandarle matones. La guerra será a muerte y la venganza del conductor implacable.

Sallis hace un retrato nada complaciente del "país de las maravillas", del "persistente sueño americano". Los Ángeles que nos muestra no es el de los triunfadores, es el de tanta gente que vive o malvive del salario mínimo. Los aficionados al género negro probablemente le conocerán ya por la serie de novelas, protagonizadas por el detective negro de Nueva Orleans, Lew Griffin, un tipo solitario, autodidacta y autodestructivo. Las publicó en España, con más pena que gloria, la desaparecida editorial Poliedro. Son estupendas y RBA está dispuesta a recuperarlas.

Sallis es especial. Escribe a trallazos, saltando del presente al pasado y al revés con agilidad diabólica. Sus diálogos son contundentes y sus construcciones literarias sorprendentes, con una poética negra que enlaza con los grandes. Su registro es muy amplio: enamorado del jazz (ha escrito diversos ensayos), de la ciencia-ficción (ha escrito una antología), de la literatura europea, de la francesa en especial e incluso de la española (en El avispón negro, por ejemplo, cita En los reinos de taifa, de Juan Goytisolo).››

Crítica de ‘Cisne negro' (Black Swan) (2010), de Darren Aronofsky.

2012-02-03T11:38:00.000-08:00

Crítica de ‘Cisne negro' (Black Swan) (2010), de Darren Aronofsky.

Cisne negro (2010). Black Swan. EE UU. Duración: 108 minutos. Género: Melodrama y terror. Director: Darren Aronofsky. Actores: Natalie Portman (Nina Sayers), Vincent Cassel (Thomas Leroy), Barbara Hershey (Erica Sayers). Mila Kunis (Lily), Winona Ryder (Beth MacIntyre). Música: Clint Mansell. Fotografía: Matthew Libatique. Montaje: Andrew Weisblum.

Trama.
El camino hacia la perfección de una bailarina que se debate entre el conocimiento de sus deseos y límites, sus ambiciones y miedos, y el uso que de ella hacen quienes la rodean.
Opinión.

El cine es el gran arte contemporáneo. Mientras la pintura, la escultura o la arquitectura, con escasas excepciones, se sumen en el abismo de lo efímero, lo banal y el espectáculo, el cine nos ofrece con asombrosa regularidad obras sublimes y nuevos genios suceden a las grandes generaciones que encabezaban genios como Griffith, Eisenstein, Lang, Renoir, Hitchcok, Ford, Kubrick…

Entre los presentes sucesores hoy se entroniza con todo merecimiento a Darren Aronofsky (Nueva York, 1969). Desde la presentación en la pasada Mostra de Venecia de su última película, Cisne negro, cuya idea le rondaba durante un decenio, ha logrado el aplauso de la crítica y el favor de un público quizás minoritario, pero de paladar ansioso de saborear platos difíciles, de ingredientes inusuales, sin concesiones a lo comercial y lo simple, con el equilibrio poético de un clásico y la innovación transgresora de un vanguardista, con los medios más sencillos, casi humildes, con un guión férreo en el esqueleto y sutil en los matices, todo lo que Aronofsky ya había acreditado sobradamente con sus anteriores obras Pi, fe en el caos (1998), Réquiem por un sueño (2000) y, sobre todo, la inclasificable La fuente de la vida (2006) y la más accesible El luchador (2008), en la mayoría de las cuales ya contaba con su fiel equipo del compositor Mansell y el director de fotografía Libatique, y en la que afrontaba sus recurrentes y complejos temas del amor, la libertad, el ansia de la creación perfecta, la alucinación, la expiación de las culpas, el dolor y la muerte, y en esto toca la filosofía de la existencia y del conocimiento, la subjetividad fracturada como un collage que marca nuestro tiempo.

Esta película cumple estrictamente con los tres atributos que el ensayista libanés Taleb asocia al suceso del cisne negro: ser de una rareza inesperada; tener un impacto muy grande; provocarnos a explicar las razones de su existencia.

Primero, Aronofsky, inspirado entre otros por Powell y Pressburger, Polanski y Cronenberg, explora el concepto de la transformación, estableciendo un paralelismo entre El lago de los cisnes y la historia de la metamorfosis del hombre lobo (o de Jekyll & Hyde), para contar con pulso firme la historia de la bailarina, maravillosamente encarnada por Natalie Portman (que ha logrado con este su mejor papel un merecido Oscar a la mejor actriz), disociada en cisne blanco y cisne negro, mitad cisne y mitad mujer, andrógina a la vez que hembra mal reprimida, facetas que refleja capturando nuestra atención en todo momento y transmitiéndonos, en cada paso y cada mirada, el dolor de su lucha interior entre el bien y el mal.

Segundo, ya al poco de iniciarse, absorbe toda nuestra atención con esta historia del arduo camino de aprendizaje de la bailarina que compite por alcanzar la gloria en un mundo cerrado en el que nada existe salvo la belleza del movimiento perfecto, obcecada en que así hallará una incierta y perible felicidad. Con sólo unas pinceladas precisas se esclarecen el resto de personajes, una madre tan sobreprotectora como castradora, una Barbara Hershey que siempre borda sus papeles; un hombre sin más principios morales que conseguir el éxito, un mefistofélico y necesariamente desmesurado Vincent Cassel; una antigua estrella ya apagada, una Winona Ryder convincente en su breve retrato, espejo del futuro que le aguarda a quien vende su alma en pro de un destino fáustico; y una rival presta a sucederla en el sacrificio, su alter ego y ángel-cisne negro, la creíble y sensual Mila Kunis.

Y, tercero, consigue que los espectadores nos interroguemos continuamente sobre el devenir del personaje, que ante nuestra mirada atónita se escinde y vuela entre la fantasía y la realidad, entre su doble soñado y ella misma, en una transparente ruptura de las convenciones narrativas más académicas. Siempre dudamos sobre la fisicidad de la protagonista, pese a que sintamos en distintos momentos el crujir de los huesos, la distensión de los músculos, el bullir de la sangre o la sufriente transformación del cuerpo evocando el body art del accionismo vienés de los Brus, Muehl o Nitsch.

Aronofski, y esto acaba de elevarle a nuestro Olimpo cinematográfico, funde los géneros del melodrama y el terror sin recurrir a fáciles soluciones para aumentar la comercialidad del film, y hubiera sido la más evidente aprovechar la espectacularidad de la música de Tchaikovski y la coreografía de su famoso ballet, que en este film apenas son pausados apoyos para ordenar y limitar un escenario neutro, casi claustrofóbico, en el que explorar la esencia del transcurrir de la vida: la lucha por trascender y alcanzar la libertad y la perfección, a costa de la propia vida si es menester. El director nos inquiere escena tras escena, anuda y desanuda, hasta alcanzar en un final conmovedor, casi teleológico, ese punto mágico en el que se enlaza lo humano y lo divino.

Fuentes:

Basterra, Francisco G. Es un cisne negro. “El País” (5-III-2011) 8.

Taleb, Nassim Nicholas. The Black Swan: The Impact of the Highly Improbable. Random House. Nueva York. 2007. 336 pp. Trad. El Cisne Negro, el impacto de lo altamente improbable. Paidós. Madrid. 2008. 496 pp. Taleb (1960) es un ensayista libanés, afincado en Nueva York.

Costa, Jordi. Camino de perfección. “El País” (18-II-2011).

García, Toni. Entrevista. Darren Aronofsky / Director de ‘Cisne negro’. ‘El lago de los cisnes’ es la historia de un hombre lobo. “El País” (18-II-2011).

Antonio Boix Pons, en Palma de Mallorca (5-III-2011).

Crítica de ‘Enredados’ (Tangled) (2010), de Nathan Greno y Byron Howard.

2012-02-03T11:33:00.000-08:00

Crítica de ‘Enredados’ (Tangled) (2010), de Nathan Greno y Byron Howard.

Enredados (Tangled) (2010). 100’. Género: Animación. Directores: Nathan Greno y Byron Howard. Productor: John Lasseter. Guión: Dan Folgelman, sobre el cuento Rapunzel de los hermanos Grimm. Música: Alan Menken. Dobladores de voz: Mandy Moore, Zachari Levi, Ron Perlman, Donna Murphy. Animación: Glen Keane. Montaje: Tim Mertens.

Trama.
Las aventuras de una damisela de largos cabellos y de un ladrón y un caballo ¿malvados?
Opinión.

Los mitos son la fuente eterna de la filosofía, la literatura, el arte…, y desde los albores del cine de animación han nutrido alguna de sus mejores historias, como La Bella y la Bestia o Aladino. El antiguo cuento, cuyo origen se pierde en Egipto y Mesopotamia, de la princesa (o muchacha, o criada) encerrada en una torre (o mansión, o castillo), esperando al príncipe azul que la rescate, ha originado incontables versiones, desde la griega (la más erótica quizás) de Danae, hasta Cenicienta, Blancanieves, La bella durmiente, La sirenita… y ahora nos llega la versión de Rapunzel, bajo el título algo forzado de Enredados.

El film confirma que el cine de animación vive hoy una época dorada, acercándose progresivamente a una representación creíble de los gestos humanos y la naturaleza, como en ese momento en que los pies de Rapunzel tocan por primera vez la hierba y “vemos” cómo esta se ondula bajo su peso, pero, sobre todo, porque el mundo imaginado puede transcribir con igual o mayor poder los sentimientos y los grandes temas de nuestra existencia, como han demostrado tantas películas excelentes de la última hornada, y baste citar Wall-E, Up o Toy Story 3.

John Lasseter, el productor de Enredados, ha estado en los fogones de muchos de estos títulos inolvidables, y aquí, equilibrando el diseño manual y por ordenador, y con la ayuda de su magnífico equipo, como Glen Keane (director y animador de varios Disney, como Tarzán), Jesús Canal (el técnico español responsable de la animación digital, en particular de la espectacular cabellera de la chica), Alan Menken (el compositor de Aladín, La Sirenita y Pocahontas), da un paso más en ese camino sin retorno, quizás no revolucionario, pero sí confirmatorio, para llevar el cine animado al podio del mejor cine clásico. Y qué decir de la aportación del guión de Dan Folgelman, que no pierde el ritmo en ningún momento, sea en las escenas de persecución en la mejor tradición de Indiana Jones, sea en las escenas de amor más almibarado, como esa escena cumbre del lago cuya poética oriental no debería escapársenos.

Los personajes están trazados con delicada mano maestra: la malvada anciana Gothel que ansía poseer en exclusiva la fuente de la juventud, el valiente y seductor ladrón Flynn Rider que disfruta con la libertad y la aventura, la dulce pero a su modo peligrosa princesa Rapunzel que sueña con viajar a los confines de su estrecho mundo para ver las luces flotantes que aparecen únicamente en su cumpleaños y tal vez conocer el amor, el caballo Maximus que desea ser el policía perfecto, el camaleón de compañía Pascal que aspira a ser el mejor amigo, y una cuidada cohorte de secundarios en la que destacan los malvados que no lo son tanto.

En suma, una obra que se merece figurar entre los grandes clásicos de su género.

Fuentes:

Costa, Jordi. Un nuevo esplendor. “El País” (4-II-2011).

Koch, Tommaso. Así se cocina un éxito Disney. “El País” (31-I-2011).

Antonio Boix Pons, en Palma de Mallorca (6-III-2011).

Crítica de ‘Rango’ (2011), de Gore Verbinsky.

2012-02-03T11:29:00.000-08:00

Crítica de ‘Rango’ (2011), de Gore Verbinsky.

Rango (2011). EE UU. Género: Comedia de animación. Duración: 102 minutos. Dirección: Gore Verbinsky. Producción: John B. Carls, Graham King y Gore Verbinski. Guión: John Logan; basado en un argumento de Gore Verbinski, John Logan y James Ward Byrkit. Música: Hans Zimmer. Dobladores de voz: Johnny Depp (voz y movimientos de Rango), Timothy Oliphant (Espíritu del Oeste), Isla Fisher (Habas), Abigail Breslin (Priscilla), Bill Nighy (Veneno Jake), Alfred Molina (Armadillo), Ned Beatty (Alcalde), Ray Winstone (Bill el Malo), Harry Dean Stanton (Baltasar), Stephen Root (Doc Merrymack), Ian Abercrombie (Ambrose), Claudia Black (Angelique). Animación y diseño de producción: Mark McCreery. Montaje: Craig Wood.

Trama.
Las aventuras de un camaleón en un poblado del Lejano Oeste al enfrentarse a los villanos, a los aves de rapiña, a mil desgracias, a su propio miedo...
Opinión.

Esto es un puñetazo sobre la mesa. Hacía mucho tiempo que no se veía una película de animación tan variada en sus influencias y objetivos. Rango combina a la vez un film de arte y ensayo, un ensayo filosófico sobre el más allá, una comedia salvaje, una colección de bellas fealdades. Verbinsky, un reputado director de cine comercial con aspiraciones de perennidad, aúna la voluntad de ruptura con los códigos tradicionales del género, la continuación de las reflexiones metafísicas sobre el infinito espacio/temporal que asomaban en su triunfal serie de Piratas del Mar Caribe, y la brutalidad clasicista de Tim Burton y los hermanos Coen. Y recubre este arriesgado cóctel con una pátina brillantísima de referencias cinéfilas al cine del Oeste, desde Río Bravo de Howard Hawks hasta El jinete pálido de Clint Eastwood; al cine negro de la Chinatown de Polanski; y al cine de animación, pues las aventuras del camaleón doméstico que naufraga en el desierto y descubre el verdadero significado de la amistad son en el fondo un homenaje sin rubor a Cars y Buscando a Nemo, a todas las historias de aventuras y aprendizaje. Desde la Odisea, toda gran novela y ahora toda gran película son la historia de un camino.

Aquí el camino es temporal tanto como espacial, pues el escenario, el pueblo, Dirt (Polvo), se esconde en el Desierto de Mojave como una reliquia de un pasado anclado en un siglo antes y que todavía se resiste a perecer, y encontrará un valiente escondido dentro del improbable falso héroe, el camaleón más feo y simpático al Oeste del Mississippi. Y le rodean un cúmulo de personajes arquetípicos, desde el alcalde malvado al pistolero con un particular código de honor, desde la chica solitaria hasta la pequeña que cree todavía en el retorno de Shane.

En suma, una sólida y arriesgada película para adultos tapada bajo una máscara de cine infantil de entretenimiento.

Fuentes:

AA.VV. La Butaca.Net.
Costa, Jordi. Un mal karma. "El País (4-III-2011).

Antonio Boix Pons, en Palma de Mallorca (22-III-2011).

Crítica de ‘El discurso del rey’ (The King’s Speech) (2010), de Tom Hooper.

2012-02-03T11:22:00.000-08:00

Crítica de ‘El discurso del rey’ (The King’s Speech) (2010), de Tom Hooper.

‘El discurso del rey’ (2010). The King’s Speech. Reino Unido. Género: Histórica y comedia dramática. Duración: 118 minutos. Dirección: Tom Hooper. Productora: UK Film Council / The Weinstein Company. Actores: Colin Firth (Alberto, rey Jorge VI), Geoffrey Rush (Lionel Logue), Helena Bonham-Carter (reina Elizabeth), Michael Gambon (rey Jorge V), Guy Pearce (rey Eduardo VIII), Derek Jacobi (Gordon Lang, arzobispo de Canterbury), Timothy Spall (Winston Churchill). Guión: David Seidler. Música: Alexander Desplat. Fotografía: Danny Cohen. Montaje: Tarik Anwar.

Trama.
El príncipe del Reino Unido debe aprender a hablar en público si quiere cumplir con su deber, y con más razón si puede convertirse en rey de la noche a la mañana...
Opinión.

La receta del éxito. ¿Cómo una película histórica barata, rodada en dos meses casi sin extras y con mínimos decorados, con un tema aparentemente banal como es la tartamudez de su personaje principal, ha podido ganar tantos premios y que haya consenso en que los merece?

Los productores, aquí un equipo colectivo y multinacional, escogen los mimbres con exquisito cuidado, y se ganan así su Oscar a la mejor película.

Se toma una buena historia de superación y de amistad más allá de las clases sociales en tiempos de hierro y sangre, y se construye un guión cuidadoso con los sentimientos, obra de David Seidler, tartamudo él mismo, honrado con un Oscar.

Se ficha un director con experiencia en el género, Tom Hooper, autor de excelentes adaptaciones de prestigio como John Adams y Elizabeth I, también premiado aquí con su Oscar.

Se selecciona un elenco de magníficos actores británicos, de esos que actúan con la facilidad de toda una vida de tablas, y aquí la lista es espectacular, destacando los inmensos Colin Firth, quien pese a la dura competencia de este año no desmerece su Oscar, para el que fue apuntado desde el principio como el máximo favorito con un personaje tan agradecido por sus limitaciones físicas y la hondura de su alma entregada al deber hacia su pueblo; Geoffrey Rush, quien vale para todo papel, desde el más contenido hasta el más histriónico, y que nos transmite todas las vueltas interiores del modesto logopeda; y Helena Bonham-Carter, tan sutil como delicada en sus matices de esposa abnegada, que prosigue su gran camino desde que nos enamoró por primera vez en Una habitación con vistas (1985).

Se suben además al carro grandes especialistas: en la fotografía un Cohen que consigue unas tonalidades como debían ser en aquel tiempo de 1936-1939, aunque en alguna crítica se le haya afeado su abuso del gran angular fotográfico, y en la música un Desplat aquí brillante a la vez que austero, y se cuidan sobremanera el sonido que es un apoyo especialmente valioso en un film de habla y silencio, el decorado tan escaso pero tan creíble, y así todos los factores que dan la impronta de una sólida factura técnica, como es marca del mejor cine británico.

Pero tantas veces estos ingredientes se han juntado y no han logrado grandes resultados, que debemos preguntarnos si no ha aparecido en El discurso del rey la magia del cine, esa que apareció por ejemplo en la Casablanca de Michael Curtiz y que ha tocado con su varita a muchas películas, sin duda dignísimas, pero que a priori nadie pensaba que ascenderían las cumbres. La naturaleza de esa magia permanece desconocida, es un misterio. Nadie conoce si la receta perfecta dará el mejor plato, y nos satisface constatar que en este film ha vuelto a producirse el milagro.

Fuentes:

AA.VV. [es.wikipedia.org/wiki/El_discurso_del_rey]

AA.VV. [Filmaffinity.com]

Belinchón, Gregorio. ‘El discurso del rey’, el triunfo del boca a boca. “El País” (26-II-2011).

Cavero, Ana. ‘Tu tartamudez es la del rey’. “El País” (6-III-2011).

Ocaña, Javier. Tartamudez en gran angular. “El País” (24-XII-2010).

Antonio Boix Pons, en Palma de Mallorca (6-III-2011).

Crítica de ‘Valor de ley’ (‘True Grit’) (2010), de los hermanos Coen.

2012-02-03T11:17:00.000-08:00

Crítica de ‘Valor de ley’ (‘True Grit’) (2010), de los hermanos Coen.

Valor de ley (True Grit) (2010). 110 minutos. Género: Drama. Dirección: hermanos Joel y Ethan Coen. Intérpretes: Hailee Steinfeld (Mattie Ross), Jeff Bridges (Rooster Cogburn), Matt Damon (LaBoeuf), Josh Brolin (Tom Chaney). Producción: Steven Spielberg y hermanos Coen. Guión y montaje de los hermanos Coen. Música: Carter Burwell. Fotografía: Roger Deakins.

Trama.
En el salvaje Oeste, en 1878, el padre de la niña de catorce años Mattie Ross ha sido asesinado de un disparo a sangre fría por su empleado, el cobarde Tom Chaney, y ella busca venganza dentro de los límites de la justicia divina y humana: hay que presentar al asesino ante un juez para que responda de sus crímenes ante Dios y la Ley. Consigue la ayuda de un alguacil, Rooster Cogburn, un borracho de gatillo fácil y de un ranger de Texas, LaBoeuf, estimulados por la recompensa, y pese a la renuencia de ambos los acompaña a través del territorio salvaje, plagado de delincuentes, para atrapar a Chaney. Su búsqueda será un camino bordeado continuamente por el peligro y la muerte, y constituirá el mejor aprendizaje de la vida, si sobreviven...

Opinión.
El Western siempre resucita. Género clásico donde los haya, está insertado en los genes del cine desde sus albores en Hollywood, y cada vez que lo han enterrado ha vuelto a salir de su tumba con renovada vitalidad, como recientemente han demostrado la excelente Rango de Gore Verbinsky y, sobre todo, esta inmensa Valor de ley, un remake que supera de largo (y confieso que antes de verla me parecía difícil) a la primera versión que Henry Hathaway dirigió en 1969 y que protagonizaba un mito crepuscular del género como John Wayne (que le valió un Óscar al mejor actor, aunque con un regusto de premio a toda su carrera).

Está basada en una novela de Charles Portis (reeditada en DeBolsillo, 2011, después de las versiones que Bruguera y luego Círculo de Lectores sacaron al mercado en 1969 y los años siguientes al rebufo de la versión fílmica). Portis (1933) es un excelente novelista especializado en la temática del Oeste entreverada de novela negra, algo que ha tocado a menudo otro escritor más eminente, nacido el mismo año, Cormac McCarthy (el novelista que inspiró la anterior película de los Coen, No es país para viejos). Lo que hace grande la literatura de ambos es que respetan los códigos de contar historias simples pero cargadas de un humor escéptico y corrosivo, ambientes realistas muy creíbles al servicio de atmósferas intimistas plenamente logradas, unos personajes tallados en seco de una sola pieza pero en todas sus aristas pues son siempre ambivalentes (los buenos tienen un lado tenebroso así como los malos mantienen un hálito de principios), huidas y persecuciones a caballo, tiroteos sangrientos, el camino como metáfora del aprendizaje épico de cómo vivir y morir... y todo ese cóctel es dignificado por una férrea voluntad de mostrar el antiguo Oeste como la raíz y un fiel reflejo nostálgico del presente estadounidense: racista, violento, casi genocida.

Lo mismo consiguen en este oscuro film los hermanos Joel (1954) y Ethan (1957) Coen, conocidos como ‘the two-headed director’ (el director bicéfalo). De origen judío, viven en Nueva York, pero su cine retrata más a menudo y mejor el horizonte sin fin y las pequeñas ciudades del auténtico y profundo EE UU, el mismo que veíamos en su mejor filmografia: el homenaje a James M. Cain de Sangre fácil (1984), Educando Arizona (1987), el mejor homenaje a Dashiell Hammett de Muerte entre las flores (1990), la experimental y demasiado incomprendida Barton Fink (1991), la horripilante maravilla de Fargo (1996), el homenaje, esta vez a Raymond Chandler, de El gran Lebowski (1997, aquí aparece Jeff Bridges), la farsa casi surrealista de O, Brother (2000) y la genial No es país para viejos (2007, aquí se incorporan a su equipo Josh Brolin y nuestro Javier Bardem, que ganó el Óscar al mejor actor secundario).

Es evidente que los Coen se adentran por primera vez en el Western para satisfacer su ansia de gran cine sin concesiones a la galería. En Valor de ley homenajean al Oeste tal como lo sueñan los cinéfilos: cruel y despiadado. Todo ser vivo, nada más penetrar en el seno del mundo salvaje, está marcado por una diana que pone ‘dispárame a matar’. No es extraño que apenas aparezcan indios, bisontes o animales comestibles. El hombre blanco los ha liquidado. Hasta los caballos sufren un constante peligro. Apenas sobreviven, y no impunes, las serpientes, porque son similares al hombre, hasta fundirse, travestirse con él, y esta metáfora es solo uno de los muchos hallazgos visuales de la pareja de directores. Estos han confiado en su equipo técnico habitual, lo que garantiza una fotografia, una música, una escenografía... admirablemente integradas en el conjunto. Y han echado el resto en el reparto. Damon y Brolin maduran convincentemente en sus papeles secundarios. Jeff Bridges y la debutante Hailee Steinfeld se encumbran en sus papeles principales: el primero está portentoso una vez más y la segunda es un descubrimiento justamente aireado por la crítica. Entre ellos hay la química justa entre lo viejo y lo joven, y cada palabra, gesto y mirada suyos aportan una medida lección de interpretación.

La tensión no decae jamás: la violencia, el dinero, la venganza, el instinto de supervivencia, la defensa de la propia dignidad (sí, incluso los villanos la atesoran, como ya se mostraba en Muerte entre las flores), mueven y agitan las vidas de los personajes hasta sus últimas consecuencias, llevados cada uno de ellos por la marea de la vida a ser fieles a su ineluctable destino, escrito bajo las estrellas que tachonan la última cabalgada, viaje desesperado para salvar una vida, al coste de otra. Al final, incluso los que sobrevivan quedarán tocados por el drama y aquellos días plenos de grandeza trágica serán su recuerdo más precioso, hasta que la huella de sus pasos sea borrada por el viento en la pradera.

Antonio Boix Pons, en Palma de Mallorca (2-IV-2011).

Crítica de ‘Las aventuras de Tintín. El secreto del unicornio' (2011), de Steven Spielberg.

2012-02-03T11:14:00.001-08:00

Crítica de ‘Las aventuras de Tintín. El secreto del unicornio' (2011), de Steven Spielberg.

Las aventuras de Tintín. El secreto del unicornio (2011). Duración: 107 minutos. Estados Unidos, Nueva Zelanda. Género: aventuras animadas. Dirección: Steven Spielberg. Producción: Peter Jackson, Kathleen Kennedy y Steven Spielberg. Guion: Steven Moffat, Edgar Wright y Joe Cornish, basado en los cómics de Hergé. Montaje: Michael Kahn. Dirección artística: Andrew Jones y Jeff Wisniewski. Música: John Williams. Intérpretes: Jamie Bell (Tintín), Andy Serkis (capitán Haddock), Daniel Craig (Sakharine), Nick Frost (Fernández), Simon Pegg (Hernández), Toby Jones (Silk), Mackenczie Crook (Tom), Daniel Mays (Allan), Gad Elmaleh (Ben Salaad), Joe Starr (Barnaby).

Trama.
El argumento funde varias historias de Hergé, principalmente El secreto del unicornio, El cangrejo de las pinzas de oro y avanza ligeramente El tesoro de Rackham el Rojo. Cuenta las aventuras de un periodista, su perro y un capitán borrachín, unidos en la búsqueda de un inmenso y legendario tesoro.
Opinión.

Fui al cine con mi familia con la ilusión de admirar una obra maestra pero al final constaté que Las aventuras de Tintín. El secreto del Unicornio, está lejos de serlo, pero entretanto había pasado una tarde entretenidísima, una de esas añoradas veladas con una pantalla luminosa que absorbe toda tu atención y te deja con la boca abierta, mientras que a tu alrededor, en la oscuridad, oyes el runrún de las palomitas y las risitas medio ahogadas de los niños. Y en los días siguientes lees los índices de espectadores y no te sorprende que la película ocupe destacada el primer lugar: es un producto extremadamente bien calculado para no defraudar al público masivo, para encantarlo y predisponerlo a volver a pasar por la taquilla en las otras dos producciones planificadas.

Pero si utilizamos una mirada crítica vemos algunos claroscuros.

Para comenzar hay un logro indudable, la gran mejora del método de captura de movimiento, ese que consiste en que el ordenador graba y guarda los rostros y los movimientos de los actores y eso se convierte en la base digital del cuerpo animado, que así gana en verosimilitud. Pero dudo que los actores puedan al día de hoy mostrar auténticos y logrados sentimientos humanos con este método, porque todavía hay frialdad en los rostros y mecanización en los movimientos corporales.

Vimos la versión en 2D, la todavía preferida por mi familia, aunque sé que la actual técnica de 3D permite acercarse a la utopía renacentista de la perpectiva perfecta, de una profundidad que pretendía aunar las opciones lineal (la que proyecta las líneas sobre un punto de fuga) y aérea (que capta la difuminación de formas y colores en la distancia), pero la versión tradicional me parece la más fiel al espíritu de la estética de Hergé (seudónimo del belga Georges Remi), que dibujaba sus escenas con colores planos y poco tonales, casi sin gradaciones de color, sin efectos de luz y sombra, de línea remarcada, con personajes de un naturalismo caricaturesco (en la película el más logrado en este sentido es Haddock), en suma con una cuidadosa austeridad formal, que encajaba en el gusto de su público (no olvidemos que la serie de 24 álbumes apareció entre 1929 y 1976 y se han vendido 200 millones de copias). En este sentido, esta película no deja de ser una traducción, y por ende traición, del cómic original.

Y de traición en traición, para los aficionados de la serie de Hergé lo es que se aglutinen personajes de diversos números ajenos a El secreto del unicornio, en especial El cangrejo de las pinzas de oro (donde aparecía el capitán Haddock) y sobre todo se inserten un tanto forzadamente dos personajes todavía ausentes en la serie, la soprano Bianca Castafiore (el único femenino de cierta importancia en el misógino mundo de Tintín) y el mayordomo Néstor del castillo de Moulinsart, como si no bastará con la pléyade de personajes y hubiera ya que presentar a los principales que vendrán en las siguientes dos partes, aunque todavía no aparece uno fundamental, el profesor Tornasol, que se reserva para la segunda, tal como ocurre en el cómic, El tesoro de Rackham el Rojo, pensada por Hergé para formar un díptico con El secreto del unicornio, un dúo que se alimenta de La isla del tesoro de Stevenson.

Sin duda el mundo de Hergé tiene suficiente creatividad para llenar muchos de los sueños de aventura de nuestra infancia, pero a Spielberg no le parece suficiente y nos llena su película de referencias cinéfilas a la serie Indiana Jones y a películas emblemáticas: las escenas iniciales se parecen a algunas filmadas por Stanley Donen en Charada, las escenas de Tintín y Haddock en el barco nos remiten a otras de Indiana en la primera y la tercera entregas de su serie, mientras que las peripecias en la ciudad de Aghar son sospechosamente similares a las del mismo Indiana en las calles de El Cairo, la huida de Tintín y Milú en sidecar es una copia de la de Indiana y su padre en la tercera parte, el ataque del hidroavión se nutre del que Hitchcock filma con Cary Grant en Con la muerte tras los talones, y podríamos proseguir con una decena de apropiaciones tan evidentes y remarcadas, casi anunciadas, que no puede caber duda de que son homenajes, la mayoría autohomenajes, muy estudiados, lo que despierta una instantánea sensación de dèja vu y de involuntario manierismo.

Dicho esto, podría parecer que el guion, con tales mimbres, sería perfecto, y sin duda la acción no decae, pero hay algunas debilidades en la trama: ¿por qué el asesinato inicial del policía si luego los malvados no utilizan la misma táctica? ¿por qué Tintín pasa para el malvado en un instante de ser intocable a ser objetivo mortal y unos minutos después vuelve a ser intocable si no ha variado en nada su situación? ¿por qué el mayordomo Néstor aparece en una escena como uno de los malvados y luego como uno de los buenos? Preguntas sin respuesta, que el guion deja en el aire, arrastradas por la vorágine de las persecuciones y las aventuras, la sucesión de peligros y sorpresas que casi no deja pensar al espectador, finalmente conquistado (mis hijas proclamaban que era la mejor película que habían visto jamás), pero ¿enamorado?

Fuentes:

AA.VV. LaButaca.net.

AA.VV. Wipikedia: Hergé. / Las aventuras de Tintín.

AA.VV. [www.tintin.com] [www.museeherge.com]

Ayuso, Rocío. Steven Spielberg / Cineasta. “El País” (28-X-2011) 46-47.

Boyero, Carlos. En busca del Tintín perdido. “El País” (28-X-2011) 46-47.

Antonio Boix, Palma de Mallorca (30-X-2011).

Este texto es una versión para blog del artículo de Boix Pons, Antonio. ‘Las aventuras de Tintín. El secreto del unicornio (2011) de Steven Spielberg. Sección ‘Películas’. “Octopus” RDCS, nº 11 (XI-2011) 57-61.

'In Memoriam': Elizabeth Taylor.

2012-02-03T11:04:00.001-08:00

'In Memoriam': Elizabeth Taylor.

Los periódicos de todo el mundo ponen en sus portadas la noticia de la muerte de Elizabeth Taylor. Es un inevitable renglón postrero en su vida pero no es el final de su mito. Parecía que nunca podía morir y en parte así es, porque su belleza permanece vívida en nuestra memoria, con la inquebrantable entereza de lo límpido y puro.

A mí me conquistó desde el primer instante, como esos amores imposibles e inevitables, cuando yo tendría apenas 10 años o menos. En un cine de barrio volvían a echar por enésima temporada Ivanhoe (1952), y mi madre nos llevó a verla, a ella más que a la película. Liz era la muchacha judía Rebeca, por cuyo amor luchaban hasta la muerte los caballeros interpretados (impecablemente) por Robert Taylor y George Sanders, y se ganaba la estima de Joan Fontaine (que cuatro años antes había estado sublime en Carta de una desconocida, otra de mis grandes favoritas) y por allí pasaban un rato algunos de mis héroes predilectos, Robin Hood y Ricardo Corazón de León. Todo estaba muy bien. La película merece la pena, porque su director, Richard Thorpe, nunca fallaba, y aún me emociona cada vez que vuelvo a verla.

No obstante, nuestros ojos estaban sobre todo pendientes de las apariciones de la gran diosa del cine y el papel couché, ya casada con Richard Burton (como se ve, casi todo se quedaba ya entonces entre actores británicos; parece que han nacido con un gen especial). Su brillante cabellera azabache, su cutis… todo cumplía con el ideal de la perfección. A nada de ella se le podía poner tacha.

Pero a mí me enamoraron sus ojos. No es sólo que fueran oscuros como el pecado y luminosos como la vida, sino que tenían la rara propiedad de verme a mí, de clavarse en mí. Luego, otros (y otras) me dijeron lo mismo, que sentían que esa mirada estaba dirigida a cada uno de ellos (y ellas). Esa mirada era realmente divina, porque era profundamente humana. Sus destellos reflejaban la vida, el tormento interior, la pasión. No le hacía falta hablar. Sin duda podría haber sido una gran estrella del cine mudo al igual que lo fue del sonoro.

Luego la vi en muchas películas, creo que las he visto todas, y en ninguna estaba mal. Tal vez no era una gran actriz de método, de esas que se sumergen en sus personajes y acaban hablando chino mejor que los chinos (lo que tiene su mérito, no lo niego), pero había papeles en los que encajaba como un guante, y casi siempre supo escogerlos. Después se retiró. El cine es más cruel con las mujeres. Pero su mirada nunca se marchitó y creo que ella lo sabía y le bastaba para ser razonablemente feliz.

Gracias, querida Liz, por mirarnos.

Antonio Boix Pons, en Palma de Mallorca (24-III-2011).

Obituario de Sidney Lumet (1924-2011).

2012-02-03T11:02:00.000-08:00

Obituario de Sidney Lumet (1924-2011).
Ha fallecido Sidney J. Lumet (Filadelfia, 25-VI-1924-Nueva York, 9-IV-2011), de origen judío, un gran director estadounidense de televisión, teatro y cine. Comenzó como director de programas de ficción en los primeros tiempos de la televisión, desde 1950, para pasar a dirigir filmes de un cine realista de corte clásico y transparente contenido moral. La primera televisión, como los mejores comentaristas de cine han insistido, fue la mejor cantera de una generación excepcional de cineastas comprometidos, como Frankenheimer, Mulligan, Pakula, Penn, Pollack, Ritt y el mismo Lumet.

Comenzó su carrera cinematográfica con Doce hombres sin piedad (1957), retrato magnífico de la institución democrática del jurado y por elevación del falible sistema judicial de su país. A continuación según muchos obituarios habría dirigido Todos los hombres del rey, pero es un error: el film lo dirigió Robert Rossen en 1949. Lumet siguió con la adaptación de Arthur Miller Panorama desde el puente (1961), Larga jornada hacia la noche (1962), la rememoración de las consecuencias del Holocausto en El prestamista (1964), las desasosegantes y antibelicistas Punto-limite (1964) y La colina (1965), la desolada ‘película negra’ de Serpico (1973), La ofensa (1973) con la mejor actuación de toda la carrera de Connery, la famosa pero menor Asesinato en el Orient Express (1974), la impresionante Tarde de perros (1975), la corrosiva Network (1976) beneficiada de un magistral guión de Paddy Chayefsky, Equus (1977), la inclasificable El mago (1978), El príncipe de la ciudad (1981), el retorno al juzgado de Veredicto final (1982), para entrar en una evidente y progresiva, aunque siempre digna, decadencia en filmes como A la mañana siguiente (1986), Negocios de familia (1989), Distrito 34: corrupción total (1990), Una extraña entre nosotros (1992), El abogado del diablo (1993) o La noche cae sobre Manhattan (1997), hasta su canto del cisne de Antes que el diablo sepa que has muerto (2007). Recibió en 2004 un Óscar honorífico por toda su carrera.

Fuentes:

AA.VV. Sidney Lumet. Wikipedia.

Altares, Guillermo. Queda la conciencia implacable. “El País” (10-IV-2011) 42-43.

Berkvist, Robert. Sidney Lumet, Director of ‘Serpico’, Dies at 86. “The New York Times” (9-IV-2011).

Loriga, Ray. La esquina del dolor. “El País” (10-IV-2011) 43.

Ocaña, Javier. El gran Lumet menos conocido. “El País” (10-IV-2011).

Urbizu, Enrique. Antes que el diablo… “El País” (10-IV-2011) 42.

Crítica de ‘Súper 8’ (2011), de J. J. Abrams.

2012-02-03T11:00:00.000-08:00

Crítica de ‘Súper 8’ (2011), de J. J. Abrams.

Súper 8 (2011). EE UU. Género: Comedia dramática y ciencia-ficción. Duración: 112 minutos. Dirección: J. J. Abrams. Intérpretes: los chicos Joel Courtney, Elle Fanning, Riley Griffiths, Ryan Lee, Gabriel Basso y Zach Mills; y los adultos Kyle Chandler, Ron Eldard, Noah Emmerich, David Gallagher. Guión: J. J. Abrams. Producción: Steven Spielberg. Montaje: Maryann Brandon, Mary Jo Markey. Fotografía: Larry Fong. Música: Michael Giacchino.

Trama.
En 1979, en una época de crisis económica, seis niños de un pueblo siderúrgico de Ohio realizan una película casera de ‘zombies’ en formato Súper 8 para presentarla en un festival ‘amateur’. Mientras la graban un tren descarrila y algo sale de un vagón, lo que inicia unos hechos sorprendentes, desde robos y desperfectos sospechosos hasta desapariciones de personas. El ayudante del sheriff, Jackson Lamb, y su hijo Joe sufren por la añoranza de un ser querido, al tiempo que investigan los hechos y los chicos protagonistas se enfrentan a sus miedos y a sus primeras experiencias como adolescentes, como la primera vocación y el primer amor.
Opinión.
Súper 8 no será reconocida como una película fundamental en su género, pero sin ser genial sí tiene suficientes momentos notables para merecer su visión, pues se alimenta del mejor cine de fantasía y ciencia-ficción de la factoría de Hollywood: E. T., el extraterrestre, Encuentros en la tercera fase, Los Goonies (1985), de Richard Donner, La guerra de los mundos…, incluso con referencias a filmes desde Llegó del más allá (1953) de Jack Arnold, hasta Monstruoso (2008), de Matt Reeves, que producía Abrams; e incluso con desenfadadas apelaciones a La noche de los muertos vivientes y otros filmes de zombis, como si quisiera que no olvidáramos los fluctuantes límites entre el bien y el mal. Esto no es de extrañar dado que su productor es el gran Steven Spielberg, que domina los mejores ingredientes de este género, los que han jalonado nuestros sueños de juventud desde finales de los años 70. Aquí, Spielberg logra producir un trasunto más tenebroso de sus Goonies, un reverso no del todo oscuro.

El director, J. J. Abrams (Nueva York, 1966), se alimenta a su vez de ese cine explorador de lo misterioso y lo desconocido, que despuntaba y él contemplaba cuando tenía justamente la edad de los protagonistas de este film. Se nutre también de lo mejor que ya mostraba en su serie de culto Perdidos, en mi opinión demasiado sobrevalorada a partir de la segunda temporada pero que mantenía siempre una cierta dignidad en medio de su creciente exageración efectista, y en especial mantiene su rara habilidad para mostrarnos que los monstruos exteriores son a menudo solo el espejo de nuestros sueños y pesadillas. Y aquí supera alguna carencia anterior, pues es capaz de mostrarnos con poética contención en varias ocasiones la profundidad y complejidad de las emociones de unos pocos personajes bien elegidos.

Los intérpretes son excelentes, siempre creíbles en su contención y en sus medidos excesos, trabajando como un coro bien engrasado al servicio de la película. Los chicos, justo al inicio de su adolescencia y muy prometedores, bordan sus papeles, matizándolos con acierto y una cuidadosa elipsis. Y los mayores muestran un notable encaje en sus personajes, lo que era de esperar dada su veteranía: Kyle Chandler (Ultimátum a la tierra), Ron Eldard (Ghost Ship), Noah Emmerich (El show de Truman).

En suma, una película muy recomendable, enfocada al gran público, a mi juicio una de las mejores de este verano que ha ofrecido filmes por encima de la media veraniega de los últimos años, como si la crisis económica hubiera espoleado el ingenio creativo de los cineastas. Que dure.

Fuentes:

AA.VV. Wikipedia.

Bas, Borja. Vuelve el (buen) cine de los 80. “El País” (16-VIII-2011) 37-39.

Boyero, Carlos. Spielberg y Abrams: cóctel de lujo. “El País” (19-VIII-2011) 48.

Antonio Boix, Palma de Mallorca (29-VIII-2011).

Crítica de ‘Hanna’ (2011), de Joe Wright.

2012-02-03T10:54:00.001-08:00

Crítica de ‘Hanna’ (2011), de Joe Wright.

Hanna (2011). 111 minutos. EE UU / Reino Unido. Género: Thriller fantástico. Dirección: Joe Wright. Intérpretes: Saoirse Ronan (Hanna), Eric Bana (Erich Keller), Cate Blanchett (Marissa Wiegler), Tom Kellerman (Isaacs), Jessica Barden (Sophie), Olivia Williams (Rachel), Jason Flemyng (Sebastian). Producción: Leslie Holleran y Scott Nemes. Guión: David Farr y Seth Lochhead. Montaje: Paul Tothill. Música: The Chemical Brothers. Fotografía: Alwin Küchler.

Hanna, una muchacha de 16 años, es criada en perfecto aislamiento, salvo por una enciclopedia y un libro de cuentos de hadas, desde su infancia por su padre, Erich Keller, un ex agente de la CIA, en el salvaje y helado norte de Finlandia hasta convertirla en una cazadora asesina, preparada para desempeñar una misión: saldar cuentas con su archienemiga Marissa Wiegler. Cuando Hanna sea arrojada al mundo comenzará una persecución despiadada en la que los papeles de cazadora y presa se confunden inextricablemente, al tiempo que la joven aprende que la fantasía de cuento de hadas de su infancia encubre un sinfín de relato aterradores en la realidad. Un camino jalonado de peligros mortales tanto para ella como para cuantos la rodean y aman servirá a esta heroína malgré elle como vía de aprendizaje de la vida y de sus límites, en contacto con su fugaz amiga Sophie y la familia de esta.

El londinense Joe Wright (1972) es un director de carrera irregular, pero dotado de genuino talento para el retrato del alma humana, capaz de realizar obras notables como Orgullo y prejuicio (2005), semifallidas pero interesantes como Expiación - Más allá de la pasión (2007), chascos notorios como El solista (2009), y esta excelente Hanna, su obra más rica en matices y hallazgos visuales y temáticos, un tan lúdico como desasosegante tour de force que abre nuevos caminos al cine de acción, saliendo de los estrechos cauces fijados por el arrollador éxito de la serie Bourne. Si no la supera es en gran medida por ciertos altibajos del guión, que incurre en ocasiones en largos excesos melancólicos, varias presentaciones de personajes eludibles o directamente increíbles, y unas elipsis demasiado forzadas; y el desajuste en algún momento de la tronante música de The Chemical Brothers, impactante y apropiada, eso sí, durante la mayor parte del metraje.

La actriz principal, Saoirse Ronan, nacida en 1994 en Nueva York aunque afincada en Irlanda, es una emergente actriz juvenil de raro talento, capaz de encandilar a directores tan reconocidos como Peter Weir (Camino a la libertad) y Peter Jackson (The lovely bones), y Joe Wright, que ya la había seleccionado como la preadolescente Briony Tallis, la hermana menor de Keira Knightley que la conduce a la destrucción en Expiación. El resto de actores, muchos justamente bien conocidos, cumple sobradamente con sus papeles, destacando Blanchett en un papel de malvada al que se ajusta como un guante, aparentemente sin esfuerzo, con ese punto de ironía que ya habíamos visto en la cuarta parte de Indiana Jones.

La crítica ha coincidido inevitablemente en que las fuentes de inspiración de Hanna, un thriller tan demoledor como angustioso, son los cuentos fantásticos de los hermanos Grimm en el pasado más remoto y la monumental trilogía de Bourne en el más reciente, pero se puede añadir, sin miedo al ridículo, el mito de Superman (la cabaña perdida en la tundra finlandesa como sugerente metáfora de la Fortaleza de hielo, donde el héroe, aquí la heroína, se prepara solitaria para su advenimiento al mundo exterior) y la feroz Will Kill de Tarantino.

En suma, un logrado y muy interesante film.

Antonio Boix Pons, en Palma de Mallorca (11-VI-2011).

Fuentes:

Costa, Jordi. Violencia de ‘rave-party’. “El País” (10-VI-2011) 41.

Focus. Entrevista Joe Wright (9-VI-2011). [Decine21.com]

Otero, Brenda. Inocencia mortal. “El País” EP3 306 (10-VI-2011) 5.

'Un método peligroso' (2011), de David Cronenberg.

2012-02-03T10:52:00.000-08:00

'Un método peligroso' (2011), de David Cronenberg.

Un método peligroso (2011). A dangerous method. Gran Bretaña, Alemania, Canadá y Suiza. Género: drama. Duración: 99 minutos. Dirección: David Cronenberg. Intérpretes: Viggo Mortensen (Sigmund Freud), Michael Fassbender (Carl Jung), Keira Knightley (Sabina Spielrein), Vincent Cassel (paciente). Guión: David Cronenberg adapta la obra teatral de Christopher Hampton, basada en un libro de no ficción de John Kerr. Música: Howard Shore. Fotografía: Peter Suschitzky. Montaje: Ronald Sanders.
Trama.
Una historia de iniciación sexual e intelectual basada en acontecimientos reales: la relación entre el joven psiquiatra Carl Jung, su mentor Sigmund Freud y Sabina Spielrein, además de un transgresor paciente decidido a superar los límites.

Opinión.

Un film muy alabado por la crítica y con cierto éxito de público, pese a la dificultad de una acabada comprensión debido a sus múltiples capas de lectura, y a la dureza, crueldad incluso, de las imágenes, señas de identidad casi siempre de David Cronenberg (Toronto, 1945), un director afamado e inimitable por su cine intelectual, que explora inmisericorde los abismos del ser humano, la tensión entre deseo y razón que se transforma en conflictos del alma, como hizo en Inseparables (1988) o en Crash (1996), y con la austeridad formal, propia de un frío cirujano del cine, de otros filmes como M. Butterfly (1993) o Spider (2002).

Fuentes.

Antier, Jean-Jacques. Jung o la experiencia de lo sagrado. Kairós. Madrid. 2011. 384 pp. Reseña de Barrios Casares, Manuel. “El Cultural” (25-XI-2011) 19. El libro narra, entre otros, los hechos de la película.

Belinchón, Gregorio. Entrevista. David Cronenberg / Director. ‘No creo que necesite psicoanálisis’. “El País” (25-IX-2011) 58.

Boyero, Carlos. David Cronenberg lleva al Lido su perturbador retrato de Freud y Jung. García, Toni. El psicoanálisis es un cachondeo. “El País” (3-IX-2011) 38.

Calvo, Alejandro G. Freud versus Jung. “El Cultural” (25-XI-2011) 44-46.

Costa, Jordi. De la carne y la psique. “El País” (25-IX-2011) 58.

La programación de cine de La 2 para el año 2012 promete películas interesantes.

2012-02-03T10:32:00.001-08:00

La programación de cine de La 2 para el año 2012 promete películas interesantes.

El canal público 'La 2' se ha especializado desde hace tiempo en el cine y ha programado para 2012 una interesante cartelera, con una especialización de los días de la semana.

El lunes se reserva para las películas europeas de calidad: La vida en Rosa (ganadora de dos Oscar en 2007, entre ellos el de mejor actriz que se llevó Marion Cotillard), Bienvenidos al norte (la cinta francesa más taquillera), Cinema Paradiso (la mejor película de habla no inglesa en los Oscar de 1989).

Los martes, en Versión española, se dedican al cine español: Territorio comanche, Mentiras y gordas o Todas las canciones hablan de ti.

Los miércoles son para el cine clásico más famoso: Casablanca, Gilda, o Dos cabalgan juntos, Doctor Zhivago o La jauría humana.

Los jueves en Cinefilia se dedican al cine americano: El cabo del miedo de Martin Scorsese, Las vírgenes suicidas de Sophia Coppola, o Esencia de mujer de Martin Brest.

Los viernes se consagran a documentales de calidad: Speer y Hitler, el engaño, y obras más cortas.

Los sábados, en De qué se ríen los europeos, se pasarán comedias europeas de los últimos años: La cena de los idiotas, Pequeñas mentiras sin importancia, Cuatro bodas y un funeral o Vacaciones de ferragosto.

Los domingos, en cambio, se emiten diversos programas culturales, desde teatro a documentales.

Fuentes.
Gómez, Rosario R. La 2 abre un espacio para las grandes comedias europeas. “El País” (7-I-2012) 61.

'El topo' (2011), de Tomas Alfredson.

2012-02-03T10:27:00.001-08:00

'El topo' (2011), de Tomas Alfredson.

El topo (2011). Reino Unido. Género: thriller, drama de espionaje. Duración: 127 minutos. Dirección: Tomas Alfredson. Intérpretes: Gary Oldman, Colin Firth, Tom Hardy, Ciaran Hinds, John Hurt, Toby Jones, Mark Strong, Benedict Cumberbatch. Guión: John le Carré y Peter Straughan. Fotografía: Hoyte Van Hoytema. Música: Alberto Iglesias. Montaje: Dino Jonsäter. Trailer: [http://www.youtube.com/watch?v=9tPFqtI9FlI]
Trama.
El veterano espía George Smiley, prematuramente retirado del servicio británico, debe volver para desempeñar su tal vez última misión.
Opinión.
El danés Alfredson, el director de la aclamada pélícula de terror Déjame entrar, logra otra vez una obra magistral, como le reconoce la crítica. Se basa en las admiradas novelas de John Le Carré y cuenta con grandes interpretaciones de todo el elenco, escogido entre lo mejor del teatro y el cine británicos, con un Oldman más contenido que nunca en su carrera. La partitura del español Alberto Iglesias ha sido merecidamente nominada al Oscar y llama la atención por su rigor conceptual, sin florilegios espectaculares, enfatizando una historia morosa y dramática.
Fuentes.

Boyero, Carlos. Los disfraces de la traición. “El País” (23-XII-2011) 57.
Muñoz Molina, Antonio. Volviendo a John le Carré. “El País” Babelia 1.049 (30-XII-2011) 7. Una proclama de su admiración con motivo del film El topo.

García, Rocío. Entrevista. Alberto Iglesias / Músico. ‘El miedo también me inspira’. “El País” (31-I-2012) 40. El compositor español recibe una nominación al Oscar por su partitura de El topo.

El 29 Festival Internacional de Cómic de Angulema (2012).

2012-02-03T10:09:00.000-08:00

El 29 Festival Internacional de Cómic de Angulema (2012).

Cartel del 'Festival International de la Bande Dessinée d'Angoulême'.

Hermoso, Borja. Tebeos celtibéricos en Angulema. “El País” (27-I-2012) 37. Se abre el 'Festival International de la Bande Dessinée d'Angoulême', esto es el 29 Salón del Cómic en la ciudad francesa de Angulema, el más importante del mundo, con España como país invitado. Hermoso escribe un alegato en defensa del valor cultural del cómic: ‹‹Angulema, que celebra hasta el domingo el guateque número 39 de su ya larga historia en viñetas, simboliza como pocos lugares (Lucca, Barcelona, San Diego...) el auge de lo que algunos llamaron el noveno arte a nivel mundial. Desde los mangas japoneses hasta los superhéroes estadounidenses y desde la maestría ya clásica de Moebius hasta los nuevos ilustradores españoles, el avance de la industria del cómic responde a aquellas tres aseveraciones de manera radical, desmintiéndolas de entrada. No es (solo) para niños, es un género con una historia de más de un siglo y una dilatada galería de clásicos, es objeto de subastas millonarias en Internet y de tiradas millonarias en países como Francia, Bélgica o Italia (por no hablar de los mencionados EE UU y Japón) y solo hay que leer el magnífico tratado El cómic como arte secuencial publicado en 1985 por el maestro Will Eisner para caer en la cuenta del valor del tebeo en tanto que cultura e industria.›› Ver también [www.bdangouleme.com].

Noticias de Cine. Personajes (2012).

2012-02-03T10:01:00.000-08:00

Noticias de Cine. Personajes (2012).

Ayuso, Rocío. Federica Sagor Maas, guionista de cine mudo. “El País” (22-I-2012) 44. Federica Sagor Maas (1900-2012), falleció a los 111 años. Sus textos lanzaron la carrera de varias estrellas del cine mudo.

Hermoso, Borja. Entrevista. Vincent Cassel. ‘El actor que se crea eterno es ridículo’. “El País” Semanal 1.843 (22-I-2012) 20-25.

Fernández Santos, Elsa. El cine pierde aliento poético. “El País” (26-I-2012) 41. Guerra, Tonino. La inspiración en el pasado (41). Fallece el director de cine griego Theodoros (Theo) Angelopoulos (Atenas, 1936-2012).

Galán, Diego. Obituario. Luis Sanz, intuitivo productor cinematográfico. “El País” (27-I-2012) 46.

Aguayo, Andrés. Los primeros españoles de Hollywood. “El País” Semanal 1.845 (5-II-2012) 48-55.

Panadero, David G. ‘In memoriam’. Carlos Pérez Merinero, contra casi todo el mundo. “El País” (10-II-2012) 48. Carlos Pérez Merinero (Écija, 1950-2012), crítico de cine (con su hermano David), guionista de cine con filmes como Amantes (1991) y La buena estrella (1997), y sobre todo autor de novela negra (muy erótica) desde 1981, con Días de guardar y El ángel triste, hasta la última, La niña que hacía llorar a la gente.

'The Immortals' (2011), de Tarsem Singh.

2012-02-03T09:58:00.000-08:00

'The Immortals' (2011), de Tarsem Singh.

The Immortals (2011). EE UU. Género: fantasía. Duración: 120 minutos. Dirección: Tarsem Singh. Intérpretes: Henry Cavill, Mickey Rourke, Freida Pinto, John Hurt, Luke Evans, Stephen Dorf. Guión: Charles Parlapanides y Vlas Parlapanides. Fotografía: Brendan Galvin. Música: Trevor Morris.

Trailer: [http://www.youtube.com/watch?v=8yCOm1uUE4o]
Trama.
Hah una eterna guerra entre los dioses y los semidioses. El héroeTeseo se enfrenta a un rey malvado que pretende liberar a los Gigantes y destruir el mundo.
Opinión.
Es un filme muy entretenido para un público joven, pero con escaso conocimiento de la mitología griega, que aquí es deformada en el guión hasta lo inverosímil, aunque no se le puede negar que sorprenda y cierta lógica del género fantástico. Pero ciertamente hay algunas interpretaciones notables (Rourke y Hurt especialmente), el ritmo narrativo es muy vivo y, sobre todo, la fotografía es preciosista, de una estética manierista, un hallazgo visual infrecuente en las películas 'peplum'. No sorprende pues que haya obtenido unos excelentes resultados comerciales en muchos países.
Fuentes.

Costa, Jordi. El ocaso de los dioses. “El País” (23-XII-2011) 60. El crítico destaca que la película tiene una declarada voluntad de ser una obra maestra del género de aventuras fantásticas, con arrolladores efectos especiales y una belleza cinematográfica muy cuidada.

'Salvar al soldado Ryan' (1998), de Steven Spielberg.

2012-02-02T13:47:00.000-08:00

'Salvar al soldado Ryan' (1998), de Steven Spielberg.

Salvar al soldado Ryan (1998). Save private Ryan. EE UU. Género: drama bélico. Duración: 162 minutos. Dirección: Steven Spielberg. Intérpretes: Tom Hanks, Tom Sizemore, Edward Burns, Matt Damon, Barry Pepper, Adam Goldberg, Jeremy Davies, Leland Orser, Paul Giamatti, Vim Diesel, Giovanni Ribisi, Denis Farina, Ted Danson, Joerg Stadler. Guión: Robert Rodat. Música: John Williams. Fotografía: Janusz Kaminski. Montaje: Michael Kahn.

Trama.

Un pelotón americano desembarca en la playa de Omaha en Normandía y se adentra en el infierno de la guerra. Unos días después reciben una misión aparentemente imposible: deben rescatar a un soldado, el último hermano superviviente de una familia, y devolverlo a la retaguardia. Será la misión más difícil y trágica de sus vidas.

Opinión.

Una de las mejores películas de la historia del cine bélico, ideal para ilustrar a los alumnos sobre el horror que la II Guerra Mundial significó para los soldados y los civiles. Spielberg nos muestra con unos medios abrumadores e imágenes impactantes, que no esconden la crueldad y la sangre, la realidad de la guerra en primerísimo plano, deslizando en una progresión implacable de abrumadora fuerza visual y vivísimo ritmo narrativo un mensaje desolador sobre la monstruosidad de matarse los unos a los otros. Y, no obstante, se atreve a interpone un suave velo, una poesía visual y musical para los momentos de solidaridad y humanidad que rescatan al hombre. Tom Hanks borda uno de sus mejores papeles, rodeado de un reparto amplísimo y grandioso en excelencia.

Fuentes.

[www.filasiete.com/criticas/salvar-al-soldado-ryan]

AA.VV. Wikipedia.

'Conspiración de silencio' (1955), de John Sturges.

2012-02-02T13:35:00.000-08:00

'Conspiración de silencio' (1955), de John Sturges.

Conspiración de silencio (1955). Bad day at Black Rock. EE UU. Género: thriller y drama. Duración: 80 minutos. Dirección: John Sturges. Intérpretes: Spencer Tracy, Robert Ryan, Ernest Borgnine, Lee Marvin, Anne Francis, Dean Jagger, Walter Brennan, John Ericson, Walter Sande. Guión: Millard Kaufman. Música: André Previn. Fotografía: William C. Mellon. Montaje: Newell P. Kimlin.

Trama.

Un hombre (Tracy), maduro y manco, se baja del tren en un pueblo perdido en el desierto. Viene a dar una medalla al padre del soldado de origen japonés que le salvó la vida en la guerra y murió después. Nadie le da razón de su paradero y él investiga…

Opinión.

Una de las mejores películas antirracistas de los años 50, ejemplar del cine comprometido de Sturges (Duelo de titanes, El último tren a Gun Hill, Los siete magníficos o La gran evasión) y Tracy (recordemos su portentosa Furia). Con una estética de western y un elenco magnífico aborda el silenciado tema de la tragedia de la población norteamericana de origen japonés, que sufrió las iras racistas durante la II Guerra Mundial.

Fuentes.

[www.imdb.es/title/tt0047849/fullcredits#writers]

AA.VV. Wikipedia.

'No habrá paz para los malvados' (2011), de Enrique Urbizu.

2012-02-02T13:23:00.000-08:00

'No habrá paz para los malvados' (2011), de Enrique Urbizu.

José Coronado en la primera escena de acción.

No habrá paz para los malvados (2011). España. Género: thriller policíaco. Duración: 104 minutos. Dirección: Enrique Urbizu. Intérpretes: José Coronado, Rodolfo Sancho, Helena Miquel, Juanjo Artero, Pedro María Sánchez, Nadia Casado, Younes Bachir, Karim el Kerem, Abdel Ali, El Aziz, Nasser Saleh, Juan Pablo Schuck, Eduard Farelo. Guión: Michel Gaztambide y Enrique Urbizu. Música: Mario de Benito. Fotografía: Unax Mendía. Montaje: Pablo Blanco.

Trama.

Un policía corrupto, Santos Trinidad, en pleno descenso a los infiernos, se involucra en unos asesinatos por una cuestión de drogas y en su afán de liquidar a un testigo que puede incriminarle se adentra por azar en un caso mucho más importante, que afronta como su última oportunidad de redimirse de lejanas culpas que le atormentan, mientras una juez va estrechando el cerco sobre él…

Opinión.

Urbizu y Coronado logran de nuevo, tras el milagro de La caja 507 un filme superlativo, el primero con un pleno dominio de los recursos narrativos del cine realista, apoyado en un equipo magnífico, y el segundo con una interpretación genial, de esas que le costará desprenderse porque marca a un actor con la máscara de su oscuro personaje de un modo indeleble. El cine español del género negro pocas veces ha alcanzado un estadio tan brillante como en las películas que unen a estos dos artistas.

Fuentes.

[www.filmaffinity.com/es/film546051.html]

AA.VV. Wikipedia.

Boyero, Carlos. La creíble y magnética negrura de Urbizu. “El País” (18-IX-2011).

Un especial sobre Berlanga en “El Cultural” (2011).

2012-02-02T08:32:00.000-08:00

Un especial sobre Berlanga en “El Cultural” (2011).

Se ha publicado, en ocasión del primer aniversario de su fallecimiento, un especial sobre Luis García-Berlanga (1921-2010), en “El Cultural” en el que hay varios artículos muy estimables sobre este genio del cine español, en sus facetas de director y guionista.

Escena de ¡Bienvenido, Mister Marshall!

AA.VV. Especial Berlanga. “El Cultural” (10-VI-2011) 50-57. Artículos de:

Heredero, Carlos E. Berlanga a los 90. Ternura y vitriolo (51).

AA.VV. Diez directores, 10 películas (52-54).

Reviriego, Carlos. Los linajes del maestro (54-55).

Castro de Paz, José Luis. Crispación ética y violencia formal (56).

Marsh, Steven. Cosmopolita y ‘nuestro’ (57).

'Misión Imposible 4: Protócolo fantasma' (2011), de Brad Bird.

2012-02-02T08:18:00.000-08:00

'Misión Imposible 4: Protócolo fantasma' (2011), de Brad Bird.

Misión Imposible 4: Protócolo fantasma (2011). Mission Impossible. Ghost Protocol. EE UU y Emiratos Árabes Unidos. Género: thriller. Duración: 133 minutos. Dirección: Brad Bird. Intérpretes: Tom Cruise (Ethan Hunt), Jeremy Renner, Simon Pegg, Paula Patton, Josh Holloway, Michael Nyqvist, Tom Holliday. Producción: J. J. Abrams, Bryan Burke y Tom Cruise. Guión: Josh Appelbaum y André Nemec, basado en un argumento de J. J. Abrams y Tom Cruise. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Robert Elswit. Montaje: Paul Hirsch. Diseño de producción: James D. Bissell. Vestuario: Michael Kaplan.
Trama.
Los protagonistas deben enfrentarse a una conspiración internacional para desencadenar la III Guerra Mundial, tachados de traidores y perseguidos por todos los servicios de inteligencia, amigos y enemigos. Solos ante el peligro.
Opinión.
Tal vez la mejor obra de esta serie tan irregular, aúna el sentido del espectáculo y una contención inusual en los actores en flimes de este género. Pero adolece de cierta falta de tino en el ritmo: el constante in crescendo de las escenas de acción, exigentes al límite de lo imposible, ocasiona que al final se pierda credibilidad y se vean como un ejercicio manierista de efectos especiales. Y su sentido del humor, al principio sanamente irónico, acaba por ser autoparódico.

Fuentes.
Costa, Jordi. El qué y el cómo. “El País” (16-XII-2011) 50. La alaba con moderación, como buen ejemplo de cine-espectáculo.

'Katmandú, un espejo en el cielo' (2011), de Icíar Bollaín.

2012-02-02T08:12:00.000-08:00

'Katmandú, un espejo en el cielo' (2011), de Icíar Bollaín.

Katmandú, un espejo en el cielo (2011). España. Género: biografía y drama. Duración: 114 minutos. Dirección y guión: Icíar Bollaín. Intérpretes: Verónica Echagüe, Sumyata Battarai, Norbu Tsering Gurung. Música: Pascal Gaigne. Fotografía: Antonio Riestra. Montaje: Nacho Ruiz Capillas.

Trama.

El filme se basa en la biografía de la maestra Vivky Subirana, y nos narra la aventura de Laia, una joven maestra catalana, que decide instruir a los niños de unas pobres aldeas del Nepal y esa experiencia cambia su vida hacia un compromiso con la Humanidad y el amor.

Opinión.

La cineasta Icíar Bollaín (1967) cumple con Katmandú, un espejo en el cielo treinta años de carrera, iniciada como actriz en El Sur (1983), de Víctor Erice, pero conocida sobre todo como directora de una selecta filmografía: Hola, ¿estás sola? (1995), Flores de otro mundo (1999), Te doy mis ojos (2003), Mataharis (2007), También la lluvia (2010). Sus filmes muestran una evolución, confirmada en Katmandú, hacia un cine de una estética austera, despojada de elementos superfluos, al servicio de unas historias intimistas que podrían llamarse de ‘cine femenino’ (tiene su público más numeroso y fiel en este género).

Fuentes.

Sánchez-Mellado, Luz. Entrevista. El viaje de Iciar. “El País” Semanal 1.842 (15-I-2012) 28-35. La directora cuenta: ‹‹Yo voy al cine buscando emoción: risa, miedo, compasión, y supongo que eso es lo que quiero ofrecer con mis películas.››
Boyero, Carlos. ¡Ay, las buenas intenciones! “El País” (3-II-2012) 39. Una película comprometida, pero fallida. "Tengo la horrorosa sensación de adivinar lo que dirán los personajes".

Selección de filmes. 'Watchmen' (2009), de Zack Snyder. Los superhéroes vueltos del revés.

2012-02-02T07:40:00.001-08:00

Selección de filmes. 'Watchmen' (2009), de Zack Snyder. Los superhéroes vueltos del revés.

Watchmen (2009). Género: acción y fantasía. EE UU / Gran Bretaña / Canadá. Duración: 163 minutos. Dirección: Zack Snyder. Intérpretes: Patrick Wilson, Carla Gugino, Jackie Earle Haley, Malin Akerman, Billy Crudup, Matthew Goode, Jeffrey Dean Morgan, Matt Frewer. Guión: Alex Tse, David Hayter. Música: Tyles Bates. Fotografía: Larry Fong. Montaje: William Hoy.

Trama.
En la realidad ucrónica de un EE UU de 1985 gobernado por Nixon, y bajo la amenaza inminente de que la Guerra Fría dé paso a la III Guerrra Mundial, la muerte de un superhéroe, ‘El comediante’, provoca que su amigo Rorschach, el único héroe enmascarado que queda en activo, inicie una investigación que le llevará a reencontrar a sus compañeros con la misión de salvar el mundo… o destruirlo.

Opinión.
Snyder respeta en esta adaptación la letra y el espíritu del famoso cómic del guionista Alan Moore (Northampton, Reino Unido, 1953) y el dibujante Dave Gibbons, editado en 12 números en 1986-1987. Realiza una interesantísima deconstrucción, una implacable vuelta del revés de los grandes iconos populares para mostrarnos su rostro más amargo y oscuro, y a la vez desarrolla un impecable ejercicio de estética cinematográfica, repleto de hallazgos visuales (por ejemplo el maravilloso Marte) y de un ritmo original, que se mueve entre lo nervioso y lo moroso en una cadencia hipnótica.

Fuentes.

AA.VV. [Filmaffinity.com/es].

Grau, Abel. Los secretos de ‘Watchmen’. “El País” (5-III-2009). El volumen Watching the Watchmen muestra la génesis del cómic que cambió el género superheroico. El artículo adjunta imágenes de dibujos de Gibbons, por Norma Editorial.

Grau, Abel. Los ‘fans’ vigilan a los vigilantes. “El País” (6-III-2009).

Moore, Alan (guión); Gibbons, Dave (dibujos). Watchmen. Trad. de Maurizio Curtarelli. Planeta DeAgostini. Barcelona, 2009. 464 pp. Trad. al catalán de Laura Casanovas. Columna. Barcelona, 2009. 468 pp. Reseña de Ayuso, Rocío. ‘Watchmen’ de leyenda. “El País” (7-III-2009).

Palacios, Jesús. 'Watchmen'. Hollywood rebusca en el cómic subversivo. “El Cultural” (6-III-2009).

Redacción. 'Watchmen' triunfa en taquilla, pero menos. “El País” (9-III-2009).

Selección de filmes. 'Deseo, peligro' (2007) de Ang Lee.

2012-02-02T07:34:00.000-08:00

Selección de filmes. 'Deseo, peligro' (2007) de Ang Lee.

Cartel con Tony Leung y Tang Wei.

Deseo, peligro (2007). Se, jie (título chino). China y EE UU. Género: drama. Duración. 157 minutos. Dirección: Ang Lee. Intérpretes: Tony Leung, Tang Wei, Joan Chen, Wang Leehom. Guión: Wang Hui Ling y James Schamus. Música: Alexandre Despiat. Fotografía: Rodrigo Prieto. Montaje: Tim Squyres. Diseño de producción y vestuario: Pan Lai.

Trama.

Shanghái, al inicio de la Segunda Guerra Mundial, bajo la ocupación japonesa. Wong Chia Chi es una joven universitaria china que participa en las actividades de un grupo de teatro, junto a su amigo Kuang Yu Min, un nacionalista que le propone que entable una relación con el jefe de la policía colaboracionista china, el señor Yee, con el objetivo de liquidarlo. La muchacha al poco tiempo inicia una relación cada vez más íntima y peligrosa…

Opinión.

Un filme notable, muy interesante entre otros puntos por su cuidadosa reproducción de un tiempo de zozobra para China, pero no trata tanto de la ocupación japonesa y de la colaboración de los chinos como del viaje personal de la muchacha en el conocimiento de sus deseos y la afirmación de su personalidad hasta que ello choca con la tragic realidad de su entorno.

Fuentes.

[www.labutaca.net/films/57/lustcaution.php]

AA. VV. Wikipedia.

García, Rocío. Entrevista. Ang Lee / Director de cine. “Vivo en constante contradicción”. “El País” (13-XII-2007) 50.

Boyero, Carlos. El precio de la pasión. “El País” (14-XII-2007) 53.

Selección de filmes. 'El dilema' (Quiz Show) (1994) de Robert Redford.

2012-02-02T07:32:00.000-08:00

Selección de filmes. 'El dilema' (Quiz Show) (1994) de Robert Redford.

Ralph Fiennes en Quiz Show.

El dilema (1994). Quiz Show. EE UU. Género: drama. Duración: 122 minutos. Dirección: Robert Redford. Intérpretes: John Turturro, Ralph Fiennes, Rob Morrow, Paul Scofield, David Paymer. Guión: Paul Attanasio. Música: Mark Isham. Fotografía: Michael Ballhaus. Montaje: Stu Linder.

Trama.
El filme narra un famoso escándalo, el amaño de un concurso televisivo, a finales de los años 50 y la vida de los concursantes, los directivos de la televisión y el investigador que destapará el asunto.
Opinión.
La cuarta y excelente película de Redford como director se basó en una novela de uno de los protagonistas, Richard N. Goodwin, y es una ácida reflexión sobre los límites de la ambición y la manipulación de la opinión pública, así como el fin del 'sueño americano'. Los actores están eminentes, especialmente JohnTurturro y Ralph Fiennes en sus papeles de concursantes que son arrastrados a su fatal destino de un modo inexorable.
Fuentes.
AA.VV. Wikipedia.

Selección de filmes. 'Atrapado en el tiempo' (1993) de Harold Ramis.

2012-02-02T07:31:00.000-08:00

Selección de filmes. 'Atrapado en el tiempo' (1993) de Harold Ramis.

Atrapado en el tiempo (1993). Groudhog Day. EE UU. Género: comedia. Duración: 93 minutos. Dirección: Harold Ramis. Intérpretes: Bill Murray, Andie MacDowell, Chris Elliot, Stephen Tobolowsky, Brian Doyle-Murray. Guión: Danny Rubin y Harold Ramis. Música: George Fenton. Fotografía: John Bailey. Montaje: Premboke J. Herring. Producción: Trevor Albert y Harold Ramis.
Trama.
Un meteorólogo de televisión acude con su equipo a un pueblo del interior para grabar el popular acto del Día de la Marmota (el título en inglés) y se sumerge en una pesadilla aparentemente eterna: el mismo día se repite desde el amanecer, el mundo no cambia, pero él sí y deberá plantearse el sentido de su existencia.
Opinión.
Una de las mejores comedias de los últimos decenios, tan sensible e inteligente que el espectador desearía más; pero ese inacabamiento es perfecto. Es una de esas maravillas que te sorprenden no por sus inmensos medios y efectos especiales sino por la calidad de su escritura y la adecuación casi milagrosa de los actores a sus personajes. La progresión de Murray hacia la educación de su espíritu es uno de los mejores alegatos en favor de la enseñanza y de la esperanza en el progreso. ¿Y quién no se enamoraría de MacDowell?
Fuentes.
AA.VV. Wikipedia.
Medina, M. A. Un eterno día de la marmota. “El País” (28-I-2012) 39 (en ocasión de que el diario regalaba el DVD de la película):

‹‹Escondida tras la apariencia de una comedia (¡y qué comedia!) de esas a las que nos tenía acostumbrados en los ochenta el buen cine comercial estadounidense, aguardaba una fenomenal reflexión sobre la rutina, el paso del tiempo y la vejez. Pero que nadie se asuste: Atrapado en el tiempo se convirtió en una de las películas más divertidas de las últimas décadas, así como en un referente para toda una generación, esa que ya no cumple los treinta y para la que la nostalgia es, más que un sentimiento, un estado mental. (…) ¿Cómo convencer a quienes le rodean de que está reviviendo la misma jornada hasta el infinito? ¿Y cómo romper el maleficio de ese día eterno? Esa es la pesadilla que le toca vivir a un genial Bill Murray. (…) un meteorólogo muy conocido, gracioso pero algo borde, al que le toca desplazarse a una pequeña ciudad de nombre impronunciable, Punxsutawney (dígase algo así como Patsatoni), “la capital mundial del tiempo atmosférico desde 1887”. Allí, cada 2 de febrero, se celebra (y esto es real) el festival de la marmota, un ritual mediante el cual uno de estos roedores predice cuándo será la llegada de la primavera. (…) En ese pueblo, lleno de personajes como la servicial dueña de una casa de huéspedes o el amigo de la infancia convertido en vendedor de seguros, se ve atrapado el protagonista, día tras día, en un ciclo que se repite cada vez que suena el despertador. (…) “Estoy reviviendo el mismo día una y otra vez”, dice, amargado, Murray, al tomar conciencia de que le ha tocado en suerte pasarlas canutas como un moderno Sísifo. Luego, tras la desesperación y el abatimiento, investiga las posibilidades (…): no ir a trabajar, robar un banco o, por qué no, tratar de seducir a Andie MacDowell. ¿No haría usted lo mismo?››

Comentari. El Consolat de la Mar de Palma de Mallorca.

2012-02-01T13:54:00.000-08:00

Comentari. El Consolat de la Mar de Palma de Mallorca.

Vistes de la façana principal al mar, amb la galeria adalt.

L’obra.

El Consolat de la Mar és un edifici inicialment gòtic, però reformat en època renaixentista i barroca, fins a perdre el seu estil inicial i no tenir cap dominant.

Primer va acollir el Tribunal de la Jurisdicció des Homes i els Assumptes de la Mar, instaurat per Jaume II el 1306 encara que els seus primers cònsols (jutges) foren nomenats pel príncep Felip, regent de Jaume III, el 1326. Posteriorment, el rei Pere el Cerimoniós el va renovar l´any 1344, seguint les pautes del primer consolat, el de València, establert el 1283. El Consolat estava vinculat al Col·legi de la Mercaderia, que tingué la seva seu en la veïna Llotja des del segle XV, i aquest lligam fou reforçat per les normes atorgades pel rei Martí l´Humà el 1409.

En el segle XVIII, com a conseqüència dels Decrets de Nova Planta de 1715, el Consolat va passar a dependre de la Reial Audiència i desaparegué el 1800. Cap a 1810-1820 se construí la façana actual, en un estil barroc tardà, pel arquitecte Isidro González Velázques (Madrid, 1765-1840), el mateix que dissenyà la Capella Pompeiana del Casal Montenegro i el Passeig del Born de Ciutat, a més de fer molts de eprojectes per a esglésies rurals, i quan tornà a Madrid com arquitecte de Ferran VII ordenà la Plaza de Oriente.

Finalment, després de diversos usos civils i militars (Museu Naval) l’edifici es va convertir en seu del Govern Balear a finals del segle XX.

Anàlisi formal.

De l’època medieval resta encara la planta gòtica interior amb espais petits i allargats, molt emmascarada per les adaptacions posteriors als diversos usos de l’edifici.

La façana del Consolat presenta tres pisos. La de la planta baixa és barroca tardana, posterior al 1810, per la massa petrea i els elements de les finestres. Al primer pis o planta noble destaca la galería porticada (coberta endins amb artesonat) amb balustrada i cinc arcs rebaixats suportats per columnes anellades de proporcions protorenaixentistes, que donen pas a cinc portals decorats amb frontons trencats triangulars d’un estil manierista, que semblen influència de Miquel Àngel. Aquesta part és probablement de la segona meïtat del segle XVI, segons Santiago Sebastián.

Significat.

Aquest petit edifici és un exemple de la gran importància del comerç i la burgesia comercial en l’Edat Mitjana de la Ciutat de Mallorca. La seva activitat va aportar a la ciutat monuments cabdals como la Llotja, la veïna capella de la Llotja (iniciada a mitjans del segle XVI en un Gòtic tardà i acabada cap el 1600) i aquesta seu del Consolat de Mar, que mostra l’adaptació dels edificis als diferents gustos artístics, des del Gòtic inicial al Renaixement tardà i el Barroc tardà, així com prova que una de les millors maneres de conservar els edificis antics és mantenir la seva utilitat.

Fonts.

Gambús Saiz, Mercè. Itinerarios arquitectónicos de las Islas Baleares. Govern Balear. Palma de Mallorca. 1987. 187 pp. Consolat de la Mar (96-97).

Sebastián, Santiago. Arte (147-315), en AA.VV. Baleares. Publicaciones de la Fundación Juan March / Editorial Noguer. Madrid / Barcelona. 1984. 369 pp. Consolat del Mar (236).